An Education

If you never do anything, you never become anyone.

Ein altes Sprichwort besagt: man lernt fürs Leben und nicht für die Schule. Seines Zeichens eine Umkehrung eines Zitats von Seneca dem Jüngeren, aber inzwischen zum geflügelten Wort verkommen. Und letztlich ist es ohnehin irrelevant, in welcher Reihenfolge man es liest, lernt man doch selbst fürs Leben, wenn man für die Schule lernt. Schließlich soll diese einen auf das (Berufs-)Leben vorbereiten. Aber mancher kennt es wohl aus seiner eigenen Jugendzeit, dass man sich mitunter fragt, wozu man eigentlich all diese Bücher liest und all diese Aufsätze schreibt. Besonders, wenn man in den sechziger Jahren als 16-Jährige auf einer reinen Mädchenschule war.

So wie Jenny (Carey Mulligan), der ihre Schulleiterin (Emma Thompson) erklärt, dass man es ohne Bildungsabschluss nicht weit bringt. Woraufhin Jenny entgegnet, dass dies auch nicht der Fall sei, wenn man einen habe. Speziell als Frau. In An Education präsentiert die dänische Regisseurin Lone Scherfig eine Episode aus dem Leben der britischen Journalistin Lynn Barber. Die hatte sich als Schülerin mit einem älteren Mann eingelassen, was sich letztlich negativ auf ihre Schullaufbahn auswirkte. Schriftsteller Nick Hornby adaptierte Barbers Autobiographie in dieses Drama mit humoristischem Unterton, in dem Mulligan den Part der becircten Schülerin übernimmt.

Jenny lechzt dabei weniger nach Bildung als nach dem Lebensstil der Boheme. Obschon ausgesprochen frankophil, muss Jenny auf Wunsch ihres Vaters (Alfredo Molina) Latein büffeln. Nur so kommt sie nach Oxford, nur so kann sie sich später selbst versorgen. Oder sie findet jemand, der dies für sie übernimmt. Und als der weitaus ältere David (Peter Sarsgaard) in ihr Leben tritt, scheint dieser Moment früher gekommen als selbst Jennys Vater erwartet hätte. Die Zuneigung Jennys zu David resultiert primär aus dessen freigeistigem Lebensstil. Mit seinen Freunden Danny (Dominic Cooper) und Helen (Rosamunde Pike) lebt er das Leben, das Jenny sich wünscht.

Sie besuchen klassische Konzerte, ersteigern Bilder von Edward Burne-Jones und machen Ausflüge nach Oxford oder Paris. Sie zelebrieren joie de vivre, wie Jenny es wohl nennen würde. Ihre Intelligenz und Kunstkenntnis sorgt dafür, dass die 16-Jährige innerhalb der Clique nicht untergeht. Bald schon interessiert sich auch Danny für sie, ist Helen doch eher ein Püppchen. Wie man sich denken kann, ist die Affäre zwischen David und Jenny keine ungefährdete. Weniger wegen des Altersunterschieds – den David gegen+ber Jennys Eltern stets dank Charme problemlos wett macht –, denn wegen der Leichen, die der adrette Lebemann in seinem Keller hat.

Es mag befremden, wie wenig sich Jennys Eltern gegen die Liaison mit David wehren, schließlich sind die Sechziger keine Epoche wie in Effi Briest oder Pride and Prejudice. Dennoch geht es Patriarch Jack (Alfred Molina) zuvorderst traditionell darum, dass seine Tochter später versorgt ist. Insofern kann die Beziehung der Liebenden auch ohne Einschränkungen gedeihen. Der Fokus von Scherfigs Film liegt weniger auf der Beziehung zwischen Jenny und David, als dem Mehrwert, den diese Romanze für Jenny bereithält. Zudem verbessern sich ihre (Latein-)Noten, entgegen der eigentlichen Vermutung, dass das Gegenteil der Fall sein müsste.

In An Education scheint das Leben also in der Tat der bessere Lehrmeister zu sein, wirkt es doch so, als könne Jenny alles haben. Schulerfolg und einen bohemehaften Lebensstil. Die Kostüme überzeugen und beschwören mit der Ausstattung und der Beleuchtung ein Gefühl der frühen Sechziger. Insofern mag der Film durchaus ein Period Piece sein, das dank Molina teils zur Komödie mutiert. Allerdings spult Scherfigs Film das Ende zu überhastet ab, was sich auch Hornbys  Drehbuch vorwerfen lässt, das die Geschichte zwar anders, aber nicht besser beendet. Dennoch bietet An Education in seiner Summe sehr gute Unterhaltung – auch dank des überzeugenden Ensembles.

8/10

Elektra

Let’s keep your death between you and me.

Weibliche Superhelden, zumindest diejenigen unter ihnen, die ihr eigenes Franchise tragen können, sind die Seltenheit. Da gibt es natürlich Ausnahmen, wie Dark Horses Barb Wire oder DC’s Wonder Woman, aber für gewöhnliche kommen Frauen nicht über den Status des love interest oder der Teammitgliedern hinaus. Marvels Elektra zählt hier zu den oben erwähnten Ausnahmen. Erschaffen von Frank Miller als Nebenfigur im Daredevil-Universum, erhielt Elektra 1983 schließlich ihre eigene Comic-Serie, die bis heute Bestand hat. Will man Wikipedia Glauben schenken, so ist sie die Marvel-Figur, die die meisten Menschen auf ihrem Gewissen hat. Von Miller als Tochter eines griechischen Milliardärs entworfen, ist es (natürlich) der Tod des Vaters, der Elektra Natchios ihre dunklen Pfade beschreiten lässt. In China ließ sie sich von der Ninja-Organisation The Hand zur Killerin ausbilden. Hierbei hatte sie mit Stick denselben Lehrmeister, wie ihre große Liebe Matt Murdock. Als Auftragskillerin verdiente sich Elektra fortan ihren Lebensunterhalt und arbeitete dabei unter anderem für den Kingpin und mit Wolverine (in getrennten Comicserien).

Zwei Jahre nach ihrem Auftritt in Mark Steven Johnsons Daredevil wurde die Figur der Elektra (Jennifer Garner) für ein eigenes Kinoabenteuer ausgebaut. Die Regie übernahm X Files-Veteran Rob Bowman, der sich in seiner Filmhandlung auf Elektras Auseinandersetzung mit The Hand konzentriert. Hierbei folgt der Film zum Teil den Daredevil-Ausgaben Gantlet und Hunters, in denen sich Elektra mit dem legendären Krieger Kirigi konfrontiert sieht. Eingebettet wird das Ganze in eine Moralhandlung, in der Elektra damit beauftragt wird, einen Vater (Goran Visnjic) und seine Tochter (Kirsten Prout) zu ermorden. Amüsanterweise findet sich auch hier wieder eine crossmediale Referenz, bedenkt man, dass Visnjics Charakter den Namen Mark Millar trägt. Eben jenes Schöpfers der Comics Wanted und Kick-Ass. Abgesehen von zwei, drei direkten Panel-Übernahmen glänzt Bowmans Film jedoch im Vergleich zu Johnsons Umsetzung zwei Jahre zuvor nicht durch sonderliche Vorlagentreue. Zumindest nicht hinsichtlich der Kirigi-Storyline, abseits davon bin ich selbst mit Elektra als Stand-Alone-Werk nicht vertraut.

Sie sei eine Legende, heißt es zu Beginn des Filmes. Ein Mythos, in Wirklichkeit schon vor Jahren gestorben. Ausgebildet in der Kunst der Ninjas, zurückgebracht von den Toten durch ihren Lehrmeister Stick (Terence Stamp). Ausgegrenzt von diesem aufgrund ihres Charakters. „Is this a test?“, fragt Elektra noch, ehe sie ihr Leben im Exil antritt. Als kaltblütige Auftragsmörderin treibt sie ihre nächste Mission an einen träumerischen See. Hier macht sie unwissentlich die Bekanntschaft ihrer nächsten Opfer. Es eher der Umstand, dass Millar seine Tochter Abby alleine großzieht (und damit Erinnerungen der Halbwaise Elektra evoziert), als der Kontakt zu ihnen, der Elektra dazu bewegt ihren Auftrag abzubrechen. Da The Hand daraufhin einfach Ersatz schickt, obliegt es Elektras Talent und Güte, ob die Millars weiterleben werden. Mit ihrer Einmischung in die Belange ihrer alten Organisation macht sich Elektra allerdings diese zum Feind. Kirigi (Will Yun Lee) übernimmt die Jagd auf die Millars gemeinsam mit seinen Gefolgsleuten wie Tattoo oder Typhoid. Im Gegensatz zur Elektra-Millar-Storyline sind es Kirigi und seine Helfer, die primär Phantastisches in die Comicverfilmung tragen, die ansonsten sehr stark in der Realität verankert ist.

