Dan in Real Life

There's rightness in our wrongness.

Als Witwer hat man es nicht leicht, aber Dan (Steve Carell) meistert die Erziehung seiner drei Töchter relativ gut. Er steht morgens pünktlich auf, schreibt seine Kolumne in der örtlichen Zeitung und schmiert den dreien ihre Pausenbrote, wäscht ihre Wäsche und agiert mit einer gewissen Lockerheit. Für das Wochenende steht dabei ein Besuch bei den Großeltern in Rhode Island an, zudem auch der Rest der Familie erscheinen wird. Hier beginnen erste Querelen, denn seine älteste Tochter will Dan nicht den Wagen fahren lassen und seine mittlere Tochter reißt aus den Armen ihrer großen Liebe. Die Stimmung im Wagen ist fortan gedämpft und um etwas abzuschalten schickt Dans Mutter (Dianne Wiest) ihn in die Stadt um die Zeitung zu kaufen. Dort lernt Dan im Buchladen die extrovertierte Marie (Juliette Binoche) kennen und nach einem langen Gespräch stellt er fest, dass er sich in sie verliebt hat. Während er dies zu Hause seine Familie eröffnet stellt ihm sein Bruder Mitch (Dane Cook) seine neue Freundin vor: Marie! Dan ist sichtlich geschockt, ebenso wie Marie und im Laufe der nächsten Tage wollen beide zwar was im Buchladen war vergessen, die Eifersucht nimmt bei Dan allerdings überhand, als seine gesamte Familie herzlich mit ihr auskommt. Nicht nur durch sein eifersüchtiges Verhalten grenzt er sich allmählich von den anderen ab, sondern auch in seiner Beziehung zu seinen Töchtern verschlechtert sich mehr und mehr die Stimmung – und wo immer er hinsieht findet er nur Marie.

Ein Mann verliebt sich in die Freundin seines Bruders bzw. verliebt sich eine Frau in den Bruder ihres Freundes. Das ganze geschieht unter der Prämisse, dass die drei sich gemeinsam ein gesamtes Wochenende mit der Großfamilie der Brüder unter einem Dach befinden. Besagte Großfamilie ist auch ein Bündel an Harmonie und Liebe, trotz der Schrulligkeit der einzelnen Charaktere. Das hat ein bisschen was von Woody Allen und seinen Filmen Hannah and Her Sisters sowie September, noch sehr viel mehr gemeinsam mit Thomas Bezuchas The Family Stone aus dem Jahr 2005. Damals brachte Dermot Mulroney Sarah Jessica Parker nach Hause, damit sich sein Bruder Luke Wilson in sie und sie sich in ihn verlieben konnte. Obendrein verliebte sich Mulroney dann in Claire Danes, die Schwester von der Parker. Eine typische Hollywood-Dramödie eben. Wegen seiner Vorhersehbarkeit ist es dann auch nicht verwunderlich, wenn am Ende des Filmes Carell und Binoche doch zueinander finden, Cook vertröstet wird und die beiden Töchter das bekommen, was sie wollten (Autofahren und Freund). Selbstverständlich muss der Hauptcharakter dabei eine Katharsis durchmachen, Läuterung erfahren, Bereuen und für seine Schuld gerade stehen, damit ihm am Ende alles Glück der Welt zufallen kann. Bei Filmen wie Dan in Real Life kommt es also nicht darauf an was für eine Geschichte man erzählt – denn ihr Ausgang ist einem bereits bekannt -, sondern wie man sie erzählt. Und im großen und ganzen unterscheidet er sich hier nicht sehr viel von seinem politisch unkorrekterem Pendant Family Stone oder anderen Filmen desselben Themas.

Drehbuchautor Pierce Gardner entwarf die Geschichte basierend auf eigenen Erlebnissen, da auch seine Frau ein Kind einer Großfamilie ist und bei Familientreffen schnell mal dreißig Menschen anwesend waren. Die andere Komponente entwickelte Regisseur und Autor Peter Hedges, bekannt geworden durch seine Drehbücher zu What Eats Gilbert Grape? und About a Boy. Zudem holte sich Hedges für die musikalische Untermalung des Filmes einen seiner Lieblingskünstler, den norwegischen Musiker Sondre Lerche. Bedauerlicherweise wissen weder Gardner noch Hedges über Klischees hinaus zu geraten, von dem Elternteil, dass seinem Kind eine Szene vor dessen Freunden bereitet, wie die aufreizend angezogene Tochter, bis hin zum elterlichen Sexgespräch und einem Sturz vom Dach. Diese Szenen funktionieren trotz ihrer Ausgewaschenheit noch relativ gut im Film, zeugen aber von der fehlenden Frische des gesamten Themas. Selbst manche Dialogzeilen dürften sich in so manchem Filmlexikon finden, so abgenutzt sind diese. Daher kann man dem Film nicht einmal vorwerfen aus seinem Potenzial nichts zu machen, da er eigentlich kein solches besitzt. Die vorhersehbaren Spannungsbögen verpuffen, da man gedanklich Carells Figur fast zuzurufen scheint, was er denn jetzt laut Klischee machen müsste, nur um dies mit einiger Verzögerung auch beobachten zu können.

Das größte Problem hat man mit der amerikanischen harmonischen Familie, wie sie hier wie so oft propagiert wird. Fröhliches gemeinsames Kreuzworträtsellösen als Geschlechterkampf oder privat initiierte Talentshows, jeder ist mit Spaß und Freude bei der Sache, alle haben sich eigentlich lieb, auch die Brüder, welche dieselbe Frau begehren. Dans Töchter hegen zwar ihre pubertären Aggressionen gegen ihn, ganz tief innerlich lieben sie ihn aber doch auch. Und wenn Carell seiner mittleren Tochter hohnvoll vorwirft, dass man nicht nach drei Tagen mit jemand das Wort „Liebe“ gebrauchen kann, nur um selbst die ganze Zeit entgegen seiner Äußerung zu agieren, ist das schon nicht mehr komisch, sondern bedauernswert. Es gibt jedoch auch seine schönen Momente im Film, wenn Dianne Wiest ihren Sohn in die Waschküche ins Bett schickt und vorher noch die Waschmaschine anschmeißt, die zum Ausschalten des Lichtes rattert. Die zehnjährige Marlene Lawston als Dans jüngste Tochter ist ein Höhepunkt für sich und der Film wartet bis in die Nebenrollen mit vielen bekannten und talentierten Gesichtern auf. Da sind in Nebenrollen John Mahoney (Frasier), Jessica Hecht (Friends), Amy Ryan (Gone Baby Gone) und Emily Blunt (Charlie Wilson’s War) zu sehen, auch wenn gerade Ryan und Blunt wegen ihrer geringen Präsenz relativ verschenkt wirken. Carell selbst kann im Film ebenso wenig beeindrucken wie Binoche, da beide nicht sonderlich gefordert werden und mit einem Minimum an Gesichtsausdrücken schaffen ihre Szenen zu überstehen. Letzten Endes ist Dan in Real Life ganz nett, scheitert jedoch an seiner Einfallslosigkeit und dem fehlenden eigenständigen Humor.

4.5/10

Gattaca

Did I ever tell you about my son, Jerome?

Mit dem Gedanken an Eugenik beschäftigte sich vor rund 2.400 Jahren bereits Platon in seinem Dialog Πολιτεια: „Also werden gewisse Feste gesetzlich eingeführt werden, an welchen wir die neuen Ehegenossen beiderlei Geschlechts zusammen führen werden“ (459e4f.) und „die (…) gebornen Kinder nehmen die dazu bestellten Obrigkeiten an sich (…) die der guten (…) tragen sie in das Säugehaus (…), die der schlechten aber (…) werden sie (…) in einem unzugänglichen und unbekannten Ort verbergen“ (460c). Die Folge: Der perfekte Staat, frei von Makel, die einzig wahre friedliche Staatsform. Eine Dreiklassengesellschaft ohne Familiensystem in der jeder seinen Teil für das Gemeinwohl leistet.

Vom eugenischen Gedanken waren auch die Nationalsozialisten beseelt als die jüdische Bevölkerung sterilisiert und Behinderte oder rassentechnisch Unhygienische euthanasiert wurden. Die menschlichen Genome sind voller Makel: Krebs, ein Herzfehler, Alzheimer, Parkinson – was wäre, wenn man all diese Krankheiten bei seinem Kind vermeiden, es davor schützen könnte? Das Zauberwort heißt Präimplantationsdiagnostik, man trennt sprichwörtlich die Spreu vom Weizen, sondiert die befruchteten Eizellen aus, die entsprechend gesund sind oder die Risiken bergen. Jede Mutter wünsch sich vor der Geburt ihres Kindes, dass es einfach nur gesund sein soll – was wäre aber, wenn sich dies von vorneherein festsetzen ließe?

Ein solches Szenario einer eugenischen Gesellschaft inszenierte Andrew Niccol gegen Ende der Neunziger in seinem Film Gattaca. Paare suchen den Arzt ihres Vertrauens auf und dürfen dann aus den befruchteten Eizellen ihre(n) Favoriten aussuchen. Nur die besten ihrer Eigenschaften werde der Sohn haben, versichert der Genetiker (Blair Underwood) dem Ehepaar Freeman. Ausschließen lässt sich so ziemlich alles, auch jegliche Veranlagung zum Alkoholismus. Doch Marie Freeman (Jayne Brook) ist unsicher. “We were just wondering if it is good to just leave a few things to chance?”, wendet ihr Gatte Antonio (Elias Koteas) ein. Der Genetiker schmunzelt nur. Denn die Entscheidung ist schon längst gefallen.

Denn zwei Jahre zuvor kam ihr erster Sohn Vincent zur Welt, ein natürlich gezeugtes Kind von Gottes Gnaden. In Niccols Zukunft wird ihm kurz nach der Geburt Blut entnommen und seine ganze Zukunft vor ihm ausgebreitet. Vincent hat zu 99% eine angeborene Herzschwäche, seine Lebensprognose beträgt 30,2 Jahre. Vater Antonio erkennt, dass dem Jungen kein einfaches Leben bevorsteht und interveniert, als seine Frau diesem den Namen seines Vaters geben möchte. Er solle nicht „Anton“ heißen – dieses Privileg wird er erst zwei Jahre später vergeben, an seinen eugenisch perfekten Sohn. Im Alter von acht Jahren wird Anton seinen älteren Bruder nicht nur was die Größe betrifft übertrumpft haben.

In dieser Gesellschaft, die nur auf die Gene schaut und in der Urinproben Bewerbungsgespräche ausmachen, haben Gotteskinder keine Chance. Entsprechend strebt Vincent nach höheren Dingen, einer anderen Welt, da draußen im Weltall, wo es keine Rolle spielt, welche Gene du hast. Doch als „Invalide“ ist er nicht gut genug, um die Akademie zu besuchen, seine Gene machen ihm einen Strich durch die Rechnung. Näher außer als Putzkraft wird er der Raumfahrtorganisation Gattaca nie kommen. Vincent (Ethan Hawke) bleibt somit nur die Rolle als Rebell gegen das System. Er geht eine Zweckgemeinschaft mit Jerome Morrow (Jude Law) ein, einem jener makellos-eugenischen Menschen dieser selbst geschaffenen Elite.

Der suizidale Jerome ist seit einem Unfall gelähmt, eine oberflächliche Ähnlichkeit zu Vincent ermöglicht es Letzterem sich mit Jeromes Genen bei Gattaca zu bewerben, wo er es schafft, einer Raumfahrtmission zum Saturn zugeteilt zu werden. Für die Erfüllung von Vincents Traum erhält Jerome im Ausgleich die Aufrechterhaltung seines Lebensstiles. Jene Symbiose dieser genetisch ungleichen Männer droht jedoch aufzufliegen als Vincents Vorgesetzter ihm auf die Schliche gekommen zu sein scheint und tot in seinem Büro aufgefunden wird. Die Ermittlungen obliegen dem hartnäckigen Polizisten Hugo (Alan Arkin), der hierbei von Anton (Loren Dean) unterstützt wird, der es bis in die obersten Ränge geschafft hat.

Um anonym zu bleiben und hinter Jeromes Maske zu verschwinden muss Vincent tagtäglich eine hygienische Prozedur über sich ergehen lassen. Er befreit er seinen Körper von jeglichen Hautschuppen, trägt künstliche Fingerkuppen und einen Urinbeutel an seinem Oberschenkel. Er setzt sich Kontaktlinsen ein und zieht sich Socken über die Beine, welche er operativ verlängern lassen musste, um Jeromes Größe zu entsprechen. Da man bei Gattaca und auch sonst nur noch auf die DNS achtet, ist die wenig glaubhafte Ähnlichkeit von Vincent und Jerome irrelevant. Es ist nicht wichtig, was man tatsächlich kann, sondern wozu man gemäß dem Genpool in der Lage ist. Die richtigen Genome sind das beste Zeugnis.

So wird Vincent lediglich als Jerome wahrgenommen und entsprechend akzeptiert - die zwar illegale, aber auftretende Genomdiskriminierung ist überwunden. Dennoch weckt Vincent die Zweifel seiner Arbeitskollegin Irene (Uma Thurman). Mittels einer Haarprobe sucht sie einen öffentlichen Schalter auf, an welchem Frauen Speichelproben ihrer Verabredungen abgeben, um wenige Sekunden später die genetische Identität – und damit das Potential – ihres möglichen Partners in Form einer Nukleotidfolge ausgehändigt zu bekommen. An jenem Abend besuchen Vincent und Irene ein Konzert eines Pianisten mit zwölf Fingern. “That piece can only be played with twelve”, informiert Irene hinsichtlich des Stückaufbaus.

“There’s no gene for fate”, sagt Vincent an einer Stelle. Der Pianist scheint ihn jedoch zu widerlegen. Sein Karrierepfad wirkt vorherbestimmt, mit schönem Dank an die Präimplantationsdiagnostik. Was am Ende dann entsteht ist ein Mensch, der es im Leben zu allem schaffen kann, zu allem wozu er vorher ausgewählt wurde. Dem Zufall wird hier nichts mehr überlassen, denn der Zufall birgt Risiken. Ob das „Produkt“ am Ende noch als Mensch mit freiem Willen durchgehen kann, wenn man ihm Entscheidungsmöglichkeiten genetisch negiert, ist fraglich. Friedrich Nietzsche sagte, es gäbe keinen Gott, sondern der Mensch erschuf diesen, um sich seine Existenz zu erklären. In Gattaca wird der Mensch zu Gott.

Gegenwärtig werden Themen wie Klonen oder Stammzellenforschung heiß diskutiert, das Spielen mit menschlichem Leben – wie immer alles nur zu einem höheren Ziel. Als Gattaca im Jahr 1997 erschien, schrieb der Molekularbiologe Lee M. Silver, dass Niccols Film Pflichtprogramm für alle Genetiker sein sollte, schon allein, damit sich diese der Tragweite ihres Handelns bewusst würden. Denn wenn man Menschen genetisch konzipieren kann, provoziert man eine selektive Gesellschaft die andere ausgrenzt. So wie Vincent ausgegrenzt wird, als ihn eine Kindertagesstätte wegen des genetischen Risikos einer Verletzungsgefahr nicht aufnehmen will. “Wherever I went, my genetic prophecy preceded me”, sagt er.

Die Genetik ist allgegenwärtig in Gattaca. So hat die Treppe in Jeromes Haus die Form einer Doppelhelix und der Name des Films wie auch von Vincents und Irenes Raumfahrtorganisation setzt sich aus den Nukleotiden des DNS- und RNS-Stranges zusammen. Adenin, Guanin, Cytosin und Thymin bilden am häufigsten in der menschlichen DNS die Kombination GATTACA. Jene Einrichtung selbst ist wie Niccols gesamter Film sehr steril geraten und wirkt trotz der oft in das bräunlich gehenden Farben weitestgehend kalt. Besonders leblos – natürlich auch als Spiegelung von diesem selbst – wirkt Jeromes Haus, in dem sich der einst perfekte Jerome und der vormals fehlerhafte Vincent schließlich anfreunden.

Sympathien schlagen Vincent immer dann entgegen, wenn Menschen selbst Fehler kennen. So wie bei Hausmeister Caesar (Ernest Borgnine), Firmenarzt Lamar (Xander Berkeley) und allen voran Irene, die aufgrund eines Herzfehler-Risikos selbst nie ins All reisen wird. Das stark besetzte Ensemble überzeugt durch die Bank, ebenso wie die wieder einmal ausgezeichnete musikalische Untermalung durch Michael Nyman, von Andrew Niccol in Gattaca verpackt zu einem Appell gegen Diskriminierung und den Glauben an die Möglichkeit, auch Dinge zu schaffen, die unser Schicksal nicht für uns vorgesehen hat. Denn letztlich, so die Botschaft des Films, ist ein Genom auch nur so gut, wie der Mensch, der es in sich trägt.

10/10

Kurz & Knackig: Shinema Ajia

Koroshi no rakuin

Wenn man einem Regisseur zu attributiert, er mache „Filme die keinen Sinn machen und kein Geld einspielen“, dann denkt man vielleicht zuerst an Edward D. Wood Jr., gesagt wurde dies jedoch über Suzuki Seijun und seine eigenmächtigen Veränderungen an dem japanischen Kultfilm Koroshi no rakuin (Branded to Kill). Für heutzutage lächerliche $200.000 inszenierte Suzuki seine anarchische Yakuza-Farce mit einem seiner Lieblingsschauspieler in der Hauptrolle, Joe Shishido, einen der wenigen männlichen Schauspieler auf diesem Planeten, die sich für ihre Karriere ihre Wangenknochen plastisch vergrößern lassen. Suzukis Geschichte eines Auftragskillers der schließlich von seinem eigenen Syndikat gejagt wird ist in seiner Grundlage nicht sonderlich spannend, gewinnt seinen Charme jedoch durch die Inszenierung. Hanada (Shishido) ist ein sehr seltsamer Auftragskiller, der sich im wahrsten Sinne des Wortes am Geruch von kochendem Reis aufgeilt (muss man mehr zur Figur sagen?). Der Film, der große Genreregisseure inspirierte (Jim Jarmusch verweist auf ihn in einer Szene in Ghost Dog), wirkt bisweilen als eine Mischung aus John Woo und Jean-Luc Godard, ist gewöhnungsbedürftig und sicher ohne Frage ein Arthouse-Mafia-Film (großer Anteil daran geht allein an Annu Maris Charakter). Da ich beim ersten Sehen eher etwas in Richtung Woo denn Godard und ähnliches erwartet habe, war meine Reaktion etwas platt und daher dürfte der Film bei einer zweiten Rezeption sicherlich nochmals an Wirkung gewinnen.

8/10

Kaze no tani no Naushika

Als Atheist kann man höchstens zu einem Gott finden und der heißt Miyazaki Hayao. Kaze no tani no Naushika (Nausicaä of the Valley of the Wind) war zwar nicht mein erster Ghibli (auch wenn er streng genommen kein Ghibli ist, aber für die Gründung des Studios verantwortlich war), aber er hat mir mal wieder gezeigt, welche Magie und Kraft doch in den Werken des japanischen Studios steckt, dass sich nicht hinter Disney oder Pixar zu verstecken braucht, im Gegenteil. Miyazaki brachte 1984 (!) diese Adaption seines eigenen zwei Jahre zuvor entstandenen Mangas in die Kinos und erzählte die Geschichte der Prinzessin Naushika, die zu verhindern versucht, dass die Königreiche Tolmekia und Pejite einen Gotteskrieger wiedererwecken, der den Kampf gegen die Ohmu (japanisch für König der Insekten) und die Natur aufnehmen soll, nachdem diese die Welt beherbergen und in ihrem giftigen Griff hat. Zweifellos gehört Miyazaki zu den größten Geschichtenerzählern unserer Zeit und es gelingt ihm spielend eine packende, bedeutsame und tiefsinnige Geschichte zu entwickeln, die zugleich actionreich sein kann. Hier könnten Bay und Emmerich eine Menge lernen, gerade letzterem ist es mit seinem The Day After Tomorrow weitaus weniger gelungen Aspekte der Umwelt und Action unter einen Hut zu bekommen wie es bei Naushika der Fall ist. Einfach eine unglaubliche Ausgeburt an Liebe, Einfallsreichtum und sozialer Kritik.

10/10

Saibogujiman kwenchana

Sehr bizarre, dass scheinbar fast jeder asiatische Schauspieler oder Schauspielerin nebenher als Pop-Star arbeitet, wie bei Eastwoods Letters from Iwo Jima wird auch hier die Rolle des jungen Protagonisten von einem solchen übernommen, der gute Mann nennt sich Rain, auch wenn er eigentlich Jeong Ji Hoon heißt. Spielen tut er den notorischen Dieb Park Il-sun, der in der Nervenheilanstalt auf Young-goon (Im Su-jeong) trifft, die sich selbst für einen Cyborg hält. Ihre Mission ist ihrer Großmutter (die sich für eine Maus hält) ihre dritten Zähne zurückzugeben – Young-goon ist dafür allerdings total geschwächt, da sie jegliche Nahrung verweigert, schließlich ist sie ein Cyborg. Nachdem mir Park Chan-wooks letzter, Sympathy for Lady Vengeance, ziemlich wenig gefallen hat, macht er mit dieser verqueren Komödie wieder alles gut. Man wird zwar den Eindruck nicht los, dass Michel Gondry One Flew over the Cuckoo’s Nest mit Koreanern gedreht hat, aber eine gewisse Schrägheit bringt ja auch Park mit sich. Neben den knalligen und farbenfrohen Szenen sind es besonders die phantastischen Elemente die zu unterhalten wissen, gerade wenn Young-goon auf Terminator-Art durch die Flure spaziert und alles niedermäht was einen weißen Kittel trägt, bis hin zur Szene wenn ihr Park Il-sun etwas vorjodelt. Das ist alles, einschließlich dem Ende, so herzhaft schräg, das den Anderson-, Jonze- und Gondry-Fan das Herz aufgeht, und man Saibogujiman kwenchana allein wegen des englischen Verleihtitels (I’m a Cyborg, but that’s OK) in sein Herz schließen muss.