Die Handlung rund um Kirigis Jagd nach Abby, als auserwählter Schatz zwischen den Mächten von Gut und Böse wirkt in der filmischen Verortung reichlich abgehoben. Die Wiedererkennung von Elektra in dem Mädchen als Motiv ist dagegen glaubwürdig und nachvollziehbar. Obschon auch hier, ähnlich wie in Daredevil, der Antagonist wieder als Verursacher des Elternmordes ausgemacht wird. Und wäre die Verwendung des überzogen Comichaftem in dieser zu realen Umgebung nicht, hätte man Bowmans ansonsten relativ soliden Film sicherlich auch besser aufgenommen. Zudem verkommen Typhoid und Co. nur zu bloßen Bauern im Schachspiel von Kirigi, deren Kräfte – bedenkt man, dass Elektra eben keine Mutantin oder dergleichen ist – als überbordende Bedrohung wahrgenommen werden müssen. Von dem etwas fehl platzierten The Shining-Zitat im Finale ganz zu schweigen. Zwar war Kirigi auch in Gantlet ein übermenschlicher Gegenspieler, doch fand dies eine andere als eine mystische Begründung. So wirkt er als Antagonist relativ blass, sein finaler Kampf gegen Elektra etwas flach und die gesamte Vermischung von übersinnlichen Fähigkeiten und Realität ziemlich unharmonisch.

Zudem ergibt sich eine große Frage nach der Chronologie. Schließlich sah man in Daredevil, wie Elektra die Kette ihrer Mutter Matt Murdock hinterlassen hat. In Elektra wiederum trägt sie diese Kette, auch wenn sich die Darstellung des Anhängers verändert hat. Bedenkt man die geschnittene Traumsequenz mit Murdock (Ben Affleck) – eine Reminiszenz an den Director’s Cut von Terminator 2: Judgment Day -, so ist nicht wahrscheinlich, dass Elektra zwischen den Ereignissen von Elektra und Daredevil nochmals Kontakt zu Murdock hatte. Nichtsdestotrotz weiß Bowman auch einige Dinge richtig zu machen. Zum einen darf Elektra hier endlich ihr klassisches, rotes Kostüm tragen (selbst wenn das Kopftuch fehlt), zum anderen weiß die musikalische Untermalung im Gegensatz zu Daredevil besser zu gefallen, da hier ausschließlich auf einen instrumentalen Score gesetzt wurde. Der gesamte Film ist jedoch in seiner Grundhaltung stark familiär ausgelegt. Elektra als Ersatzmutter neben Millar und Abby läuft etwas ihrem Ruf als eiskalte Killerin zuwider. Dennoch ist Elektra keineswegs ein missratener Film, selbst wenn er selten wirklich sein Potential auszuschöpfen vermag.

5.5/10

Clerks.

I’m not even supposed to be here today!

Für Smith-Fans ist die Geschichte der Entstehung von Clerks. ein alter Hut. Nicht zuletzt, weil er sie bei verschiedenen Gelegenheiten, sei es ein Audiokommentar zu einem der späteren Filme oder seinen Evenings with Kevin Smith, gerne selbst rezitiert. Angefangen mit Kevin Smiths Wunsch Regisseur zu werden. Der Besuch einer Filmhochschule in Vancouver wird nach vier Monaten abgebrochen, weil Rumsitzen und nicht selbst Drehen dem New Jerseyer missfiel. Erinnerungen an Francis Ford Coppola und seine Zeit an der UCLA werden wach. Immerhin lernte Smith in Kanada Scott Mosier kennen, der nicht nur zu seinem Freund sondern View-Askew-Partner werden sollte.

Mit 23 Jahren drehte Smith anschließend über einen Zeitraum von drei Wochen jede Nacht zwischen 22.30 und 05.30 Uhr an seinem Arbeitsplatz seinen Debütfilm. Dabei arbeitete der Twen damals selbst tagsüber noch im Quick Stop Lebensmittelgeschäft, worin sich auch seine Inspiration zum Film findet. Finanzieren konnte Smith den Film nur deshalb, weil er einen Großteil seiner Comicsammlung verkaufte, Kreditkartenanträge stellte und sich Geld von Freunden und Familie lieh. Was folgte, waren Auszeichnungen bei den Filmfestivals in Sundance, sowie in Cannes und der Start einer Karriere, die bis heute anhält.

Nachdem Harvey Weinstein und Miramax die Filmrechte kauften, wurde der erste Schnitt von Smith und Mosier erst einmal getrimmt, unter anderem auch bezüglich des sehr unstimmigen aber dennoch im Grunde passenden Endes. Als Miramax die musikalische Untermalung austauschte, kam es zu dem bizarren Vorfall, dass die Rechte an den Musikstücken teurer waren, als der eigentliche Film selbst. Rechnet man beide Kosten zusammen, kostete Clerks. selbst insgesamt so viel, wie eine Sekunde von James Camerons Welterfolg Titanic drei Jahre später. Und obschon Smiths Debütfilm nie mehr als auf fünfzig Leinwänden gleichzeitig lief, gelang es dem Film das 23-fache seiner Kosten einzuspielen.

Daraus resultierte eine jahrelange Partnerschaft zwischen Smith, Mosier und Weinstein bzw. View Askew und Miramax, welche bis heute anhält. Dass Smith mit Clerks. den Auftakt zu seinen Askewniverse Chronicles bilden würde, war ihm damals noch nicht bewusst. Auch nicht, dass zwei nebensächliche Figuren wie Jay (Jason Mewes) und Silent Bob (Kevin Smith) zu Kultfiguren avancierten, die Smiths Karriere über ein Jahrzehnt lang begleiten sollten. Zwölf Jahre später würden Smith und Co. an ihre Ursprünge zurückkehren und mit Clerks II einen Film drehen, dessen Einspiel von 24 Millionen Dollar Beweis genug ist, welche Fangemeinschaft Smith insbesondere dank Clerks. aufgebaut hat.

Was Kevin Smiths Filme auszeichnet, sind seine Dialoge. Ähnlich wie bei Filmen von Woody Allen spielt sich weniger eine Handlung ab, als dass die Hauptfiguren nonstop drauf los quatschen. Im Gegensatz zu seinen späteren Filmen merkt man Clerks. jedoch an, dass die Darsteller nicht nur wenig Erfahrung mit Schauspiel haben, sondern das Zeitfenster auch sehr gering war. Die Dialoge zwischen Dante (Brian O’Halloran) und Randal (Jeff Anderson) sind oftmals wie ein Shoot-Out mit einem Maschinengewehr, in welchem sich die beiden Schauspieler die Sätze ohne wirkliche Pause wie Bälle zu spielen. Als würde man einem Match zwischen Roger Federer und Rafael Nadal zuschauen, zumindest was die Geschwindigkeit angeht.

Das ist nicht sonderlich tragisch, aber wirkt etwas unnatürlicher als es in seinen späteren Projekten der Fall ist. Allerdings muss man Smiths Film auch im Kontext seiner Entstehung sehen, spielen doch fast ausschließlich Freunde und Verwandte die Rollen in seiner Geschichte. Manche wie Scott Mosier und Walter Flanagan übernahmen sogar drei oder mehr Rollen, während mit Anderson ein High School Freund von Smith in einer der Hauptrollen auftaucht, obwohl er noch nie geschauspielert hat. Umso beeindruckender, dass Clerks. letztlich Andersons Film durch und durch ist, im Vergleich zu späteren Filmen, wo Mewes diesen Part übernehmen würde.

Eine wirkliche Handlung besitzt Smiths Debütfilm wie erwähnt nicht. Sieht man davon ab, dass Dante sechs Stunden im Quick Stop aushelfen muss und schließlich den ganzen Tag dort verbringt. Und davon, dass er sich mit seiner Freundin Veronica (Marilyn Ghigliotti) aufgrund deren Sexvergangenheit überwirft („My girlfriend sucked 37 dicks“ – „In a row?“) und versucht mit seiner Ex-Freundin Caitlin (Lisa Spoonhauer) zusammen zu kommen. Doch eigentlich beinhaltet der Film nur eine Ansammlung von kleinen Segmenten, die inhaltlich durch den Quick Stop als Handlungsort zusammengehalten werden. Dass Smith diese mit jeweils einem Fremdwort als übergreifende Einleitung versieht, zählt dabei eher zu den negativen Seiten seines Debüts.

Zumindest hätte es der Titelkarten nicht bedurft, insbesondere da sie den Erzählfluss der Handlung stören. Es ist wie schon das Dialogfeuer kein Dilemma, aber etwas, dass man hätte vermeiden können. Zu den Dingen, die nicht wirklich passen wollen, gehören auch die beiden Ausflüge außerhalb des Ladens. Sowohl das Hockey-Game als auch die Totenwache wirken etwas deplatziert und nur leidlich stimmig mit dem Rest des Geschehens. Das Hockey dabei noch mehr als die Totenwache, die zumindest aufgrund von Randals Geschichte über seinen und Brodys Cousin eine amüsante Note erfährt. Ebenso wie auch die verlorenen Szene der Totenwache selbst, die Smith als animierte Version auf die Clerks-X-DVD packen ließ, aufgrund ihrer Verbindung zu Mallrats und Chasing Amy nostalgisch gerät.

Die Einordnung ins Askewniverse ist zudem einer der Faktoren, die den Film so herzlich machen. Nicht nur, dass Clerks., wie sich herausstellt, einen Tag nach den Ereignissen in Mallrats spielt, sondern auch die verwandtschaftlichen Beziehungen zwischen Figuren wie Randal und Brody oder Alyssa Jones und ihrer Schwester Heather. Unbestreitbar verfügt Smiths Debüt über allerlei Charme, schon alleine wegen der grandiosen Szene bezüglich des Todessterns in Star Wars. Für einen Debütfilm, der unter diesen Umständen entstanden ist, ist das sicherlich mehr als ordentlich, auch wenn der Film unter kritischen Augen nicht perfekt ist. Als Auftakt für eine Karriere, die später Werke wie Chasing Amy oder auch mit Jay & Silent Bob Strike Back den vielleicht größten Insider-Film aller Zeiten beinhalten würde, geht Clerks. schwer in Ordnung.

Da verzeiht man es dem Film auch, dass die Audiokommentare dieses Mal nicht so unterhaltsam sind, wie in späteren Beiträgen (wobei ein einschlafender Mewes im 95er-AK schon eine Wucht ist). Grundsätzlich lässt sich auch sagen, dass der ursprüngliche Schnitt etwas stimmiger daherkommt als die Kinofassung. Sieht man einmal vom Ende ab, welches zwar durchaus passend ausfällt, bedenkt man die Ironie, dass Dante eigentlich gar nicht arbeiten sollte, aber ein derart deprimierender Schluss nicht zum Rest des sonst so abstrusen Humors passen möchte. Ansonsten ist Clerks. aber eine wirklich gelungene und unterhaltsame verfilmte Anekdote aus dem Munde Kevin Smiths. Wenn man denn den Film als solche verstehen will.

7.5/10

The X Files - Season Four

You can’t give up hope.

Mitte der neunziger Jahre waren Außerirdische oder besser gesagt: der Kontakt mit Außerirdischen richtig en vogue. Speziell im Jahr 1997, welches nicht nur Robert Zemeckis’ Contact mit Jodie Foster hervorbrachte, sondern auch Barry Sonnenfelds Men in Black. Letzter ungleich erfolgreicher als sein Kollege. Für Chris Carters The X Files sollte jenes Jahr mit seiner vierten Staffel der Mystery-Serie ebenfalls einen kleinen Quantensprung darstellen. Erstmalig gelang es durchschnittlich über 19 Millionen Amerikaner für sich zu begeistern. Und damit mehr als doppelt so viele, wie noch bei der zweiten Staffel der Fall. So gesehen konnte Carters Serie mit ihrer vierten und anschließenden fünften Staffel (die nochmals eine halbe Millionen Zuschauer mehr anzog) ihren Serienhistorischen Höhepunkt feiern. Was bei einer Staffelanzahl von Neun passenderweise auch irgendwie die Mitte markiert. Dabei setzt die Serie eher ihren Abwärtstrend fort.

Bemängelte ich in der dritten Staffel noch, dass der Serie ein roter Faden fehlt, so kriegt man diesen im vierten Jahr präsentiert. Allerdings mehr schlecht als recht. Was sich über einige Episoden zieht, beziehungsweise von der Mitte der Staffel bis zu ihrem Finale, ist eine Krebserkrankung von Dana Scully (Gillian Anderson). Allem Anschein nach ausgelöst durch ihre Obduktion durch Außerirdische aus der zweiten Staffel. Wirklich intensiv widmet sich die Serie jedoch nur in Memento Mori dieser Erkrankung, die ansonsten ein wenig vor sich hindümpelt, wenn sie denn überhaupt thematisiert wird. Zwar geht Assistant Director Walter Skinner (Mitch Pileggi) einen Deal mit dem Zigarettenmann (William B. Davis) ein, doch eine Heilung Scullys wird zu diesem Zeitpunkt noch nicht forciert. Dagegen schlägt sich Fox Mulder (David Duchovny) wie immer mit der Obduktion seiner Schwester Samantha und der Existenz der Außerirdischen herum.

Dem grundsätzlichen Schema der Show bleibt sich The X-Files auch weiterhin treu. Scully stellt weiterhin das skeptische Anhängsel dar, wie man zu Beginn von Folgen wie Elegy beobachten kann. Auch wenn sich ihre Bereitschaft an das Paranormale zu glauben inzwischen etwas verstärkt hat. Der Mythologie der Serie wird sich im Grunde genommen in vier Blöcken gewidmet. Zu Beginn wird in Herrenvolk der Cliffhanger der letzten Staffel aufgearbeitet, während traditionell eine mythologische Folge - hier Gethesemane – auch den Abschluss mit dem Finale bildet. Dazwischen befassen sich zwei Doppelfolgen einerseits mit dem schwarzen Krebs (Tunguska/Terma) und einem Zwischenfall des US-Militärs mit einem UFO (Tempus Fugit/Max). Grundsätzlich weiß hierbei keine der mythologischen Episoden besonders zu überzeugen, was auch daran deutlich wird, dass sie inhaltlich nicht einmal miteinander zusammenhängen.

Auch die monster-of-the-week-Folgen sind meist recht durchschnittlich geraten. Weder Inzenst-Familien, noch dämonische Tätowierungen, ein Golem, unsichtbare Ex-Soldaten oder autistische Mordprophezeiungen wollen wirklich begeistern. Selbiges gilt für Episoden wie The Field Where I Died und Demons, die sich reichlich ausufernd primär auf Mulder fokussieren. Was man in den mythologischen Folgen noch verzeihen kann, wirkt hier zu anstrengend. Aus der Masse an durchschnittlichen Folgen ragen speziell Leonard Betts, Small Potatoes und auch Synchrony hervor. Ein besonderes Lob verdient sich dabei wohl Small Potatoes, ähnelt die Folge doch von ihrem humoristischen Unterton stark der Vorjahresfolge War of the Coprophages. Speziell Duchovny kann hier sein komödiantisches Talent ausspielen und die Serie untermauert, dass Humor sich bestens in ihre Prämisse integrieren lässt.

Die vierte Staffel zeichnet sich durch eine gewisse Beliebigkeit aus. Dies merkt man schon daran, dass die Mythologiefolgen nicht miteinander zusammenhängen, aber auch an der Beteiligung von Krycek, der in der Doppelfolge Tanguska/Terma wieder auftaucht, um sich anschließend wieder zu verabschieden. Auch Lauren Holdens Figur der Marita Covarrubias darf gelegentlich (genauer gesagt: fünf) mal aus unterschiedlichen Gründen vorbeischauen. All jene Handlungselemente, auch die Weiterführung bzw. Wiederaufnahme von Samantha Mulders Obduktion oder der Tod von Mr. X, wirken gestreut und ohne richtigen Rahmen. Hierzu passen dann auch Scullys Krebs oder die Anhörung gegen Mulder. Ein stärkerer Fokus hätte an diesen Stellen nicht geschadet. Auch die Gaststars machen sich diesmal rar, stellen Tom Noonan (Paper Hearts) und Paul McCrane (Leonard Betts) doch neben den etablierten Lea und Holden die einzigen bekannten Gesichter dar.

Eine jedoch ausgesprochen löbliche Wendung ist die inzwischen verstärkt auftretende Annäherung zwischen Mulder und Scully. In Folgen wie Never Again und Memento Mori und Elegy wird das romantische Band zwischen den beiden Agenten allmählich fester gezurrt. In Small Potatoes kommt es sogar beinahe zum Kuss, auch wenn es sich hier lediglich um einen Mulder-Doppelgänger handelt. Ebenfalls nett geraten ist eine zentrierte Folge für den Raucher (Musings of a Cigarette Smoking Man), verschwindet dieser doch gerade in der zweiten Hälfte weitestgehend im Hintergrund. Trotz alledem bleibt die erhoffte Steigerung nach der abfallenden dritten Staffel aus. Auch wenn sich The X Files zumindest auf deren Niveau gehalten hat. Retrospektiv betrachtet hätte es vermutlich der Serie allgemein wie dieser und der letzten Staffel speziell nicht geschadet, wenn die Episodenzahl heruntergeschraubt worden wäre. Die Wahrheit auf diese These liegt jedoch wie das Meiste bei The X Files irgendwo da draußen.

7.5/10

Deep Impact

Graphics. I need graphics!

In Otto - Der Außerfriesische gibt es eine Szene, in der Otto Waalkes ein Firmengebäude betritt und darin eine Plakette mit der Aufschrift „Die Erde ist uns nur geliehen, aber von zurückgeben hat niemand etwas gesagt“ entdeckt. Eine ähnliche Umschreibung findet sich in dem Sprichwort „Nach uns die Sintflut“ und beide Ausdrücke veranschaulichen die Haltung der Menschheit gegenüber der Umwelt beziehungsweise der Erde. So schlecht die Menschheit ihre Erde auch behandelt, ist sie letztlich doch von dieser abhängig und in dieser Konsequenz auch um sie besorgt. Und was einem am Herzen liegt, das befürchtet man, entrissen zu bekommen. Im letzten Jahr beschworen Roland Emmerich und Alex Proyas mit ihren Filmen 2012 und Knowing solche Szenarien herauf. Proyas’ Werk war dabei eines der wenigen im Genre, die in ihrer Bedrohung schließlich konsequent blieben. Auch Rudolph Maté mit When Worlds Collide (1951) und James Cameron mit The Abyss (1989) rückten bereits die Erde an ihren Abgrund.