8.5/10

Bôkoku no îgisu

Wie hat es Janusz Gora am 18.3.2000 bei Ulms 1:9 Debakel gegen Leverkusen so schön gesagt: Skandal! Ich klage Sie an, Herr Kleriker, der mir hier Pathos und ich weiß nicht was versprochen hatte, als ich mir die DVD auslieh (dennoch an dieser Stelle Dank für die anderen DVDs). Skandal trifft mich jedoch auch selber, hab ich in der Hauptrolle des Sengoku schließlich nicht einmal Sanada Hiroyuki erkannt! So kann das gehen, lag vielleicht auch daran, dass die Geschichte von Bôkoku no îgisu (Aegis) irgendwie eine totale Schlaftablette ist. Die japanische Version von The Rock trifft Under Siege. Ein Ausländer namens Yuong Fan will ein Nervengas in Tokio hochgehen lassen und kapert einen japanischen Zerstörer, auf diesem befindet sich neben Petty Officer Sengoku auch der Geheimagent Kisaragi. Beide Männer versuchen fortan im Untergrund des Schiffes die Terroristen zu stoppen und den desillusionierten Kapitän Miyazu von seinem Handeln umzustimmen, bla bla, schnarch. Das wäre ja recht nett, wenn man sich eben nicht die Handlung von Michael Bay und Andrew Davis erklaut hätte. Am Ende des Films, der genrebedingt vorhersehbar ist wie der Sekundenzeiger, folgt dann die Erkenntnis, dass Japaner wohl kein gescheites Kunstblut erschaffen können und dass sie zudem zu doof sind zum Schießen. Abschließend verrät ein Blick in das Ex-Blog des Klerikers, dass ich scheinbar Bôkoku no îgisu mit The Sinking of Japan verwechselt habe (was den Film aber auch nicht besser macht).

5.5/10

Tonari no Totoro

Wie bereits Naushika ist man auch bei Tonari no Totoro (My Neighbour Totoro) restlos begeistert und hat nur noch ein Grinsen auf den Lippen, welches dem von Totoro in nichts nachsteht. Miyazaki-sans zweiter Film fürs Ghibli-Studio erzählt von den beiden Schwestern Satsuki und Mei, die im Japan der fünfziger Jahre mit ihrem Vater in ein scheinbar spukendes Haus ziehen. Da ihre Mutter im Krankenhaus liegt, vertreiben sich die Schwestern ihre Zeit im Garten wo sie auf den Waldgeist Totoro und dessen Freunde treffen. Aber plötzlich verschlechtert sich der Zustand der Mutter. Die Handlung basiert auf eigenen Erfahrungen von Miyazaki, dessen Mutter als er klein war an Tuberkulose erkrankt war. Umgesetzt wird diese liebevolle Geschichte mit vielen Referenzen zu Lewis Carrolls Alice in Wonderland und wie alle Ghiblis lebt sie von ihrer Wärme und Phantasie. Allein der Katzenbus reicht schon aus um auf jedes Gesicht ein Lächeln zu zaubern und fortan sollte jede Person suspekt sein, die einem Ghibli nichts abgewinnen kann. Miyazaki gelingt es mühelos nicht nur einen Film für Kinderherzen zu erschaffen, sondern auch etwas an dem sich Erwachsene erfreuen können. Im Übrigen ist davon abzuraten, einen Ghibli in der englischen Synchronfassung zu sichten (hier empfiehlt sich Original mit Untertiteln), und wer dies nicht glaubt, soll versuchen, mehr als ein paar Minuten Mononoke-hime mit den Stimmen von Billy Crudup und Claire Danes zu ertragen.

10/10

Mou gaan dou III: Jung gik mou gaan

Neulich wurde bereits angesprochen, dass Mou gaan dou einer der beste Hongkong-Filme aller Zeiten ist und jeder, der das das müde US-Remake höher einstuft, nicht mehr alle Latten am Zaun hat. Was die Sequels angeht, hatte der zweite Teil durchaus noch zu funktionieren gewusst und etwas Licht in die Vergangenheit von Yan und Ming gebracht, zudem auch Sam und Wong gebührend Respekt gezollt. In China kam der dritte Teil bereits einen Monat nach dem zweiten in die Kinos und lief äußerst erfolgreich. Mal außen vorgelassen, dass bei diesem Asia-Import die Tonspur nicht 1:1 zu den Lippenbewegungen passt (sowohl im Kantonesischen wie Mandarin), bietet Mou gaan dou III: Jung gik mou gaan (Infernal Affairs 3) ein Pre- wie Sequel in einem. Verfolgt werden die letzten Monate vor Yans (Tony Leung Chiu-Wai) Tod und zugleich die Monate nach diesem, während Ming (Andy Lau) versucht, Sams übrig gebliebene Spitzel ausfindig zu machen. Sein Verdacht fällt dabei auf den zwielichtigen Yeung (Leon Lai), der in der Tat mit Sam in Kontakt stand, wie man aus Yans Rückblenden erfährt. Wirklich viel zu tun mit dem ersten Teil hat die erzählte Geschichte dann aber nicht, die Figur von Yeung wird erst hier eingeführt und offene Fragen gab es im Grunde auch nicht. Der Film funktioniert also als Ausfüller, konzentriert sich mehr auf Yans Beziehung zu Dr. Lee (Kelly Chen) und Mings Bestreben, endlich ein guter Polizist zu werden. Die Auflösung passt wiederum sehr gut in das Gesamtbild und auch die Friedhofszenen sind wie in den vorherigen Teilen äußerst schön geworden.

7/10

The Prisoner

Be seeing you.

Wenn man sich an Kult-Serien ranwagt, ist dass immer eine Durchschiffung von Skylla und Charybdis, vor allem wenn sie so alt ist wie bei The Prisoner der Fall. Zweimal haben die Simpsons auf die Serie verwiesen, am deutlichsten in der Folge The Computer Wore Menace Shoes in welcher es Homer selbst auf eine mysteriöse Insel verschlägt und er zur bloßen Nummer verkommt. Worauf die Simpons damals anspielten, wusste ich nicht und kann man sicherlich auch nicht immer bei all den Referenzen die sie einbauen. Geht man der ganzen Sache jedoch etwas nach, so springt einem das Wort „Kult“ förmlich entgegen, wenn man auf The Prisoner stößt. Betrachten man die Umstände – die Serie entstand 1967 – dann dürfte die Idee der Serie bzw. ihre Umsetzung die Titulation „bahnbrechend“ erhalten, wurden spätere Filme (auch wenn es mehr schlechte sind) wie Tsui Harks Double Team oder Michael Bays The Island von ihr beeinflusst. Hauptdarsteller, Produzent, Autor und Regisseur in einem, Patrick McGoohan, erlangte durch sie TV-Legendenstatus, wenn er diesen nicht ohnehin bereits durch seine Vorgängerserie Danger Man verdiente. In dieser Serie spielte er von 1960 bis ´62 und anschließend nochmals von ´64 bis ´66 den britischen Geheimagenten John Drake. Durch ebenjene Serie wurde McGoohan schließlich zu The Prisoner inspiriert, zum einen durch den walisischen Drehort Portmeirion, an dem drei Episoden Danger Man produziert wurden, sowie der Danger Man Folge Colony Three, die eine ähnliche Thematik besitzt. Nachdem McGoohan seiner Agentenserie müde geworden war, gab er sie schließlich 1967 auf und initiierte stattdessen die Entstehung von The Prisoner.

Ein namenloser Geheimagent (Patrick McGoohan) reicht bei seinem Vorgesetzten seine Kündigung ein, fährt nach Hause und packt, wird aber durch einen Gasangriff von Unbekannten betäubt. Dies ist die Vorgeschichte zu The Prisoner, zu sehen in jeder Episodeneinleitung. In einem optisch seltsamen Dorf wacht der namenlose Geheimagent auf, in seinem eigenen Haus und wird mit „Nummer 6“ angesprochen. Bald schon macht er die Bekanntschaft vom Leiter des Dorfes, Nummer 2. Diese will wissen, aus welchen Gründen Nummer 6 gekündigt hat, wenn sie es verrät, darf sie wieder gehen – doch Nummer 6 weigert sich, sowohl den Grund preiszugeben, als auch sich anzupassen in diesem Dorf voller namenloser Gefangener, die alle aufgesetzt fröhlich sind und Nummern tragen. Nummer 6 plant seine Flucht, doch hat kein Glück, immer wieder büxt er aus, konspiriert mit anderen Bewohnern und muss sich den manipulativen Eingriffen von Nummer 2 aussetzen lassen. Mit jedem scheiternden Versuch an das Geheimnis von Nummer 6 heranzukommen wird Nummer 2 abgelöst und durch eine neue Nummer 2 ersetzt und während Nummer 6 allmählich seine Fluchtpläne bei Seite schiebt, konzentriert er sich vielmehr darauf die Strukturen des Dorfes und den hierarchischen Aufbau des Ganzen, sowie seine politische Zuordnung zu verstehen, katalogisieren und Stück für Stück gegen seine Bewacher zu benutzen.

 

Der Kopf hinter der gesamten Serie ist zweifelsohne Patrick McGoohan, der nicht nur die Idee entwickelte und das Serienfinale schrieb, sondern auch immer gerne dann den Regiestuhl übernahm, wenn er mit der Arbeit des Regisseurs unzufrieden war. Zudem sorgte der erzkatholische Schauspieler dafür, dass Waffen und Frauenliebschaften aus der Serie verbannt wurden – eine Haltung die vordergründig dafür zuständig war dass McGoohan nicht die ihm angebotene Rolle des James Bond übernahm. Nichtsdestotrotz baute er dafür fast in jeder Episode Schlägereien ein, die ohnehin zu seinem grimmigen und aggressiven Charakter der Nummer 6 passen. Ursprünglich war die Serie nur auf sieben Folgen aufgebaut, doch Fernsehchef Lew Grade – der auch Danger Man auf den Bildschirm gebracht hatte – orderte zweimal dreizehn Folgen, insgesamt also sechsundzwanzig. Am Ende wurden es doch nur siebzehn und von diesen betrachtet McGoohan lediglich seine geplanten sieben als Kanon während der Rest bloß ein Lückenfüller sei. Dies trifft in der Tat zu, weitet sich sogar an sich auf fast alle Episoden aus, denn ein wirkliches Konzept scheint McGoohan der Serie nicht zu Grunde gelegt zu haben. Während die ersten beiden Folgen aufgrund der Einleitung ins Geschehen ziemlich stark sind, baut die Serie anschließend konstant ab, kann inhaltlich gar nicht mehr überzeugen und lediglich durch ihre Kreativität glänzen.

Die beiden Motive der Serie, das Ergründen von Nummer 6’s Kündigung und dessen Versuch einer Flucht, spielen im Mittelteil, aber auch zu Beginn und zum Ende hin eigentlich kein Thema mehr und selbst wenn ihm die Flucht gelingt (Many Happy Endings) ist er zu doof um nicht doch wieder im Dorf zu landen. Das Finale, welches sich McGoohan kurz vor Ende der Serie erst in seiner Garderobe hatte einfallen lassen müssen, regte viele Menschen damals zu Protesten an und zwang den Hauptdarsteller und seine Familie sicherheitshalber in die Schweiz umzusiedeln. Während manche Folgen gar keinen Sinn machen (Western-Szenario, James-Bond-Persiflage und eine auch mal ohne McGoohan) beeindrucken die anderen durch ihre Umsetzung, die Einbindung von psychologischen Elementen, halluzinogenen Drogen, Hypnose, Gedankenkontrolle usw. Das eigentlich interessante Konzept eine Art Crossover aus Bond-Figur und kafkaesken Elementen zu erschaffen wird jedoch nicht genutzt, The Prisoner weist keinen roten Faden auf, keine Basis, keine wahre Geschichte. So verkommen die meisten Folgen zu Schlaftabletten und das Ende hätte wohl von David Lynch nicht besser inszeniert werden können. Vielleicht handelt es sich hierbei um eine Serie, die man im Kontext ihrer Zeit erleben musste, aber ohne eine stringente Geschichte zu erzählen nützen auch audio-visuelle Reize nichts. Die Auflösung ist nicht unbedingt schlecht, nur wird die anfängliche Prämisse der Serie nach wenigen Folgen außer Acht gelassen und belanglose Intermezzos skizziert.