Vor zwölf Jahren geschah dies gleich in doppelter Form, entstanden doch - nicht untypisch für Hollywood - zeitgleich zwei Filme zur selben Thematik. Hierbei geben bereits die Paarungen von Regisseur und Produzent die jeweiligen Richtungen vor, wenn auf der einen Seite Steven Spielberg und Mimi Leder und ihnen gegenüber letztlich Jerry Bruckheimer und Michael Bay stehen. Deep Impact, der zuerst in Produktion ging und zwei Monate vor Armageddon in den Kinos starten würde, sollte dabei im Nachhinein den Sieg für sich beanspruchen dürfen. Auch wenn es für einen Effektfilm im Grunde ein Schlag ins Gesicht ist, wenn man für die technische Umsetzung im Gegensatz zu seinem Konkurrenten keine Oscarnominierung erhält. Und sieht man einmal von einer durchaus ansehnlichen Riesenwelle ab - wie man sie fast zehn Jahre zuvor in The Abyss und zehn Jahre später in 2012 auf technisch beinahe identischem Niveau entdecken kann -, kann sich Deep Impact nicht wirklich als gelungener Effektfilm auszeichnen.

Wo sich Michael Bay ausschließlich der rettenden Mission in einer Art Science-Fiction-Komödie annähert, teilt Mimi Leder ihre Handlung in drei verschiedene Stränge auf. Den größten Fokus legt sie dabei auf die Mitteilung der anbahnenden Tragödie an sich, in Form der medialen Berichterstattung durch die Journalistin Jenny Lerner (Téa Leoni). Grundsätzlich ist Deep Impact jedoch ein Film über Familien, finden sich diese doch in allen drei Episoden wieder. Wo Lerner sich neben ihrer journalistischen Verpflichtung auch der entfremdeten Beziehung zu ihrem Vater (Maximilian Schell) stellen muss, gilt es im zweitwichtigsten Handlungsstrang für die Jugendlichen Leo Beiderman (Elijah Wood) und Sarah (Leelee Sobieski), ihre Familien und ihre Liebe zueinander zu retten. Passend dazu nimmt die eigentliche Weltraummission rund um den erfahrenen Astronauten Spurgeon Tanner (Robert Duvall) den wenigsten Raum ein, doch versäumt es Leder nicht, auch den Astronauten Momente mit ihren Familien zu schenken.

Was Deep Impact nun auszeichnet, ist die Tatsache, dass Leder durchgehend sehr nah an ihren Figuren bleibt. Die nie nur typisiert werden, wie im Fall von Armageddon, sondern die Gefühle haben und Ängste verspüren. Da schluckt Leoni merklich, als sie die Beschränkungen der Lotterie vorliest, die 800.000 Glückliche in die rettenden Bunker verfrachtet, jeden Bundesbürger über fünfzig Jahren - und somit auch Lerners Eltern - allerdings von dieser Lotterie ausschließt. Speziell die Lerner-Episode ragt aus dem Film hervor, weist diese im Vergleich zu den anderen beiden Erzählsträngen mehr Facetten auf. Hier kommt es dem Geschehen auch zugute, dass es sich weitestgehend in Washington D.C. abspielt, wodurch es sich in seiner Komprimierung glaubwürdiger und stimmiger anfühlt als die verbliebenen Episoden, die narrativ relativ unkompliziert, dafür jedoch komplex ausgefallen sind.

Obwohl Leder den Film jedoch im wahrsten Sinne des Wortes sehr geerdet hält, gelingt es ihr dabei allerdings nicht, auch unter die Oberfläche vorzudringen. So fällt nicht eine Dialogzeile ob der Perversität der Regierungsaktion. Wie makaber ist es denn, mittels einer Lotterie die nicht mal 0,5 Prozent der damaligen US-Bevölkerung auswählen zu lassen, die gerettet werden? Oder - wie es auch in Emmerichs 2012 geschah - Platz, der Menschen zufallen könnte, mit Kunstwerken aus Museen vollzustopfen? Ähnlich verhält es sich mit den negativen Szenarien, wie Aufständen und Tumulten, denen sich Leder in einer Montage in zwei kurzen, jedoch unkommentierten, Einstellungen widmet und dies auch eher nebenbei geschieht. In seinem Versuch, sich ausschließlich auf jene drei Episoden zu fokussieren, blockt Deep Impact alles, was abseits dieser Episoden geschieht, bedauerlicherweise komplett aus. Aspekte, die man weit weniger zu verzeihen bereit ist, wie Unstimmigkeiten in den Beiderman- und Tanner-Handlungssträngen.

Die Handlung scheint ob der vielen Figuren und Dreifachteilung ein wenig überlastet, sodass einige Ausarbeitungen aus Zeitgründen unausgewogen und vernachlässigt erscheinen. Zudem wollen für einen Effektfilm ebenjene Effekte, speziell die Szenen auf dem Kometen, nicht sonderlich überzeugen. Dafür strahlt Deep Impact durch einige gefällige schauspielerischen Leistungen seines namhaften Ensembles, wobei auch hier primär die Lerner-Episode mit Leoni, Schell und Vanessa Redgrave hervorsticht. Im Nachhinein ist es amüsant, wie sich Deep Impact und seine Schwesterproduktion Armageddon ähneln. In beiden Filmen obsiegt am Ende die junge Liebe, gibt es Verabschiedungen mittels Satellitenverbindung und Bildschirmgetatsche sowie den Heldentod der Astronautenfigur. Unterm Strich betrachtet gibt sich Leders Film dabei einerseits zwar sehr viel seriöser, vermisst dabei allerdings den Unterhaltungswert, den Bays Weltraumspektakel mit sich bringt.

5/10

Same Same But Different

I *gucci* me up.

Nicht nur, aber insbesondere auch durch Alex Garlands Roman The Beach manifestierte sich in vielen Köpfen das Bild von Südostasien als Metropole der Rucksacktouristen. Speziell die Strände Thailands haben es dabei den meisten jungen Menschen angetan. Zu ebenjenen Rucksacktouristen in Südostasien zählte auch Benjamin Prüfer, der Anfang des Jahrtausends mit 23 Jahren unter anderem nach Kambodscha gereist war. Ein Land, gebeutelt von dem Regime der Roten Khmer, das in manchen Aspekten gleich sein mag mit Deutschland – in welchen Aspekten genau, wäre zu diskutieren -, aber letztlich doch ganz anders ist. „Same same, but different“, wie ein thai-englisches Sprichwort besagt, dessen sich Regisseur Detlev Buck für seinen achten Spielfilm bedient hat. Same Same But Different erzählt nicht nur eine Geschichte über Kambodscha, sondern auch die Geschichte von Benjamin Prüfer und wie diese beiden Geschichten letztlich eins miteinander wurden.

Der Film erzählt von Ben (David Kross) und seinem Mitbewohner Ed (Stefan Konarske), die sich in Kambodschas Hauptstadt Phnom Penh mit Raketenwerfern und gestrecktem Kokain die Zeit vertreiben. Während eines schwül-heißen Abends in einer Diskothek lernt Ben die Einheimische Sreykeo (Apinya Sakuljaroensuk) kennen, mit der er anschließend die Nacht verbringt. Die Tatsache, dass sie sich am Morgen danach als Prostituierte offenbart, stört Ben in seiner Zuneigung nicht. In den verbleibenden Tagen seines Urlaubs nähern sich die Beiden immer mehr an, wobei Ben nicht nur Sreykeo, sondern auch ihrer Familie ein ums andere Mal Geld zusteckt. Als der Abschied naht, einigt sich Ben mit Sreykeo darauf, dass er sie weiterhin aus Deutschland finanziell unterstützt, wenn sie sich dafür eine andere Einnahmequelle sucht. Sechs Wochen später folgt für Ben dann der Schock: Sreykeo wurde positiv auf HIV getestet. Die Frage ist: wie wird er reagieren?

Nach Thailand weist Kambodscha die zweithöchste Zahl an HIV-Infektionen auf. Genauer gesagt sind es 75.000 Khmer, die an HIV leiden, was etwa 0,5 Prozent der Gesamtbevölkerung entspricht. Im Vergleich dazu gibt es in Deutschland bei einer Bevölkerung von etwas mehr als 82 Millionen Menschen „lediglich“ 56.000 HIV-Kranke. Ein Wert, der somit prozentual um die acht Mal niedriger liegt als in Kambodscha. Der HIV-Thematik widmet sich Buck speziell im zweiten Akt des Filmes, wenn Sreykeo ihrer Familie nichts von ihrer Erkrankung erzählen möchte, weil bereits ihre Schwester vor einem Jahr an dem Virus starb und sich Sreykeo nicht wichtig machen will. Oder wenn Ben größte Probleme hat, an die notwendigen Medikamente für Sreykeos Behandlung zu gelangen, enthalten viele Arzneimittel schließlich nicht das, was draußen auf der Verpackung steht. Letztlich ist der tiefgründigere Blick auf das Grundproblem von Buck im zweiten Akt ausreichend und sehr harmonisch integriert.

Allerdings ist Same Same But Different kein Film über HIV, sondern über die Liebe zweier Menschen. Zwar erweckt das Geschehen im zweiten Akt den Eindruck, als müsse Ben nur das HIV-Hindernis überwinden, doch ist selbst das Virus am Ende lediglich ein Detail. Ein viel größeres Problem als die Diagnose ist die Distanz von Hamburg und Phnom Penh sowie die Kosten, welche die Beziehung zu Sreykeo mit sich bringen. Zwar erhält Ben erst einen Praktikums- und dann einen halben Redaktionsplatz im Verlag seines Bruders Henry (Jens Harzer), aber langfristig findet sich keine Lösung. „Ich fahr hin, ich fahr zurück, ich fahr wieder hin. Ich hab einfach kein Geld mehr“, konstatiert er zu einem Zeitpunkt gegenüber Ed seine missliche Lage. Als sich diese beginnt direkt auf die Beziehung zu Sreykeo auszuwirken, steht die gesamte Romanze auf dem Prüfstein. Ein Aspekt, den Buck und Drehbuchautorin Ruth Toma bedauerlicherweise nicht genug herausstellen.