6/10

Juno

You're being really immature.

„Mein Name ist Diablo Cody – naja, nicht wirklich. Aber was soll’s?“. Quizfrage: Wo würde man diese Person am ehesten antreffen? Oder anders, würde es Hollywood nicht geben, hätte es für diese Frau erfunden werden müssen. Eine Frau namens Brook Busey, die ihren Job aufgibt um ganztägig als Stripperin zu arbeiten, nur um auch das aufzugeben und sich stattdessen Telefonsex zuzuwenden, die sich selbst nach der spanischen Bezeichnung für „Teufel“ und einem Ort in Wyoming benennt, ihren Mann im Internet kennen lernt und nicht mal zwei Jahre später von ihm scheiden lässt. Während sie neben dem Strippen Artikel für Zeitungen schrieb, veröffentlichte sie mit 24 Jahren ihre Memoiren (heutzutage immer früher, bald wird man welche von 10-Jährigen lesen können).

Sie eröffnete bei Blogspot ihr eigenes Blog, Pussy Ranch, das anschließend sechs Monate von einem Hollywoodproduzenten gelesen wurde und ihr schließlich den Auftrag ein Filmdrehbuch zu schreiben bescherte. Von der Stripperin zur Oscargewinnerin – das ist der viel gerühmte American Way of Life. Nachdem sie sich bei den diesjährigen Academy Awards wohl dank des Sympathiefaktors gegenüber den besser geschriebenen Büchern von Nancy Oliver und Tamara Jenkins durchgesetzt hat, wird sie im Herbst dieses Jahres für eine Fernsehserie schreiben, mit Toni Colette in der Hauptrolle nach einer Idee des großen Steven Spielberg. Die gute Frau wird sich fortan also wohl nicht mehr auszuziehen haben, um ihr täglich Brot zu verdienen und wer schon immer mal einen Blick in den Kopf einer ehemaligen Stripperin werfen wollte, der ist hier an der richtigen Adresse.

Wie so viele Autoren verarbeitet auch Miss Cody eigene Erlebnisse in ihrem Skript, als sie selbst zur Schule ging war sie Tochter einer Mittelstandsfamilie und ihre 16jährige Freundin wurde schwanger. Ein kleiner Crossover und fertig ist Juno MacGuff, hier gespielt von der talentierten Ellen Page, deren Oscarnominierung jedoch – das sei vorweg genommen – ebenso lächerlich ist, wie die der Autorin, des Regisseurs, des ganzen Filmes eigentlich. Juno ist Tochter des Mittelständlers mit dem netten Namen Mac MacGuff (J.K. Simmons) und im Besitz eines Hamburgertelefons (welches eigentlich ein Cheeseburgertelefon ist), das aus dem Besitz der Autorin selbst stammt. Der Film leitet sich selbst ein mit dem Stuhl, auf dem Juno ihre Jungfräulichkeit verlor, als sie mit ihrem besten Freund Paulie Bleeker (Michael Cera) schlief. Wie das bei ungeschütztem Sex vorkommen kann, wird Juno prompt schwanger und vertraut sich erstmal ihrer besten Freundin Leah an, ehe sie zur nächsten Abtreibungsklinik geht, um das Kind loszuwerden.

Tut sie dann aber doch nicht, wieso wird nicht klar, spielt ja auch keine Rolle, denn die restliche Spielzeit verbringt Cody damit dem Publikum einen ausgewählten Soundtrack ans Herz zu legen und nebenher irgendwas zu erzählen, was komisch sein soll. Die Komik des ganzen liegt darin, dass sie der 16jährigen Juno Worte in den Mund legt, die sie selbst wohl sagen würde, die lustig und cool sein sollen, aber es irgendwie nie sind. Was die Autorin hier betreibt ist äußerst paradox, denn einerseits erschafft sie eine Figur, die ihrem Intellekt nach und ihrer (zumindest teilweisen) Ausdrucksweise aus dem Universum von Kevin Williamson (Dawson’s Creek) stammen könnt, die jedem der es hören will – oder nicht schnell genug wegkommt – einen Vortrag darüber hält warum die Hochzeit des Rocks 1977 war und The Stooges einer der besten Bands sind.

Sie ist weder dumm, noch auf den Kopf gefallen, diese Figur Juno, scharfsinnig, ehrlich und direkt. Zugleich jedoch von einer unbeschreiblichen und für amerikanische Verhältnisse typischen Naivität, die nichts von Verhütung weiß und ihr Kind den ganzen Film hindurch als „Ding“ bezeichnet, welches sie am liebsten „wie in den guten alten Zeiten“ in einem Korb loswerden würde. Die potentielle Adoptiveltern nach dem Coolheitsschema auswählt, Graphikdesigner wären zum Beispiel angesagt (Codys Ex-Mann und Pages Vater sind Graphikdesigner). Mit ihrem Mundwerk und ihrer Art kommt sie dabei genauso gut bei dem designierten Adoptivvater (Bateman) an, wie es umgekehrt der Fall ist – Grund hierfür ist das beide Figuren praktisch identisch sind. Mark wie Juno teilen denselben Humor, hören dieselbe Musik, machen sich gegenseitig Mixtapes, haben ein Faible für Gore-Filme und wollen an sich nichts mit Kindern zu tun haben. Dies führt wiederum zu dem Paradox von Marks Ehe mit Vanessa (Jennifer Garner), die nicht verschiedener sein könnte als er. Die Frage wieso sich ein so freiheitsvernarrter Mensch wie Mark mit dem Kontrollfreak Vanessa einlässt, in dem versnobten Vorstadthaus und dem Wunsch nach Kindern, beantwortet die Autorin nicht. Ebenso wenig wie alle anderen Fragen, die das von ihr skizzierte Thema stellt. (Wem das jetzt schon zu bunt wird, dem empfehle ich die positive Kritik zum Film von Marcus).

Gerade die Szene in der Abtreibungsklinik ist eine der entscheidenden des Filmes, warum Juno aber schließlich so handelt wie sie handelt wird nicht erläutert. Man könnte wohl behaupten, dass der Film nicht wirklich ernst genommen werden will – alleine der Name von Junos Vater spricht dafür -, sondern der lediglich etwas Spaß machen will, eine kleine Indie-Komödie sein möchte die eine schwangere sechzehnjährige zeigt, die sagt was sie denkt und denkt was sie sagt. Im Cinefacts-Thread hab ich mich zu der Aussage hinreißen lassen, dem Film eine bedenkliche, gefährliche Tendenz zuzusprechen, durch seine Aussage „Schwanger! Na und?“ (O-Ton Filmverleih) ein falsches Bild von Schwangerschaft bei Minderjährigen zu vermitteln. Die Worte „bedenklich“ und „gefährlich“ sind hierbei etwas hart gewählt, wie ich im Nachhinein feststellte, nichtsdestoweniger ist es kritisch zu betrachten, wie der Film mit dem Thema Schwangerschaft umgeht.

Das hängt nicht unbedingt mit Konservativismus zusammen, denn niemand erwartet dass der Film eine Katharsis wie Knocked Up durchmacht, aber ein etwas rationalerer Umgang wäre sicher nicht zuviel verlangt gewesen. Vor allem wenn man seine Figur so frühreif zeichnet wie es Cody tut und ihr dann dümmliches Cheerleader-Geschwätz in den Mund legt. Gut möglich, dass es sich hierbei aber auch um ein reales Bild des heutigen Amerikas handelt, ein Cinefacts-User meinte zumindest man könnte nicht einmal in einem Wal-Mart Kondome kaufen, Sexualaufklärung findet anscheinend (entgegen der Darstellung in Definitely, Maybe) weder in der Schule noch zu Hause statt. Immerhin befinden sich die USA bei den Zahlen für minderjährige Mutterschaften auf einem Niveau mit Indonesien und Südafrika (55 Schwangerschaften kommen auf 1.000 Teenager).

Wird es in Juno mal ernst, dann weiß Regisseur Jason Reitman, der mit Thank You For Smoking nicht ein äußerst passables Regiedebüt hingelegt hatte – stets penetrant den Soundtrack drüber zu legen und Lieder von Kimya Dawson sowie andere Indie-Hits neben Veteranen wie Buddy Holly und The Kinks abzuspielen. Bei diesem schlecht geschriebenen Skript versucht Reitman dennoch zu retten, was noch zu retten ist und was am meisten überzeugen kann ist dann doch das Casting. Bedenkt man die Charaktere für sich genommen, sind alle sehr gut besetzt, von Bateman über Garner zu Cera, gerade bei letzterem sind speziell die Szenen mit Page sehr gelungen und wirken von allen im Film dargestellten am authentischsten.

Juno ist so ein Film, bei dem vorausgesetzt wird, das man das Gesehen nicht hinterfragt, sich einfach von dem Charme verzaubern lässt und ohnehin alles richtig cool und dufte findet. Das dabei alle Figuren überzeichnet sind, die Dialoge konstruiert und die eigentliche Geschichte gar keine ist, eher ein Napoleon Dynamite mit einer Schwangeren, politisch unkorrekt, frisch, witzig – in einem Wort: Hollywood. Da verwundert es nicht, dass der Film alleine in den USA das zwanzigfache seiner Kosten eingespielt hat, mit vier Oscarnominierungen bedacht wurde, gerade in den Kategorien Bester Film und Beste Regie Konkurrenten wie Zodiac, David Fincher, Joe Wright und andere hinter sich gelassen hat. Juno ist dann doch nur das, was die Allgemeinheit als Feel-Good-Movie bezeichnet, auch wenn er bei näherer Betrachtung in fast allen Bereichen versagt.

4/10

Prison Break - Season Three

You're exactly where you belong.

Über den amerikanischen Autorenstreik wurde an dieser Stelle immer dann geschrieben, wenn es um Serien ging. Diese sind ohne Frage die großen Opfer des Streikes, alles auf Kosten der Zuschauer. Die meisten Serien gehen mit weniger Folgen in ihre Staffeln, als von den Sendern geordert. Die ursprüngliche Staffel sowohl von Prison Break wie auch von Heroes sollte vierundzwanzig Episoden betragen, wurde jetzt jedoch nach der Hälfte eingestellt und kehrt erst im Herbst zurück. Andere Serien wie Lost oder The Office gehen ebenfalls mit verminderten Folgen im April weiter, wieder andere Serien wie 24 oder auch Entourage werden nach hinten verschoben. Leidtragende sind die Zuschauer, denn durch die Komprimierung der Handlungsstränge leidet das Gesamtbild der Serie, ziemlich gut zu sehen bei Heroes, dessen Exposition zu einem größeren Ganzen schließlich das Ganze bildete und inhaltliche Schwächen aufzeigte. Natürlich sollten die amerikanischen Autoren besser an und durch ihre Arbeit verdienen, die Schuld an der Geschichte soll nicht ihnen angelastet werden, viel eher die Studios sind verantwortlich für die Misere. Schließlich kam der Autorenstreik nicht aus dem Blauen, man wusste wann und man ahnte dass es kein Kinderspiel werden würde. Warum man dann über zwanzig Episoden ordert, grenzt an Idiotie, schließlich kann man sich nur mit gewissen Fähigkeiten in Hollywood behaupten.

Eine Serie die wie erwähnt darunter zu leiden hatte, ist Prison Break. Das Gefängnisdrama, welches besonders durch seine erste Staffel überzeugen konnte, war ursprünglich nie als Langzeit-Serie gedacht, bereits in der zweiten Staffel wurde schließlich ein „The Fugitive“-Szenario kreiert, das man der anfänglichen Prämisse nicht mehr viel zu tun hatte. Da ist es nur logisch, dass Prison Break in der dritten Staffel back to the roots ging, nach der Flucht in Panama landete Hälfte der Protagonisten erneut im Gefängnis. Sona heißt die Einrichtung, die von allen Wärtern verlassen wurde, welche das Gefängnis umzäunt haben und die Verwaltung dessen an den inhaftierten Drogenbaron Lechero (Robert Wisdom) abgegeben. Nach Sona transferiert wurden neben Michael (Wentworth Miller), Mahone (William Fichtner) und T-Bag (Robert Knepper) auch Bellick. Alle versuchen sich im Gefängnis, wo eigene Gesetze gelten, zu etablieren, während in den Straßen Panamas Lincoln (Dominic Purcell) nach Sara sucht und Sucre (Amaury Nolasco) zurück zu seiner Freundin will. Plötzlich tritt die von der Firma geschickte mysteriöse Susan (Jodi Lyn O’Keefe) auf, entführt Sara und L.J. und erpresst die Brüder einen Häftling aus Sona auszubrechen. Hierbei handelt es sich um Whistler (Chris Vance), der im Untergrund lebt und dessen Freundin Sofia (Danay Garcia) Lincoln bei der Planung des Ausbruchs von draußen hilft. Doch das Vertrauen zwischen allen Beteiligten ist äußerst gering, Opfer lassen sich nicht vermeiden und die Zeit für Michael den Ausbruch zu vollziehen läuft ihm allmählich davon.

Man merkte Schöpfer Paul Scheuring und seinen Schreibern um Nick Santora an, dass sie nicht mehr so genau wussten, was sie da nun eigentlich erzählen wollen. Die nähere Betrachtung der ominösen Firma war in der Form wohl nie geplant, sollte lediglich als das hintergründige Böse in der ersten Staffel fungieren. Die erste Hälfte der dritten Staffel funktioniert deswegen, weil sie redundant ist, weil sie sich auf die ursprüngliche Prämisse der ersten Staffel beruft. Der tolle Blick auf Sona im zweiten Staffelfinale wird dabei bereits im Staffelpilot wieder entkräftet, es ist kein Höllenhaus, hier gibt es Regeln und Ordnungen an die sich jeder zu halten hat. In der siebten Folge – Photo Finish – darf man dann sogar ganz schlampiges Schreiben begutachten, wie hier mit einem Serientod umgegangen wird, ist an Lächerlichkeit nicht zu überbieten. Das hätte man ebenso besser klären können, wie die Wende in der zweiten Hälfte der dritten Staffel. Hier wird nicht nur die erste Staffel wiederholt, sondern sogar die erste Hälfte der dritten Staffel selbst. Die Handlung dreht sich im Kreis, kommt keinen Meter vorwärts und bedient sich wieder und wieder desselben Schemas. Figuren wie Bellick, T-Bag und Sucre sind für die Erzählung der Geschichte nutzlos und überflüssig, erfüllen nicht den Zweck eines C-Note in der vorherigen Staffel.

In einem Interview bestätigte Dominic Purcell dass die Serie für eine vierte Staffel zurückkehren wird, der Cliffhanger der dritten Staffel deutete so etwas natürlich an. Wenn sich Scheuring und die Produzenten einen Gefallen tun wollen, dann beenden sie die Geschichte rund um Michael Scofield und Lincoln Burrows mit dieser kommenden Staffel und empfehlenswert wäre im Stil eines Dexter oder The Sopranos auch eine Begrenzung und Konzentration auf zwölf bzw. dreizehn Folgen. Ansonsten sieht man wieder die Gefahr der Redundanz, auch wenn die Tonart sich nun wieder eher in die „Fugitive“-Richtung bewegt, mit Abstrichen, denn Sona bleibt auch am Ende nicht leer. An die Frische und die Brillanz der Pilotstaffel konnte bereits der Nachfolger nicht mehr anknüpfen, und selbst mit diesem kann diese Staffel nicht mehr mithalten, zu redundant und nichts sagend ist das alles. Schauspielerisch liefert William Fichtner eine One-Man-Show ab, der Wentworth Miller und Chris Vance versuchen bestmöglich zu folgen. Hier hat Purcell – ohnehin kein sonderlich talentierter Schauspieler – das nachsehen, seine Szenen sind ohne Belang und ohne Esprit. Da ist es als positivste Nachricht zu werten, dass Fichtner auch in der vierten Staffel seine Rolle wieder aufnehmen wird – auch wenn seine Motivation hierfür bisher nicht ausreichend dargestellt wurde. Vielleicht weiß Scheuring dann noch mit besserem Casting als dieses Mal aufzuwarten, denn neue Figuren sind nunmehr unabdingbar.

7/10

Die Top 5: Stürze

Free fallin, now I’m free fallin.
(Tom Petty)

Let’s get physical – so könnte die Prämisse lauten, wird in den folgenden Sätzen doch das Phänomen des Sturzes, Absturzes, Stoßes und Falls erläutert, das per se nur vom einem physikalischen Ausgangspunkt heraus fassbar ist. Der Sturz an sich fällt selbstverständlich in den Bereich der Bewegung und setzt voraus das ein Körper seine Lage unfreiwillig ändert (im Gegensatz zum Sprung wo eine freiwillige Aktion ausgeübt wird). Eine nähere Katalogisierung würde Stürze nicht nur als Bewegung beschreiben, sondern als Abwärtsbewegung, ausgelöst und unterstützt durch die Erdanziehungskraft. Als Fall definiert sich jede Abwärtsbewegung, die von einem höhergestellten Punkt zu einer niederen Verlagerung führt.

Ursache für Fälle können hierbei von einem anderen Körper bewirkt werden, was einem Stoß entspricht, oder aufgrund von Unebenheiten oder falscher Verlagerung, somit ein Absturz ohne Fremdeinwirkung. In der Physik ist ein Stoß eine sehr kurze Wechselwirkung zwischen zwei Körpern, im Falle eines Stoßes wie er in Filmen und Geschichten angewendet wird wäre dies ein elastischer Stoß zwischen Körpern gleicher Maße (nicht identischer). Findet ein solcher elastischer Stoß von einem (oder durch ein) Fenster statt, spricht man im Fachjargon von Defenestration. Und die berühmteste Defenestration der Filmgeschichte dürfte die Alan Rickmans in John McTiernans Die Hard von 1988 sein.

Der Bösewicht stürzt in den Tod - siehe Die Hard (1988) und GoldenEye (1995).

Die Folgen von Stürzen sind abhängig von Faktoren wie der Absturzhöhe, der Auftrefffläche oder auch von Hindernissen im Verlauf der Flugbahn abhängig. Auch das Akzeptieren des Geschehens oder Bewusstlosigkeit können zu einer Verringerung der Verletzungen führen, dank eines geringeren Muskeltonus. Dabei muss ein Sturz nicht zwingend den Tod nach sich ziehen, oftmals dient er auch nur dazu die Handlung an einem gewissen Punkt zu dramatisieren, beispielsweise in Peter Jacksons The Fellowship of the Ring. Vielleicht handelt es sich dabei auch lediglich um ein Attribut von Zauberern, stürzte Harry Potter schließlich sowohl in seinem dritten und vierten Abenteuer auf unterschiedliche Weise.

Tim Burton inszenierte Stürze zum einem als finale Lösung eines Konfliktes (Batman) und dann wiederum als Auftakt eines solchen (Batman Returns). Der Sturz oder Unfall taucht in Filmen seltener Fällen auf, zum Beispiel in Ridley Scotts Black Hawk Down und dem Sturz von Orlando Bloom aus einem Helikopter. Hauptsächlich werden Stürze als Ursache elastischer Stöße dargestellt, meistens mit Beteiligung von Protagonist und Antagonist in der finalen Klimax des Filmes (Indiana Jones and the Temple of Doom). Die nun folgenden Top 5 Stürze wurden nicht nur wegen des Sturzes an sich, sondern auch seiner innergeschichtlichen Bedeutung und Gewichtung ausgewählt und platziert (Spoiler sind hierbei unvermeidlich enthalten):

5. Crank (Mark Neveldine & Brian Taylor, USA/UK 2006): Die ersten von drei Doppel-Regisseuren in der Liste. Neveldine und Taylor inszenierten in diesem Nonsense-Adrenalinfeuerwerk Jason Stathams vermeintlichen Sturz in den Tod, der an Lässigkeit kaum zu überbieten ist. Die letzten Minuten vor seinem Aufprall verbringt Chev Chelios damit, dass er nach seinem Fall aus einem Helikopter mit seiner Freundin telefoniert.

4. Mou gaan dou (Wai-keung Lau & Siu Fai Mak, HK 2002): Im besten Hongkong-Film aller Zeiten wird der polizeiliche Ermittler Wong vom Dach geschmissen, als er den Triaden die Information verwehrt, dass mit Yan (Tony Leung Chiu Wai) einer der ihren insgeheim als Maulwurf daran arbeitet Untergrundboss Sam auffliegen zu lassen. Besonders pikant ist die Szene wegen des väterlichen Verhältnisses von Wong und Yan.

3. King Kong (Peter Jackson, USA/D/NZ 2005): Bildet den Anfang der ersten drei Plätze die ihrem Titel nach „königlich“ zu sein scheinen. Jacksons zweites Remake des Klassikers von 1933 über die Liebe eines Riesenaffen zu der New Yorkerin Ann Darrow (Naomie Watts), die ihren Höhepunkt und ihr Ende auf dem Empire State Building findet und in einen der besten finalen Einzeiler endet: it was beauty killed the beast.

2. The Lion King (Roger Allers & Rob Minkoff, USA 1994): Die letzten Doppelregisseure welche es neben Peter Jackson in die Rangliste geschafft haben. Disney großartige Hamlet-Adaption ins Tierreich versetzt, beschwört den Konflikt des Filmes durch den Brudermord von Scar an seinem älteren Bruder Mufasa. Alles unter den Augen von Sohn Simba, der danach mit Schuldgefühlen seinem Königreich den Rücken kehrt.

1. The Return of the King (Peter Jackson, USA/D/NZ 2003): Auch wenn Jacksons finale Adaption des letzten Teils von Tolkiens brillanter Vorlage versagt, gehört der Sturz Gollums und des einen Ringes unter die gelungstens fünf Stürze - schiebt sich deswegen an die Spitze, weil mit ihm eine der größten Geschichten aller Zeiten ein glückliches Ende erfährt und dadurch Mittelerde vor Sklaverei und Unterdrückung bewahrt wird.

The Other Boleyn Girl

Do you except the challenge?

Wer hat nicht früher im Englischunterricht die Geschichte von Henry VIII. Tudor gehört, des Königs von England mit den sechs Frauen, von denen er Anne Boleyn und Catherine Howard wegen Ehebruchs hinrichten ließ? Der Vater der berühmten Königin Elizabeth I. pflegte seine Ehefrauen „wegzurationalisieren“, wenn sie ihm unliebsam wurden oder keinen Sohn und Thronfolger zu gebären im Stande waren. Dies führte schließlich sogar dazu, dass sich Henry von der Katholischen Kirche exkommunizieren ließ und mit der anglikanischen Kirche seine eigene Institution begründete und fortan fröhlich drauf los scheiden konnte. Immerhin hatte er durch seine sexuellen Gelüste bezüglich der jungen Anne Boleyn das Gesicht Englands für immer verändert. Allgemein waren die Tudors immer gerne im Betrachtungswinkel der Forscher und Medien, ein halbes Dutzend Filme beschäftigt sich mit Henry VIII. und der Fernsehsender Showtime installierte sogar eine Serie über den egomanischen englischen König, äußerst vorteilhaft mit dem Iren Jonathan Rhys-Meyers in der Hauptrolle besetzt. Auch dort kommt selbstverständlich die Figur der Anne Boleyn zum Tragen. Im Gegensatz zu den Medien die sich auf den König oder die Königin fokussierten, konzentrierte sich die englische Romanhistorikerin Philippa Gregory auf Annes Schwester Mary Boleyn und versuchte deren Leben und die Dreiecksbeziehung zwischen ihr, ihrer Schwester und dem König zu reflektieren. Im Jahr 2002 erschienen markierte ihr Roman The Other Boleyn Girl den Anfang einer von ihr geschaffenen Tudor-Reihe zu der noch fünf weitere Bücher dazu stoßen sollten und dass nicht nur 2003 vom britischen Sender BBC verfilmt werden sollte, sondern am 21. März als Kinoadaption und Starbesetzt auf den Leinwänden erscheinen wird.