Zwar ruft Sreykeo zwischendurch per Telefon oder Videochat in Deutschland an, aber auf jedes „I miss you“ und „I love you“ lässt Buck ein „I need money“ oder „Can you give me money?“ folgen. Daher wird den gesamten Film hindurch nie vollends der Vorwurf entkräftet, Sreykeo wäre nur mit Ben zusammen, um sich von diesem aushalten zu lassen. Einmal soll er ihr Geld schicken, damit sie ihre Medizin kaufen kann, dann soll er ihrer Mutter Geld geben, damit diese es beim Glückspiel verzocken kann und ein eigenes Haus hätte Sreykeos Familie auch noch gerne. „I’m not an American millionaire“, entrüstet sich Ben zu einem Zeitpunkt schließlich zu recht, nur um anschließend wie der arrogante Westler dazustehen. Ein oder zwei ausschließlich romantische Szenen, ohne die Konnotation des Finanziellen, hätten nicht nur Same Same But Different, sondern insbesondere der Glaubwürdigkeit der Liebesgeschichte weitaus besser zu Gesicht gestanden.

Abgesehen von diesem Makel kann man Bucks neuesten Film zu den besseren Werken seiner Filmographie zählen. Same Same But Different lebt von seinen Szenen in Kambodscha, die im Vergleich zum kalten und verschneiten Deutschland weitaus lebendiger, da farbenfroher wirken. Es ist Bucks zweite Zusammenarbeit mit Jungschauspieler Kross, dem er vor einigen Jahren mit Knallhart zu seinem Durchbruch verholfen hat. Stand die Rolle des verschreckten Jugendlichen Kross damals relativ gut zu Gesicht, zeigt er auch hier wie bereits in The Reader, dass er mit vielschichtigeren und reiferen Rollen ein Problem hat. So sind es jeweils Kross’ Szenenpartner - speziell Sakuljaroensuk -, die ihm die Show stehlen. Von den in Nebenrollen verstreuten Gaststars sind manche von Nutzen (Olli Dittrich als Bens Vater), andere dagegen überflüssig (Mario Adorf als Verlagschef). Besonders nett ist jedoch Anatole Taubman geraten, dessen Auftritt an die von Bruce Campbell aus der Spider-Man-Trilogie erinnert. Insgesamt hinterlässt Same Same But Different somit einen positiven Eindruck, nicht nur für einen deutschen Film, sondern auch für sich genommen.

7/10

Up in the Air

I call it Airworld, the scene, the place, the style.

(Up in the Air, p. 7)

In David Finchers Fight Club führt der namenlose Held im ersten Akt der Geschichte das Publikum in seine Welt ein. Er arbeitet für eine Autoversicherung, was dazu führt, dass er viel reisen muss. Hauptsächlich per Flugzeug. „The people I meet on each flight … they’re single-serving friends. Between take-off and landing we have our time together”, erklärt er. Die Nebensitzer verkommen in Fight Club zu einem Angebot, ähnlich wie der Kaffee, die Kaffeesahne oder das Cordon Bleu aus der Mikrowelle. Etwas für den Augenblick also. Anders in Walter Kirns Roman Up in the Air, der zwei Jahre nach dem Filmstart von Fight Club erschien. Für Kirns Hauptfigur Ryan Bingham sind die anderen Passagiere des Flugzeuges nicht nur einmalige Bekanntschaften, sondern viel mehr als das. „Fast friends aren’t my only friends, but they’re my best friends“, erläutert Bingham auf Seite 6. Einer von vielen Sätzen, die diese Figur charakterisieren.

Die Menschheit lebt im Hochgeschwindigkeitszeitalter. Wo ein Fax bereits veraltet ist und Twitter als schnellstes Medienformat gilt. Selbstverständlich, dass das Flugzeug hier aufgrund seiner Schnelligkeit zu den bevorzugten Transportformen zählt. Sehnt sich Edward Nortons Figur in Fight Club danach, dass sein Flieger mit einer anderen Maschine kollidiert, stellt der Luftraum für Ryan Bingham sein Zuhause dar. Er nennt es „Airworld“ und bezeichnet dieses als „nation within a nation“. Mit eigener Sprache, Architektur, Stimmung und insbesondere: Währung. Die Flugmeilen, die Bingham inzwischen „[has] come to value more than dollars“. Kirns Up in the Air ist eine Charakterstudie, über einen Mann, gefangen im System. Wer in Airworld überleben will, muss up to date sein. „This is the place to see America“, legt Kirn seiner Figur auf Seite 42 in den Mund. „Not down there, where the show is almost over.“ Wenn jemand nun zentriert auf engem Raum lebt, beginnt er den Überblick über das Ganze zu verlieren.

Ryan Bingham ist von Beruf ein sogenannter career transition counsellor. Oder ganz einfach ausgedrückt: Jemand, der angeheuert wird, um Menschen zu entlassen. In Kirns Roman wird Bingham nun mit relativ wenig Mitgefühl für die Personen versehen, die er aus ihrem Job befördert. „It’s a job I fell into because I wasn’t strong, and grew to tolerate because I had to“, entschuldigt sich Bingham gleich zu Beginn auf Seite 4. Während des gesamten Romans, erlebt man nicht ein einziges Mal, wie Bingham eine/n MitarbeiterIn entlässt. Was nicht bedeuten soll, dass ihn sein Beruf kalt lässt. Im Gegenteil, umfasst die Romanhandlung doch Binghams letzte Arbeitswoche, bevor sein Vorgesetzter seine eigene Kündigung vorfindet. Wie angesprochen ist Up in the Air eine Charakterstudie und zugleich Vorlage für einen gleichnamigen Film, der nun unter der Regie von Jason Reitman in die Kinos kommt. In Zeiten der Wirtschaftskrise fühlte sich Reitman, zuvor bereits durch Thank You For Smoking auf dem Pfad der Literaturadaption bewandert, nun verpflichtet, den Fokus weg von Bingham zu lenken und sich stattdessen auf seine Tätigkeit zu fokussieren.

Der deutlichste Unterschied zum Roman ist nun die Tatsache, dass Reitmans Film mehrfach von Kündigungsgesprächen unterbrochen wird. Sieht man von einigen Gaststars (Zach Galifianakis, J.K. Simmons) ab, wurden alle entlassenen Personen von realen Menschen gespielt, die selbst zuvor ihren Job verloren hatten. Was sich Reitman dabei gedacht hat, bleibt zu hinterfragen, wirken diese dokumentarischen Szenen nicht nur ungemein gestelzt, sondern die gesamte Idee ist letztlich schlicht und ergreifend redundant und vollkommen unerheblich. Die Entlassenen reagieren, wie man es von Entlassenen erwarten würde und sprechen Dinge an, die man selbst ansprechen würde, würde man entlassen werden. Man mag sich somit denken, weshalb es Kirn selbst bei Einschüben wie „free agency“ und „self-directed professional enhancement“ beließ, summieren diese Begriffe doch mehr als deutlich die Perversität von Binghams Beruf.

Beschwor Kirn die Studie eines von Flugmeilen und Jobangeboten Besessenen, forciert Reitman in Up in the Air seinen Blick auf die einsamen Seelen, die in Airworld sprichwörtlich auf der Strecke bleiben. Aufgezogen nach klassischem Hollywood-Muster präsentiert Reitman eine Tragikkomödie, in der niemand bindende Verpflichtungen eingehen und zugleich auch nicht alleine enden will. Da wird George Clooney zum charmanten Ryan Bingham, der sinn- und zusammenhangslos Zitate aus Kirns Roman um sich wirft und Vera Farmiga portraitiert eine Nebenfigur, die zur Filmmutter hochstilisiert wird. Um das Familienbild zu komplettieren, gibt Twilight-Darstellerin Anna Kendrick noch das nervtötende Kind, indem sie Clooney als Assistentin zur Seite gestellt wird, damit dieser sie anlernt. Clooney selbst wird mit seinen 48 Jahren in eine Coming-of-Age-Geschichte gezwängt, in welcher der überzeugte Einzelgänger und Single Bingham lernen muss, sich zu öffnen. Ganz speziell natürlich seinem weiblichen Pendant Alex (Vera Farmiga).

Weder die gesponnene Affäre mit Alex, noch die allmähliche Aufweichung von Binghams harter Schale mag im Film überzeugen. Reitman fehlt ein attraktiver Fokus, der seine vorhersehbare Geschichte schmackhaft macht. Doch nicht einmal für seine Sozialkritik in Form der mannigfachen Entlassungen scheint er sich richtig zu interessieren. Stattdessen flüchtet sich das schwache Drehbuch in Plattitüden und bedeutungslose Nebenfiguren wie sie von Jason Bateman als Binghams Vorgesetzter und Danny McBride als Schwager in spe dargestellt werden. Selbst die Wendung zum Schluss vermag nichts mehr zu retten, zu uninspiriert und zusammenhangslos präsentierte Reitman in den neunzig Minuten zuvor sein Konglomerat aus filmischen Versatzstücken. Der Film vermisst eine klare Linie, eine Haupthandlung, an der sich nicht nur das Publikum, sondern auch die Figuren letztlich orientieren können. Viel zu oft wirkt Up in the Air dadurch weniger wie ein Geschäftsflug, denn mehrere spontane Last-Minute-Trips.