Die englische Familie Boleyn gehört zwar nicht zum Hochadel, besitzt jedoch Kontakte zu solchem. Es ist somit der Wunsch von Familienvater Thomas (Mark Rylance) seine beiden Töchter Anne (Natalie Portman) und Mary (Scarlett Johansson) so gut es geht zu verheiraten. Als eine benachbarte Familie ihren am Hof stehenden Sohn mit Anne verheiraten will, spart sich Sir Boleyn seine Erstgeborene für eine bessere Partie und vermählt stattdessen Mary. Als sein Schwager, der Duke von Norfolk (David Morrissey) erfährt dass die Ehe des Königs Henry VIII. (Eric Bana) brachliegt, da ihm seine Frau keinen Sohn gebären kann, sehen beide Männer hier ihre Chance sozial aufzusteigen. Anne soll zur Mätresse des Königs werden, in der Hoffnung ihm einen Sohn zu gebären. Doch als der König zu einem Besuch anreist, wird er durch Annes sorgloses Auftreten bei der Jagd leicht verletzt. An Stelle von Anne verliebt sich der König in Mary und beordert diese gemeinsam mit ihrer Familie zum Hof. Im Einvernehmen mit Marys Mann wird diese zur Mätresse des Königs und auch von ihm schwanger. Während Mary sich allmählich in den Mann verliebt, mit dem sie keine Zukunft haben kann, vermählt sich die eigensinnige Anne mit einem bereits versprochenen Mann. Mary meldet diese unrühmliche Ehe ihrem Vater, der dafür sorgt dass sie annulliert und Anne nach Frankreich vorerst verbannt wird. Doch in Marys Schwangerschaft ergeben sich Komplikationen und sie wird bettlägerig, in der Angst das Interesse des Königs zu verlieren wird Anne von Vater und Onkel nach zwei Monaten zurückbeordert. Die junge Frau, am französischen Hof gereift und vom Hass und Neid auf ihre Schwester erfüllt, umgarnt fortan den König und spaltet nicht nur ihre eigene Familie, sondern ein ganzes Königreich.

Eigentlich sind historische Kostümfilme in den letzten Jahren das Aufgabenfeld von Shekhar Kapur gewesen, der erst letztes Jahr seinen zweiten Film mit Cate Blanchett über Elizabeth I. in die Kinos gebracht hat. Stattdessen engagierten die Produzenten Mark Cooper und Allison Owen, die beide bereits Erfahrung gesammelt haben mit Kostümfilmen, den Fernsehregisseur Justin Chadwick, der sich vor allem durch die mehrfach ausgezeichnete Serie Bleak House empfehlen konnte. Die Romanvorlage von Gregory verarbeitete der aufstrebende britische Autor Peter Morgan, letztes Jahr für The Queen mit einer Oscarnominierung bedacht, zu einem Drehbuch und selbstverständlich haben auch die zuständigen Personen für Kostüm (Oscargewinnerin Sandy Powell) und Ausstattung bereits in dem Historien-Genre Fuß gefasst. Die Besetzung der drei Hauptcharaktere sorgte dagegen für Kritik, vormerklich der Briten, da sie mit drei Ausländern besetzt wurden. Während Henry Tudor vom Australier Eric Bana portraitiert wird, schlüpfen die beiden jungen Amerikanerinnen Johansson und Portman in die Rollen der Schwester. Auch wenn sie bemüht sind einen britischen Akzent zu offerieren, misslingt es den Beteiligten, obschon Portman bereits für V for Vendetta einen solchen lernen musste. Eine Sienna Miller hätte sich beispielsweise angeboten, auch wenn diese nicht sonderlich besser zu spielen im Stande ist als ihre amerikanische Kollegin Johansson.

Die Geschichte von Mary Boleyn akzentuiert Gregory dabei sehr eigenwillig und interpretiert das Geschehe äußerst subjektiv. So war Mary beispielsweise nicht die jüngere, sondern die ältere Schwester. Zudem führte sie keineswegs ein unbescholtenes Leben, aus welchem sie von ihrem Vater und Onkel herausgerissen wurde. Im Gegenteil. Mary und Anne waren am französischen Königshof als Bedienstete angestellt, wo Anne sich ihr karrierebewusstes Wissen aneignete und Mary dagegen zur Mätresse des Königs François I. wurde. Erst bei ihrer Rückkehr nach England ging sie schließlich ihre erste Ehe ein, war dabei jedoch selbstverständlich schon längst keine Jungfrau mehr. Bei ihrer Hochzeit war dann auch König Henry anwesend, der anschließend mit ihr eine Affäre einging, aus der Gerüchten zufolge zumindest Marys Sohn hervorgegangen sein soll. Anne Boleyn kam schließlich ein Jahr später zurück an den englischen Hof, wo die Affäre zwischen dem König und ihrer Schwester bereits vorüber war. Als sich dieser in sie verliebte hielt sie ihn tatsächlich soweit auf Abstand, wie es im Film dargestellt ist. Das Ende des Filmes ereignete sich historisch jedoch weitaus unfamiliärer, als es in Chadwicks Werk zu sehen ist und auch der Bruder der Boleyns, George, war im Gegensatz zu Gregorys Vorlage keineswegs schwul, wie es der Film zu implizieren versucht. Da Chadwick und die Produzenten allerdings zu keinem Zeitpunkt einen Anspruch auf historische Aktualität erheben und lediglich am Ende einen Ausblick auf das Schicksal der Figuren geben, geht diese Herangehensweise sicherlich in Ordnung, wenn sie der fiktiven Dramatisierung eines solchen Stoffes dienlich ist. Die titelbezogene „andere Boleyn“ ist dabei im Film nicht konsequent Mary Boleyn, sondern beide Schwestern nehmen diesen Titel abwechselnd in Anspruch, immer Situationsbezogen und vom jeweiligen Kontext abhängig, sodass sie stets in Rivalität zueinander leben und stehen.

Ursache hierfür ist die Tatsache, dass sie von ihrem Vater und Onkel als Objekte gesehen werden, deren privates Glück von niederer Bedeutung ist, solange der Familie Gutes dabei zukommen kann. Im Gegensatz hierzu steht interessanterweise Thomas Boleyn, dessen Frau (Kristin Scott Thomas) sozial höher gestellt ist als er und ihn aus Liebe geheiratet hat. Dennoch verschachtert er seine Kinder allesamt so, dass er selbst den größten Nutzen daraus ziehen kann. Dies kulminiert in einer grotesken Szene, als Mary in Anwesenheit ihrer Familie und ihres Ehemanns ihr Sexleben mit dem König diskutieren soll. Was die Machtgier und die Intrigen ausrichten konnten, zeigt der Film dabei an den Beispiel der drei Boleyn-Kinder, die zu Beginn unschuldig spielend gezeigt und am Ende praktisch zerstört werden – dabei endet der Film wie er begonnen hat, mit einem spielenden Mädchen. Besetzt ist er hierbei vom optischen sehr gelungen mit Portman und Johansson, die für sich genommen fraglos hübsch sind und zugleich eine gewisse Ähnlichkeit mit den Boleyns transferieren mögen. Dass Henry Tudor durch Bana sexy und muskulös verkörpert wird vertreten die Macher mit der Tatsache, dass dies das Bild ist, das die Boleyn-Schwestern von ihm wahrnehmen. Insofern ist auch diese Besetzung vertretbar. Dabei gehört der Film einzig und allein Natalie Portman, die nicht nur wie eine Königin aussieht, sondern auch noch königlich spielt. Ob sie nun den König neckt oder gegen ihre Schwester intrigiert, selten hat die Portman besser gespielt und dürfte sicherlich im folgenden Jahr mit einer Golden Globe Nominierung bedacht werden – zumindest hätte sie es verdient. The Other Boleyn Girl funktioniert sehr gut als Film über Sex, Macht, Intrigen, Familie und Liebe, schade lediglich, dass Henry kaum Tiefe verliehen bekommt, aber schließlich ist es ein Film über die Boleyn-Schwestern.

7.5/10

Michael Clayton

I am Shiva, the god of death.

„Wenn man sich einmal all das anschaut, was ich über die Jahre so geschrieben habe, dann wird man feststellen, dass ich vom Thema Arbeit besessen bin: Was Leute tun, wie viel sie dabei verdienen, und auf welche Art und Weise sie es tun. Mich faszinieren die dabei entstehenden Gewissenskonflikte, Sehnsüchte und Entscheidungen“, sagt Regisseur und Drehbuchautor Tony Gilroy. Dies sagt der Mann der einer von sechs verantwortlichen Autoren an Michael Bays Armageddon war und zudem die Geschichten für die Actioner Bait und Proof of Life geliefert hat. Seinen Ruhm und größten Erfolg verdankt Gilroy jedoch seiner eigenen Arbeit an der Adaption von Robert Ludlums Bourne-Trilogie für die große Leinwand. Mit Michael Clayton liefert er nunmehr sein Regiedebüt, finanziert von vier Oscarpreisträgern und Regiekollegen: Anthony Minghella, Steven Soderbergh und dazu noch die beiden im Film auftretenden Sydney Pollack und George Clooney. Verwunderlich warum bei dieser illustren Runde gerade sein alter Spezi Taylor Hackford fehlt, immerhin hat er für diesen drei Drehbücher entwickelt (Proof of Life, The Devil’s Advocate, Dolores). Bei so vielen potenten Produzenten wird es ein leichtes gewesen sein, die 25 Millionen Dollar Produktionskosten zusammen zu treiben und schließlich einen Thriller zu kreieren, der altmodisch anmutete und relativ wenig mit Gilroys bisherigen Werken zu tun haben will, schließlich gehen ihm die Actionelemente aller seiner vorherigen Filme ab.

Es ist früh am Morgen und ein Mann Mitte Vierzig hat seinen Wagen verlassen um einen Hügel hinaufzusteigen und sich drei Pferden gegenüberzusehen. Ein stiller und ruhiger Moment, die Augen des Mannes und der Pferde treffen sich – da explodiert der Wagen des Mannes am Straßenrand. Die Handlung wird vier Tage in die Vergangenheit gespult, um nachvollziehbar zu machen, was der Auslöser hierfür war. Das Chemieunternehmen U/North sieht sich gerade einer drei Milliarden Dollar schweren Sammelklage entgegen, als ihr Verteidiger Arthur Edens (Tom Wilkinson) bei einer eidesstattlichen Aussage entblößt und einen Nervenzusammenbruch erleidet. Edens Kanzleichef Marty Bach (Sydney Pollack) schickt seinen langjährigen rechtlichen „Ausputzer“ Michael Clayton (George Clooney) um Edens und somit den Fall vor weiterem Schaden zu bewahren. Clayton, dessen privates Standbein – ein Restaurant – bankrott gegangen ist, versucht zu verstehen was in seinen Kollegen und Freund Arthur gefahren ist. Dieser scheint auf ein Geheimnis des U/North-Konzerns gestoßen zu sein und hat sich nebenbei in eine der Klägerinnen verliebt. Als Clayton Edens aus den Augen verliert, schickt die U/North’s Leiterin der Rechtsabteilung, Karen Crowder (Tilda Swinton) ihre Männer aus, um herauszufinden was Edens und Clayton wirklich wissen und beide daran zu hindern mit ihrem Wissen publik zu gehen.