So strukturiert sich Reitmans Drehbuch um zwei unterschiedliche Aspekte - beide in Kirns Roman von geringerer Bedeutung -, die er hintereinander abhandelt. Zuerst wäre da die Wirtschaftskrise, die Massenentlassungen des Arbeitsmarktes und die Perversität, in der die nun hier Hand in Hand geht. Ist der technologische Wandel, die profession efficiency, im Film etabliert, Bingham als reisender Jobentlasser nunmehr entlastet, rückt Reitman das romantische Element in den Vordergrund, die emotionale Katharsis der Titelfigur. In Handkamerabildern, unterlegt mit Indie-Pop-Musik, an den Vorjahresfilm Rachel Getting Married von Jonathan Demme erinnend, zentriert Reitman schließlich die love story, das vermeintliche happy end. All die Arbeitslosen, die Finanzkrise, die eigene Firmenumstrukturierung, sprich: all das, was Up in the Air in der vorangegangenen Stunde ausgemacht hat oder haben soll, ist für den dritten Akt unerheblich geworden. Ansatzpunkte waren vorhanden (auch aus dem Roman, man denke nur an das frühzeitliche „Can, sir?“), verpuffen allerdings in Reitmans Adaption.

„To know me you have to fly with me“, lautet der erste Satz in Kirns Roman, den Clooney in den ersten Minuten leicht abgewandelt wiedergeben darf beziehungsweise der in seiner Vollständigkeit in einer geschnittenen Szene auftaucht (die es ruhig in den Film hätte schaffen dürfen). Für einen Film, der sich Up in the Air nennt, spielt sich das Geschehen jedoch hauptsächlich im realen Leben auf der Erdoberfläche ab. Auf Partys in Miami, in Firmengebäuden, Schulen und auf Hochzeiten. Was im Nachhinein von einem durchaus unterhaltsamen und über weite Strecken überzeugenden Roman übrig bleibt, sind die Namen von fünf Charakteren, eine Handvoll Zitate, die wahllos zwischen gestreut werden und die Rahmenhandlung eines Mannes, dessen Job darin besteht, anderen Menschen ihre Arbeitslosigkeit mitzuteilen. Aus diesen Zutaten ist es Reitman jedoch nicht gelungen, in Eigenkomposition irgendetwas Nahrhaftes zu kreieren. Insofern lässt sich Up in the Air weniger Ryan Binghams Schublade der „fast friends“ zuordnen, sondern Reitmans dritter Spielfilm ist letzten Endes ein „single-serving friend“, dem man nur zwischen Öffnen und Schließen der Vorhänge Aufmerksamkeit schenkt.

4.5/10

Dazed and Confused

You guys are kings of the school. What are you bitching about?

Die Schule ist im Grunde ein unbeliebter Ort, wo kein Schüler hin will und wenn er dort ist, sich geistig verabschiedet. Da hilft auch der Klassiker „Man lernt für’s Leben und nicht für die Schule“ nichts, denn wie soll ein Jugendlicher vorausschauend die nächsten 50 Jahre seines Lebens planen und somit für den Berufszweig, der für ihn von Bedeutung sein wird. Dabei ist die Schule eigentlich ein großartiges soziales Netzwerk, in dem sich Freunde finden und man sich jeden Tag trifft. Nun mag es auch nur in High-School-Filmen so sein, dass Schüler auch aus narrativen Gründen abends oder am Wochenende die Zeit miteinander verbringen.

Doch gerade außerhalb von Großstädten, in kleinen Orten, wo es nur eine oder zwei Schulen gibt, sind die eigenen Freunde ohnehin gezwungen, mit einem dieselbe Schule zu besuchen. Am Ende liegt es somit weder an der Schule an sich, gegen die man rebelliert, sondern am alles überschattenden (politischen) System, die dem Freiheitsstreben des gemeinen Jugendlichen zuwider läuft. Seien es die sport-politischen Strukturen wie sie in Filmen wie Varsity Blues, Friday Night Lights oder Hoosiers thematisiert werden oder sozio-kulturelle Klassenkämpfe, eingefangen durch Genre-Beiträge wie Heathers oder Clueless.

Mit Richard Linklaters Dazed and Confused findet man ein wenig von beidem und sowieso ist Linklaters Genrebeitrag von 1993 inzwischen ein Kultwerk und exemplarisches Beispiel zugleich. Am 28. Mai 1976, dem letzten Schultag vor den Sommerferien, begleitet das Publikum mehrere Charaktere in einer sinnfreien Handlung. “We know plots suck, (..) so nothing much happens” erkannte Peter Travers im Rolling Stone gut. Denn in der Tat passiert eigentlich nichts in Linklaters Film, außer dass die High-School-Schüler am letzten Schultag ziellos durch die Straßen fahren, um währenddessen zu trinken, zu kiffen und vor allem auch zu flirten.

Es ist zwar kein Abschied und Lossagen zum College und doch verbindet Dazed and Confused viel mit American Graffiti. Denn Linklaters Film ist “the American Graffiti for the slacker generation”, wie es Empire ausdrückte. Im Nachhinein behandelt der Film wohl am ehesten noch den Status des High-School-Schülers und das „System“, in welches man sich unterordnen muss bzw. lässt. Dass hierbei – wie es sich für einen US-amerikanischen High-School-Film gehört – neben Nerds und Losern auch Jocks, beliebte Mädchen, Alkohol und Sex eine Rolle spielen, versteht sich von selbst. Auch der Tokenismus kommt hier zum Tragen.

Randall (Jason London), wegen seines Nachnamens (‘Floyd’) von seinen Freunden nur ‘Pink’ genannt, ist zwar mit Simone (Joey Lauren Adams) zusammen, doch in der High School ist man nicht wirklich mit jemandem zusammen. Er verabredet sich nur lose mit ihr für den folgenden Abend, ignoriert sie während dessen Verlauf und wird am Ende mit einer anderen zum Rummachen verschwinden. Pink ist Quarterback des Football-Teams, was ihm eine besondere Stellung in der schulischen Klassengesellschaft verschafft. Doch im Gegensatz zu anderen Genrekollegen ist Pink kein Arschloch, sondern erinnert vielmehr an Cappie aus Lucas.

Zwar hängt er viel mit seinen Team-Kollegen Benny (Cole Hauser) und Dawson (Sasha Jenson) ab, doch auch mit dem Slacker Slater (Rory Cochrane) und dem Nerd Mike (Adam Goldberg). Als der letzte Schultag einen schmerzlichen Initiationsritus für die neuen Schüler wie Mitch (Wiley Wiggins) mit sich bringt, zeigt sich Pink so kulant, sich zum einen nicht am Ritus zu beteiligen und zum anderen den Freshman auf die nächtliche Partytour mitzunehmen. Hierin, in den kiffenden Football-Spielern, die mit den Losern, Nerds, und Kiffern abhängen, unterscheidet sich Dazed and Confused dann überraschend von der klassischen High-School-Komödie.

Das mag daran liegen, dass in der Lee High School in Texas alle miteinander aufgewachsen sind oder dass Linklater wie in seinem Debüt Slacker vielen Figuren folgen will und dies am ehesten schafft, indem jeder mit jedem abhängt. Es ist jedoch auch der Kiffer-Unterton, der hier stärker als in anderen Filmen wie Fast Times at Ridgemont High auftritt, der alle zu einem großen friedlichen Ganzen werden lässt. Da hängen Pink, Benny und Dawson sogar mit O’Bannion (Ben Affleck) ab, den eigentlich niemand mag und von dem es heißt, er sei nur sitzengeblieben, um nochmals als älterer Schüler dem Initiationsritus der Jüngeren beizuwohnen.

Dass Linklater jenem Ritus in der ersten Hälfte auch aufgrund von Mitch eine größere Aufmerksamkeit schenkt, um ihn dann in der zweiten Hälfte vollends zu den Akten zu legen, passt schließlich ins Bild des Films. Denn die Erzählung der Geschichte ist mindestens genau beduselt und irritiert, wie die Figuren in der Geschichte selbst. Subtile Ausflüge in die Problemfelder der Jugendlichen bleiben hierbei aus, was nicht weiter stört, da im Grunde außer Pinks Konfrontation mit seinem Coach (er soll eine Versicherung unterschreiben, dass er im Sommer keine Drogen nimmt) auch keine Figur wirkliche Probleme zu haben scheint.

Natürlich, Mitch will zuerst den Arsch nicht voll kriegen und Simone will von Pink mehr beachtet werden, aber im Grunde scheint alles okay in der Welt dieser Jugendlichen. Dass Pink den Wisch nicht unterzeichnet, stößt lediglich bei seinen Mitspielern Dawson und Benny sauer auf, doch diese Nebenhandlung erscheint Linklater zu ernst, als dass er sie tiefgründiger thematisieren würde. Erst kurz vor dem Ende, als die Nacht auf dem Football-Feld ausgeklungen wird, fördert ausgerechnet Ex-Schüler Wooderson (Matthew McConaughey) etwas mit Substanz hervor: “The older you get, the more rules they are going to try and get you to follow”.

“You just gotta keep on livin’, man”, rät er Pink. Andere Aspekte, wie die Notwendigkeit eines Initiationsritus an sich oder aber der Druck der Zukunft, wie ihn nur wenige der Jugendlichen wie Mike spüren, beachtet Linklater eigentlich kaum. Somit zählt Dazed and Confused zu den wenigen Genre-Beiträgen, die sich kaum wirklich mit der Problemwelt der Protagonisten beschäftigen. Dafür lässt Linklater den Zuschauer zu wenig am Innenleben der Charaktere teilhaben, von denen einige wie Pickford (Shawn Andrews) und Freundin Michelle (Milla Jovovich) an sich auch komplett aus der Handlung hätten gestrichen werden können.

Ein möglicher Ansatzpunkt wäre gewesen, weshalb Pink überhaupt Football spielt (selbst wenn er gegenüber Dawson impliziert, dass es darum geht, mit Mädchen Sex zu haben). Oder noch viel interessanter: wieso Wooderson auch als Twen noch mit Schülern abhängt. Zwar schiebt Linklater auch hier einen sexuellen Vorwand vor (“That’s what I love about these high school girls, man. I get older, they stay the same age.”), doch gerade Wooderson, der immerhin in der zweiten Hälfte recht prominent vertreten ist, hätte Potential für ein bisschen Tiefgründigkeit gehabt (sieht man mal von seiner finalen Weisheit für Pink am Ende ab).

Stattdessen versucht sich Linklater vormerklich daran, das Flair einzufangen, wofür er sich großzügig der Musik bedient. Von Alice Coopers School’s Out über Lynyrd Skynyrds Tuesday’s Gone bis hin zu Black Sabbaths Paranoid und Wars Why Can’t We Be Friends lässt er kaum fünf Minuten verstreichen, ohne sie mit Musik von ZZ Top, Peter Frampton oder KISS aus dem Off zu begleiten. Da verwundert es dann nicht, dass allein für die Musikrechte schon eine Million Dollar des 6-Millionen-Budgets draufgegangen sind. Das macht den Ausflug in die Siebziger zwar nostalgischer, hilft aber auch nicht, ein stimmiges Ganzes zu kreieren.

An sich unterscheidet Dazed and Confused nichts von anderen High-School-Komödien. Pflichtbewusst wird die Checkliste (Jocks, Slacker, beliebte Mädchen, Nerds, token black guy, Populärmusik) abgearbeitet und auch die Schauspieler befinden sich durchschnittlich Anfang 20 oder drüber (Joey Lauren Adams war 24, Sasha Jensen sogar 28). Lediglich Cole Hauser und Milla Jovovich mit 17 Jahren waren alterstechnisch an der Zielgruppe. Namhaft ist der Film allemal, finden sich in Nebenrollen Ben Affleck, Parker Posey, Cole Hauser, Joey Lauren Adams, Milla Jovovich, Adam Goldberg, Matthew McConaughey und Reneé Zellweger.

Amüsant sind die späteren Filme, die meist gerade McConaughy wieder mit einigen Mitstreitern zusammen führen sollten (McConaughy und Zellweger in Texas Chainsaw Massacre: The Next Generation, McConaughy und Affleck in Glory Daze, McConaughy und Hauser in Paparazzi, Affleck und Adams in Mallrats und Chasing Amy). Im Nachhinein fehlt es Linklater an einem Fokus, sodass sein Werk zum unkoordinierten Cruisen und Kiffen verkommt, mit eindimensionalen Figuren denen es an Emotion fehlt. Im Vergleich zu anderen Filmen des Genres etwas enttäuschend, aber grundsätzlich ein würdiger Vertreter.

8.5/10

Party of Five - Season One

You know, you just can't buy love like that.

Mitunter wurde das Fernsehgerät schon als Erzieher angesehen. Statt dass sich die Eltern um ihr Kind kümmern, setzt man es vor den Fernseher. Und dieser übernimmt quasi die Überwachungsfunktion. Man verbringt als Kind sicherlich weniger Zeit draußen oder mit anderen Beschäftigungen als es noch die eigenen Eltern getan haben. Das Besondere an einem Aufwachsen mit Fernseher ist, dass man in der heutigen Medienlandschaft, speziell der Seriengesellschaft, mit eben jenen Serien aufwachsen kann. Und mit ihnen auch mit ihren Figuren. So baut man als Kind dann eine besondere Beziehung zu Parker Lewis Can’t Lose, Dawson’s Creek oder auch Party of Five auf. Jener Serie von Amy Lippman und Christopher Keyser, die eigentlich wegen ihrer schwachen Quoten nach der ersten Staffel eingestellt werden sollte. Ehe sie 1996 überraschend den Golden Globe als beste Drama-Serie gewann. Es folgten fünf weitere Staffeln und mit ihnen fünf Karrieren, die mal besser und mal schlechter verliefen.

Die „Party of Five“ bezieht sich auf die Familie Salinger aus San Francisco. Als Mutter und Vater bei einem Autounfall ums Leben kommen, muss sich der 24-jährige Charlie (Matthew Fox) als gesetzlicher Vormund um seine vier jüngeren Geschwister kümmern. Besonders problematisch wird es dadurch, dass Owen, der Jüngste, noch im Babyalter ist. Als Charlie dann auch noch ein Teil des Familiengeldes bei einem riskanten Geschäft verliert, haben die Salingers ein Problem. Oft mehr schlecht als recht raufen sich die Vier zusammen, damit das Jugendamt sie nicht auseinanderreißt. Am härtesten trifft es wohl hierbei noch Charlie, der seine Unabhängigkeit aufgeben muss, um (zu) früh Verantwortung zu übernehmen. Nicht nur zieht er wieder ins Elternhaus, sondern er nimmt sogar einen Job im Familienrestaurant an. Dabei seine eigene Karriere als Tischler hinten anstellend, ohne all seine Arbeit und Mühe von den anderen Drei gewürdigt zu bekommen. Denn selbst wenn alle im Notfall am selben Strang ziehen, so möchte doch jeder im Grunde sein eigenes Leben führen, speziell ohne von einem der Geschwister bevormundet zu werden.

Während Bailey (Scott Wolf), der Zweitälteste, grundsätzlich zwar verantwortungsvoll ist, stellen sich gerade bei ihm mehr und mehr die pubertären Hormone ein. Die erste Freundin muss her, das erste Mal umso mehr. So wird kurzerhand das neue Kindermädchen Kirsten (Paula Devicq) zum Objekt der Begierde, wobei diese eher Interesse am gleichaltrigen Charlie hat. Seine jüngste Schwester Claudia (Lacey Chabert) wiederum ist nun abhängig von ihren Geschwistern, die trotz ihrer Mehrzahl die beiden verschiedenen Eltern nicht wett machen können. Gerade mit Ersatzvater Charlie kommt es immer wieder zu Reibereien, wie auch Claudias manchmal leicht arrogante Art ihr hin und wieder ein Bein stellt. Alle Figuren müssen nun im Laufe der ersten Staffel wachsen, mehr als man von ihnen normalerweise erwarten würde. Den größten Wandel vollzieht dabei wohl Julia (Neve Campbell), die von einer widerspenstigen Jugendlichen zu Beginn, Folge um Folge wieder zu ihrem alten Selbst findet. Grundsätzlich hat jeder der vier Salingers aber in den ersten 22 Episoden sein eigenes Päckchen zu schultern.

Als Zuschauer ist man bei diesem Prozess nun als stiller Beobachter oder weiteres Familienmitglied – je nach eigener Betrachtungsweise – anwesend. Man wird Zeuge von Baileys erstem Mal mit der wilden Jill (Megan Ward). Man bekommt mit, wenn Claudia ihre erste Periode kriegt. Man beobachtet gemeinsam mit den Anderen die ersten Schritte von Owen. Ist dabei, wenn Charlie schließlich Kirsten einen Heiratsantrag macht. Und man sieht, wie Julia aufblüht, als sie sich in ihrer ersten richtigen Beziehung befindet. Ein Charakterwandel ist dabei an sich nur bei Charlie und Julia zu bemerken, da Claudia und Bailey weitaus stabilere Figuren sind. Während Charlie sein wildes Junggesellenleben aufgeben muss, um nicht nur einer ernsthaften Beziehung ins Auge zu blicken, sondern auch elterlichen Verpflichtungen. Und Julia selbst ihre wilde Phase erst ausleben möchte, wenn sie mit einem gefälschten Ausweis in einer Nachtbar arbeitet, Schule schwänzt und Widerstand leistet, wo sie die Möglichkeit dazu hat. Dagegen sind Claudia und Bailey weitaus geerdetere Personen, die zwar auch sich selbst gelegentlich in den Mittelpunkt stellen, grundsätzlich aber moralisch nicht abseits des Pfads wandeln.