Die Idee zu Michael Clayton kam Regisseur und Autor Tony Gilroy bereits vor zehn Jahren, als er 1997 für seinen mystischen Justiz-Thriller The Devil’s Advocate in verschiedenen Anwaltskanzleien recherchierte. Dort wurde er mit unterschiedlichen Fällen konfrontiert, unter anderem auch einen, der dem im Film dargestellten nicht unähnlich ist. Diese Umstände und Arbeit faszinierten Gilroy so sehr, dass sie schließlich in seinem Clayton-Skript kulminierten. Als Wirtschaftsanwalt stellt man seinen Auftraggeber nicht in Frage und gewinnt seinen Fall, auch wenn dies auf Kosten unschuldiger geschieht. Ein Problem, welches die Ausgangssituation für Gilroys Film darstellt, denn der für den Chemiekonzern U/North abgestellte Rechtsverteidiger Edens findet heraus, dass das von U/North vertriebene Pflanzenschutzmittel bei den Farmern Krebs auslöst. Da er sich zudem in Anna, eine der Farmerinnen der Sammelkläger verliebt hat, gerät er in einen Gewissenskonflikt der (s)einen Nervenzusammenbruch bewirkt. Als Clayton eintrifft, versucht Edens auch diesen von der Falschheit ihrer Taten zu überzeugen und auf seine Seite zu bringen. Seine Spielhand zeigt er ihm dabei allerdings nicht, da er Clayton nicht vollends vertraut. Dass sich Karen Crowder des Falls angenommen hat, lässt erahnen in welche Richtung die Problematik abgedriftet ist und Clayton merkt fortan, wie er sich immer tiefer in den Fall verstrickt und zwischen die Fronten gerät – dabei hat er an seinen eigenen Problemchen zu knabbern.

Obwohl Clayton seit fünfzehn Jahren bei der New Yorker Anwaltskanzlei Kenner, Bach & Ledeen angestellt ist, wurde er immer noch nicht zum Partner befördert sondern darf weiterhin als „Ausputzer“ dienen, der die Drecksarbeit für andere erledigt. Unzufrieden von dieser Situation wollte sich Clayton ein zweites Standbein schaffen und eröffnete ein Restaurant, das allerdings pleite gegangen ist, was ihm nunmehr $75.000 Schulden eingebracht hat, die er nicht im Stande ist zu begleichen. Da Claytons Kanzlei kurz davor steht mit einer Londoner Filiale zu fusionieren, ist sein Chef Marty Bach durch den Zwischenfall mit Edens durch Crowder unter Druck gesetzt, welchen er wiederum auf Clayton umleitet. Dieser weiß die Situation für sich zu nutzen, um einen gewaltigen Erfolgsbonus abzuschließen, sollte es ihm gelingen Edens unter Kontrolle zu kriegen. Außerdem kümmert sich Clayton noch um die Erziehung seines Sohnes, von dessen Mutter er in Scheidung lebt. Später wird ein Buch, das dem Jungen etwas bedeutet, auch für Edens und Clayton noch von Bedeutung sein und deren Leben stark beeinflussen, ansonsten dient Claytons Sohn wie seine beiden Brüder lediglich als menschliche Facette zur Erschließung des Charakters. Eine Freundin, die er hatte wurde von Gilroy schließlich aus der finalen Fassung herausgeschnitten, wahrscheinlich weil es zu sehr von der Problematik der Figur abgelenkt hätte. Clayton ist unzufrieden mit seinem Leben, mit seiner Situation und angewidert von seiner Arbeit – er wird ebenso vom U/North-Fall beeinträchtigt wie Arthur.

Das Anwälte meist ebenso schmutzige Wäsche vorzuweisen haben wie die Leute die sie verteidigen, das ist nichts Neues und dass große Unternehmen am meisten Dreck am Stecken haben, das war ebenfalls bekannt und wurde bereits in Filmen wie Erin Brokovich oder A Civil Action behandelt, eigentlich auch in jeder zweiten John Grisham-Verfilmung. Beeindrucken kann Gilroy mit seiner bloßen Geschichte nicht, folglich beruft er sich auf die Darstellung der zentralen Figur des Anwalts, Michael Clayton, und seinem Konflikt mit dem Fall. Allerdings war auch dies bereits in Steve Zaillians Film von 1998 der Fall, sodass Michael Clayton trotz seiner guten weil ruhigen Erzählstruktur wenig bis nichts Neues zur Thematik beitragen kann. Die schauspielerischen Leistungen sind in Ordnung, wobei lediglich Tom Wilkinson seine Oscarnominierung rechtfertigen kann. Dass Tilda Swinton für ihren viertelstündigen Auftritt gegenüber Ronan, Ryan und Blanchett gewonnen hat, ist mehr als verwunderlich. Schlimmer noch ist das ganze bei George Clooney, dem es wieder mal nicht gelingt hinter seinem Charakter zu verschwinden. Seine Figur besitzt kaum eigenes Leben, nie sieht man Michael Clayton, immer bewährt sich George Clooney im Vordergrund.

Selbst Constantin Film propagiert den Film als „George Clooney ist Michael Clayton“, dabei eine Schriftgröße für Clooneys Namen wählend, die gut 75% der des Filmtitels entspricht. Auf die Motivationen seiner Figuren bzw. die Bedeutung des Szenarios geht Gilroy dabei sehr wenig ein. Warum dreht Edens auf einmal durch und inwiefern war dies möglich? Die Auswirkungen auf die Figuren und der Figuren selbst sind nicht immer schlüssig, so auch die finale Auflösung. Daher verwundern auch die anderen drei Nominierungen als bester Film, beste Regie und bestes Originaldrehbuch, mit Abstrichen auch die für die beste musikalische Untermalung, hier scheint sich ein diesjähriges Crash-Phänoment gezeigt zu haben, einen eher kleineren „Independent“-Film hypen zu wollen. Dem für There Will Be Blood ausgezeichneten Robert Elswit gelingen dafür einige schöne Einstellungen, so zum Beispiel die Schlüsselszene mit Clayton und den Pferden, aber auch die Szene mit Edens und seinem Offenbarungsanruf bzgl. U/North sind ausgesprochen gut gelungen. Dennoch weiß die Geschichte über die weitesten Strecken hin nicht immer zu überzeugen, wieso hat Clayton seine einst brillante Karriere aufgegeben um Ausputzer zu sein und weshalb führt er den Job weiterhin durch, auch oder gerade obwohl er mit ihm unzufrieden ist? Allein an seinem in New York lebenden Sohn kann es nicht liegen. Es ist jedoch hervorzuheben, dass der Film entgegen seiner vorherigen Skripte des Autors erstaunlich schnörkellos erzählt wird, hierin liegt die Stärke des Filmes, auch wenn es ihm an angesprochenen Ecken etwas fehlt.

7/10

10,000 BC

Bring them down.

Es herrscht das Jahr 10.000 vor Christus - daher der Titel - und die Menschen bzw. ein Bergstamm schöpft sein Überleben aus der Jagd nach Mammuts. Diese sind in den letzten Jahren jedoch relativ rar geworden, weswegen vermehrt das eigene Orakel befragt wird. Als ein blauäugiges Mädchen zum Stamm stößt, eröffnet sich eine Prophezeiung, dass diese einst mit einem tapferen Krieger vermählt werden und ihr Volk in eine bessere Zukunft führen wird. Da sich der junge D’Leh in die kleine Evolet verliebt, bleibt ihm nichts anderes übrig als der beste Jäger seiner Altersklasse hervorzutreten. Einige Jahre später ist der Zeitpunkt der letzten Jagd gekommen und tatsächlich geht D’Leh (Steven Strait), der an sich nicht der optimale Führer seines Stammes ist, als Sieger aus der Jagd hervor. Kurz darauf treffen allerdings berittene höher zivilisierte Männer ein und nehmen die Mehrheit des Stammes als Sklaven, darunter auch Evolet (Camilla Belle). Das kann D’Leh nicht auf sich sitzen lassen und macht sich gemeinsam mit dem Dorfältesten Tic Tic (Cliff Curtis) und zwei anderen Jäger auf zur Verfolgungsjagd, während der Anführer der Fremden sich beginnt in Evolet zu verlieben. Nach einem halsbrecherischen Ausbruchsversuch verlieren D’Leh und Tic Tic ihre beiden Gefährten und müssen nun versuchen die umliegenden Stämme dazu zu bewegen, in eine finale Schlacht gegen die Unterdrücker zu ziehen.

Riesige Krawumm-Filme, die von ihrer Action und ihren Spezialeffekten leben, dafür steht eigentlich Michael Bay, allerdings bildet dies auch immer die Grundlagen vom German Master of Desaster, dem Regisseur Roland Emmerich. Mit Independence Day wurde er berühmt und lieferte seiner Zeit den erfolgreichsten Film aller Zeiten ab (auch wenn dieser natürlich inzwischen überboten wurde). Anschließend ließ er in chronologischer Reihenfolge erst Godzilla, dann Mel Gibson und schließlich die Erderwärmung auf die amerikanische Bevölkerung los, um sich dieses Mal ein nicht-amerikanisches Thema vorzunehmen, ohne Star Spangled Banner aber deswegen nicht gleich ohne Patriotismus. Für sein 130 Millionen Dollar teures Spektakel holte sich Emmerich unverbrauchte Gesichter für die beiden Hauptrollen an Bord und fand sie in Steven Strait (The Covenant) und Camilla Belle (When a Stranger Calls), als Drehbuchpartner engagierte er seinen österreichischen Komponisten Harald Kloser und drehte an Originalschauplätzen in Neuseeland und Namibia. Für die Trickeffekte zeichnen sich gleich zwei Effektstudios verantwortlich und arbeiteten zwei Jahre an den im Film auftretenden Mammuts, Säbelzahntiger und der landschaftlichen Umgebung. Dabei arbeitet Emmerich zum ersten Mal seit Indepence Day wieder mit einem so geringen Budget (auch wenn es noch aufgestockt worden zu sein scheint) wie bei 10,000 BC, während er für seine letzten drei Filme immer über hundert Millionen Dollar zur Verfügung gestellt bekommen hat.

Wie der Trailer verlautbart, erzählt Emmerichs neuester Film die erste (fiktive) Heldengeschichte der Menschheit und dass mit totaler Berechnung. Schließlich trägt Protagonist D’Leh einen Namen, der rückwärts gesprochen das deutsche Wort „Held“ ergibt. D’Leh ist also bereits ein Held, bevor er es selber weiß und während des Filmes zweifelt er durchweg an sich selbst und seiner Bestimmung. Vor allem da ihm mit dem besten Freund seines Vaters – der den Stamm vor Jahren verlassen hat, um nach einem Ausweg zu suchen – Tic Tic und dem designierten Stammesführer Ka’Ren zwei vollwertige mutige Krieger gegenüberstehen. D’Leh hingegen ist ein Romantiker, der an die große Liebe glaubt und diese in der von der Prophezeiung vorherbestimmten Evolet gefunden zu haben glaubt. So sehr, dass er ohne zu zögern den Mut aufbringt, einem ganzen fremdländischen Heer (das nach Tic Tics Andeutungen die Atlanter sein könnten) um ihretwillen nach zu jagen. Um was für ein Volk es sich hierbei handelt, woher sie kamen und was genau ihre Bestimmung ist, das wird nicht erklärt und spielt an sich auch kaum eine Rolle. Es ist eben da und versklavt die umliegenden nieder entwickelten Volksstämme zur Errichtung seiner Pyramiden und Stadtstrukturen.

Wie eingangs erwähnt muss man bei Emmerich dieselbe Schablone anlegen wie bei einem Michael Bay, seine Filme leben von ihren Spezialeffekten und werden von diesen zusammengehalten, da sie inhaltlich eher schwach sind. Letzteres ist auch hier erneut der Fall. Die Figuren in Emmerichs Werk sind schwach gezeichnet, wenn überhaupt und diejenigen die so etwas wie einen Charakter besitzen, sind nach Klischee strukturiert. Der inhaltliche Aufbau wird dabei Stück für Stück von deutschen Regisseur selbst sabotiert, D’Lehs Vater, der auszieht für letztendlich nichts und wieder nichts, das Orakel, die Prophezeiungen durch den ganzen Film hindurch, alles wirkt so konstruiert wie es ist, vorhersehbar und jegliche Spannung vermissend. Die Tatsache, dass man es hier mit verschiedenen menschlichen Kulturstämmen zu tun hat, die allesamt mit Mammuts, Säbelzahntiger und Riesensträußen co-existieren sind selbstverständlich historisch gesehen ganz großer Mumpitz.

Zudem dienen letztgenannte Geschöpfe für keinerlei höheren Zweck in Emmerichs Geschichte, allen voran der Säbelzahntiger, der einen Großteil der digitalen Effekte ausgemacht hat. Auch wie die Mammuts dargestellt werden, die wie kleine Hunde bei ihrer Flucht hüpfen und dabei jegliche physikalischen wie anatomischen Gesetze widerlegen, sorgt für ziemlichen Unmut. Der Gipfel des ganzen ist dann die hoch entwickelte Kultur der Sklaventreiber, die Pyramiden auf die Beine stellen und mit Schiffen fahren, auf welche die erste ägyptische Dynastie, die sechstausend Jahre später entstehen sollte, vor Neid erblasst wäre. Da versteht es sich von selbst, dass in dieser Kultur Mammuts als Nutztiere verwendet werden und irgendwie würde es einen auch nicht wundern, wenn eines von ihnen eine steinerne Variante eines Tomtom umgebunden hätte.

Inhaltlich bewegt sich Emmerichs klischeebeladener Film, der reichlich bei Steven Spielberg und Peter Jackson klaut und am Ende Emmerichs erstes Hollywoodvehikel Stargate zitiert, somit auf einem äußerst schwachen Gerüst. Verlassen tut er sich auf seine Spezialeffekte, die verschneite Schneelandschaften neben tropische Dschungel und ausgetrocknete Wüsten setzen. Auch die nahezu perfekt gebaute Stadt der Sklaventreiber wirkt ebenso wie die animierten Ur-Tiere ziemlich unglaubwürdig und wird allerhöchstens noch überboten von der missratenen Green-Screen-Einlage zu Beginn, als man D’Lehs Stammesdorf besucht. Gegen einen Transformers oder King Kong sehen Emmerichs Effekte aus als hätte er sie in einem Secondhand-Laden ersteigert.

Und bedenkt man dass sein Budget genauso hoch war, wie damals für Independence Day, jedoch nicht so namhafte Schauspieler (Will Smith, Jeff Goldblum, Bill Pullman) aufwarten kann, fragt man sich doch, was er stattdessen mit den ganzen Millionen gemacht hat. Wenn man sich schließlich gerade den Säbelzahntiger ansieht, der nicht billig gewesen sein dürfte, die Handlung allerdings kein Stück voranbringt oder spannend macht, wäre es besser gewesen, das Geld etwas geschickter zu verteilen. Der größte Fehler des Filmes dürfte jedoch gewesen sein, den Komponisten Kloser am Drehbuch mitschreiben zu lassen, was logischerweise dessen erste literarische Arbeit war (bedauerlicherweise jedoch nicht seine letzte, da er an Emmerichs neuestem Werk mitschreiben wird). Gegen 10,000 BC sieht The Patriot aus wie ein kleines Meisterwerk und Emmerich dürfte ohne Frage auf seinem (künstlerischen) Karrieretiefpunkt angekommen sein.

2.5/10 - erschienen bei Wicked-Vision

Kurz & Knackig: Clash der Kulturen

„We’re going to kill ‘em all.” (The Kingdom)

Yasamin kiyisinda (Auf der anderen Seite) - Einer der angesagtesten Regisseure in Deutschland ist der Deutsch-Türke Fatih Akin, der mit seinem Gegen die Wand bei der Berlinale den Goldenen Bären gewann (und noch andere Preise). Dieser bildete den Auftakt zu (s)einer „Liebe, Tod und Teufel“-Trilogie, deren zweiter Teil sich nunmehr hier findet, in dem Film der in Deutschland Auf der anderen Seite hieß, eigentlich aber kein deutscher sondern ein türkischer Film ist, wird schließlich zu 85% im Film türkisch gesprochen. In drei Episoden schildert Akin seinen kulturübergreifenden Handlungsrahmen von Liebe, Tod, Einsamkeit und Zugehörigkeit. In der ersten Episode verliebt sich ein verwitweter türkischer Pensionär in Bremen in die Prostituierte Yeter (Nursel Köse), die seit Jahren keinen Kontakt mehr zu ihrer Tochter hatte. Diese heißt Ayten (Nurgül Yesilçay) und sucht in Deutschland schließlich Zuflucht als sie die Türkei wegen ihrer politischen Aktivitäten verlassen muss. Dabei verliebt sie sich in die deutsche Studentin Charlotte, wird aber nach einer Polizeikontrolle abgeschoben. In seiner finalen dritten Episode führt Akin die beiden Geschichten zusammen und damit auch seine ganzen Themenpalette. Akins Geschichte ist ein Meer von Zitaten größerer Regisseure wie Francis Ford Coppola, Martin Scorsese oder Roman Polanski, wie er bereitwillig in seinem Audiokommentar zu gestehen bereit ist. Was Akin seinem Publikum da präsentiert ist grundsätzlich ein interessanter Ansatz, der in den entscheidenden Momenten allerdings immer künstlich konstruiert ist. Auch der gesamte Inhalt von seiner finalen Episode bleibt unbefriedigend und blass, hierbei wird auch nicht das mehr als mittelmäßige Schauspiel und die mitunter problematische Kameraführung kaschiert, von meiner Seite daher nach lobenden Worten doch recht enttäuschte 6/10.

The Boondock Saints - Dieser als Kultfilm empfundene Actioner von Regisseur Troy Duffy, der anschließend keinen Film mehr gedreht hat, wurde mir vom Kleriker ans Herz gelegt (mit gehöriger Entrüstung ob meiner Unkenntnis). Die Geschichte zweier irisch-amerikanischer Brüder die nach einer durchzechten St. Patricks Day Nacht beschließen Bostons Mafioso zu ermorden lebt von ebenjenen Brüdern Connor (Sean Patrick Flannery) und Manus (Norman Reedus), sowie Willem Dafoe als tuntigen FBI-Agenten mit dem passenden Namen „Smecker“. Es versteht sich von selbst, dass man hier keine sonderliche intakte Geschichte erwarten sollte, gewisse Reize weiß der Film an manchen Stellen dann allerdings doch zu versprühen. Viel interessanter als der Film ist die Hintergrundgeschichte um Regisseur Duffy, der den Film mit der Hälfte des von Harvey Weinstein einst zugesagtem Budget Boondock Saints initiierte, nach grandiosem Kinoflop seine Karriere beenden musste und so schlau war einen Vertrag zu unterzeichnen, der ihm keinen Cent der später durch DVD-Verkäufe eingespielten sechs Millionen Dollar einbringen sollte. Dumm gelaufen, aber der gute Mann schreibt inzwischen an einem Sequel, bis dahin erhält der Film von mir minimal-kultige 6.5/10.

Dip huet seung hung (The Killer) - noch ein Film, den ich mir vom Kleriker ausgeliehen hab, nachdem er (in)offiziell (?) als bester Hongkong-Film aller Zeiten gilt. Sowas kann ich ja nicht einfach auf dem guten Infernal Affairs sitzen lassen und obschon ich mit John Woo nicht sonderlich dicke bin (auch wenn ich nichts gegen Tauben habe) legte ich den Film in den Spieler. Die Handlung ist dabei relativ simpel strukturiert, Auftragskiller (Chow Yun-Fat) tötet Triadenboss und soll anschließend vom neuen Triadenboss und Auftraggeber selbst eliminiert werden. Außerdem wird er noch von einem Polizeibeamten (Danny Lee) gejagt und muss seine Identität vor seiner Freundin Jenny (Sally Ye) verbergen, die einst ihr Sehvermögen bei einem seiner Morde verlor. Ohne Frage wirken manche Szenen aus heutiger Sicht dilettantisch, aber immerhin schrieb man damals erst das Jahr 1989 und The Killer gewinnt vor allem durch seine Killer-Cop-Freundschaft von Runt/Li Ying und Shrimp Head/Ah Jong. Die Actionszenen selbst sind so aberwitzig, wie man es später bei Woo in Filmen wir Broken Arrow oder Face/Off gewohnt sein wird. Trotz alledem besitzt The Killer einen gewissen Charme, dem man sich nicht entziehen kann, selbst wenn er sich seine Handlung aus verschiedenen westlichen Vorbildern (The Wild Bunch, Butch Cassidy & Sundance Kid, Der eiskalte Engel, Die wunderbare Macht) zusammenklaut – dennoch kultige 7.5/10.

The Kingdom - Für das Revolverblatt CINEMA ja (soweit ich das mitgekriegt habe) DER Film des Jahres 2007 gewesen. So intelligent und alles auf den Punkt bringend, mit ihren Worten wieder einmal beweisend, dass die CINEMA und ich nicht wirklich konform gehen. Saudis knallen ein paar Amerikaner ab und sprengen zudem noch eine Ambulanz in die Luft. Ganz klarer Fall fürs CSI: Riad Team rund um Jamie Foxx, Chris Cooper, Jason Bateman und Jennifer Garner (3 Kaukasier, 1 Farbiger - interessante Mischung), die nunmehr als FBI-Sonderermittlungsteam (wieso das FBI zuständig ist bleibt mir ein Rätsel, vielleicht hatte der Secret Service grad keine Zeit) nach Riad reisen um dort innerhalb von einer Woche den Fall zu klären. Zwar werden ihre Ermittlungen behindert, aber ihr „Babysitter“ Col. Al Ghazi (einziger Lichtblick des Filmes, Ashraf Barhom) weiß hier und da seine Lücken zu finden. Grausig konstruierter und politisch fragwürdiger Film, die Actionvariante von Stephen Gaghans Syriana für die Xbox-Generation aufgepeppt (allein Garners Figur ist ein konstanter Witz durch den ganzen Film hinweg), sodass die Tatsache dass Michael Mann Produzent war, nicht weiter verwundert. Allein die letzte Einstellung weiß zu gefallen, macht die vorangegangenen gefühlten drei Stunden jedoch nicht weniger schmerzlich - müßige 4/10.