Thematisch integriert die Serie verschiedene Problemfelder mal mehr und mal weniger. So wird in einer Folge die Homosexualität von Claudias Violinlehrer Ross angesprochen, was im Staffelfinale nochmals ein leichtes Echo findet. Auch dem Thema HIV und häusliche Gewalt schenken die Macher ihre Aufmerksamkeit, doch es ist der Drogenmissbrauch, der in Form von Baileys Freundin Jill am Präsentesten ist. Und natürlich spielt auch Sex für eigentlich jede der vier Figuren auf gewisse Art und Weise eine große Rolle. Nun ist Party of Five aber keine Drama-Serie wie Roswell oder Lost, wo es ein großes Ganzes gibt, in dem sich kleine Geschichten abspielen. Und doch ist die Serie auch kein CSI, wo am Ende ein Schluss unter ein jeweils aufgeschlagenes Kapitel gezogen wird. Unspektakulär sind die meisten Folgen, aber dennoch auf gewisse Art interessant. Wobei sicherlich ein größeres Interesse an den Figuren vorherrscht als an deren Handlung. Insofern bewegt sich die erste Staffel auf einem nahezu konstant guten, aber nicht herausragenden Niveau. Lediglich der Mittelteil mit den drei Folgen Thanksgiving, Private Lives und Games People Play setzt ein kleines Ausrufezeichen.

Von den drei Hauptdarstellern sollte sich jeder kurzfristig ins Rampenlicht spielen. Während sich Wolfs Karriere nach drei Kinofilmen – u.a. Ridley Scotts White Squall – auf die Serie beschränkte, sollte Campbell zu Wes Cravens Scream-Queen werden. Mit dem Ende der Trilogie endete in gewisser Hinsicht aber auch ihre Kinokarriere. Auch Fox sollte leicht in der Versenkung verschwinden, ehe er mit Lost wieder durch eine Serie seinen Weg zurück finden würde. Einige andere Gesichter wie Nebendarsteller Scott Grimes und Gastschauspielerin Laura Innes würden bei ER zu festen Größen heranwachsen. Ähnlich Jane Kaczmarek mit Malcolm in the Middle, während Brittany Murphy und James Marsden, ebenfalls in Gastrollen zu bewundern, heutzutage sehr viel präsenter im Kino sind bzw. waren. Letztlich ist Party of Five zwar keine Ausgeburt an großem Fernsehdrama, aber sie ist eine liebgewonnene Erinnerung. Ein alter Freund aus seiner Jugend. Und wenn Closer to Free von den BoDeans im Intro spielt – das übrigens erst mit der sechsten Folge zur Serie stieß -, dann ist auch diese Serie, ähnlich wie Dawson’s Creek, wie nach langer Zeit wieder nach Hause in sein altes Kinderzimmer zu kommen.

7.5/10

Nord

Manchmal sind die Dinge schwierig. Nur aufgeben darf man nicht.

Denkt man an Norwegen, so schießt dem Boulevard-lastigen Leser wohl zuerst Kronprinz Haakon und seine Gattin Mette-Marit in den Kopf. Die Gedanken des treuen Kicker-Abonnenten wandern dagegen sofort zu Rosenborg Trondheim, dem fußballerischen Rekordmeister. Und dann wird es auch schon schwierig. Fjorde gibt es auch noch sehr schöne in Norwegen und neben Japan gilt das skandinavische Land als bekannteste Walfang-Nation. Bemüht man einen Blick in den deutschen Wikipedia-Eintrag, stößt man noch auf den Maler Edvard Munch und Schriftsteller Henrik Ibsen. Eigentlich relativ wenig, was man so als Ottonormalbürger über Norwegen und seine Bevölkerung weiß. Viel verpasst scheint man auch nicht zu haben, schaut man sich Rune Denstad Langlos Nord an. Dieser zeichnet seine Landsleute als wortkarge Einsiedler, denen es zuvorderst erst einmal um ihren Schnaps geht. Zumindest mehr oder weniger.

Rune Denstad Langlo hatte sich zuvor als Regisseur zweier Dokumentationen ausgezeichnet und wagte sich nun mit Nord an seinen ersten Spielfilm. Drehbuchautor Erlend Loe scheint sich dabei nicht gerade mit kreativem Ruhm bekleckert zu haben, stößt man doch kaum auf einen Beitrag zum Film, in dem kein Verweis auf David Lynchs The Straight Story stattfindet. Sogar das Presseheft bemüht diesen Vergleich, der einem erstaunlicherweise nicht von selbst bei Sichtung des Filmes in den Kopf kommen will. Was auch damit zusammenhängen kann, dass Lynchs offensichtliche Vorlage nach der Sichtung nicht lange in Erinnerung geblieben ist. Und obschon Nord nun eine Art Remake ist oder zumindest Kind derselben Idee, macht sich Loe nicht die Mühe, seine Geschichte mit einer glaubwürdigen Exposition zu versehen oder einem überzeugenden Mittelteil. Da helfen auch die Glanzlichter in der Handlung nicht viel.

Erzählt wird von Jomar Henriksen (Anders Baasmo Christiansen), einem übergewichtigen und depressiven Skilift-Arbeiter. Er trinkt seinen Schnaps, raucht und liegt lethargisch auf dem Sofa. Ohnehin würde er viel lieber zurück in seine Psychiatrie, deren Ärztin ihn allerdings nicht wieder aufnehmen will. Den Grund für Jomars Verhalten bekommt der Zuschauer durch die Ankunft eines alten Freundes. Dieser hatte Jomar einst die Freundin ausgespannt, woraufhin dieser seine Passion des Skifahrens aufgab und zu jenem depressiven Häufchen Elend wurde. Doch die Beziehung von Jomars Ex und seinem Kumpel ist nun vorbei. Ein Grund mehr, für Jomar wieder in Aktion zu treten, schließlich hat er einen vierjährigen Sohn, von dem er bisher nichts wusste. Und als seine Skihütte versehentlich abbrennt, hat sich auch Jomars berufliche Verpflichtung erledigt. Mit nicht mal einer Gallone Schnaps steigt er auf sein Schneemobil und düst Richtung Norden zu seiner Ex-Freundin und dem gemeinsamen Sohn.

Wenn Denstad Langlo seinen bärtigen Anti-Helden zu Banjo- und Violinenklängen auf dem Schneemobil in den Sonnenaufgang fahren lässt, dann hat das durchaus etwas von einem voll geschneiten norwegischen Western. Bis es dazu kommt, muss man jedoch zuerst Loes planlose Exposition über sich ergehen lassen, wird dann aber vermeintlich mit dem Beginn der eigentlichen Geschichte erlöst. Die lange Fahrt ohne Ski- oder Sonnenbrille führt bei Jomar zur Schneeblindheit. Glücklicherweise stößt er auf die jugendliche Lotte (Marte Aunemo), die ihn mit nach Hause nimmt. Gegen den Willen ihrer Großmutter wird Jomar dort in einen Wandschrank einquartiert, während Lotte und er sich zögerlich anfreunden. Eine Reise in die weiße Leere der Berge muss konsequenterweise von den zwischenmenschlichen Beziehungen leben. Doch diese sind rar gesät in Nord beziehungsweise treten nur in 50 Prozent der Fälle auf.

Loe baut drei Begegnungen ein, die eher störend wirken. In zwei von ihnen bestiehlt Jomar seine Landsleute, in einer anderen Szene fackelt er erneut durch Unachtsamkeit eine Hütte ab. Es sind Augenblicke, die wie Bremsen in Denstad Langlos Roadmovie wirken. Dabei zeigen die Szenen mit Lotte oder später auch Ulrik, dass das Potential des Drehbuchs in eben diesen Momenten zu finden ist, wenn Jomar mit anderen Menschen tatsächlich interagiert. Dass sich all diese Figuren grundsätzlich wenig voneinander unterscheiden, ist dabei prinzipiell nicht störend. Sie alle sind Einsiedler dort draußen im Schnee. Scheinbar abgeschieden von der Außenwelt und sich folglich primär um sich selbst kümmernd. Lotte hat ein Freundschaftsbuch wie man es aus der eigenen Jugend kennt. Eine der bitter-süßesten Momente von Nord ist jene Szene, in der Lotte ihr Freundschaftsbuch aufschlägt und es nur einen Eintrag vorweist – vermutlich ihr eigener oder der ihrer Großmutter – und sie daraufhin Jomar beginnt Fragen zu stellen.

Insgesamt ist Nord jedoch etwas enttäuschend und mag es nur deshalb sein, weil einem diese norwegische Kultur so unzugänglich erscheint. Denstad Langlo verleiht den Figuren zu wenig Tiefe, als dass einem ihr Schicksal wirklich etwas bedeuten würde. Da wird zwar impliziert, dass der schwulenfeindliche Ulrik selbst homosexuell ist oder sein könnte und der alte Ailo (Lars Olsen) inzwischen des Lebens überdrüssig ist. Nur haben all diese Begegnungen keine Auswirkung(en) auf Jomar, sind bloße Stationen, an denen dieser Zug namens Nord vorüberrauscht. Zwar kulminiert Jomars Reise in einer sehr schönen Schlusseinstellung – derer man sich ruhig noch etwas länger als nur die eine Sekunde hätte widmen können -, doch tröstet dies wie auch die restlichen vereinzelten guten Szenen nicht darüber hinweg, dass Nord zum einen weit schneller aus dem Gedächtnis verschwindet als Lynchs Straight Story und der Film zum anderen nicht dazu beitragen dürfte, dass sich einem die Namen von Loe oder Denstad Langlo neben Mette-Marit, Munch und Ibsen einbläuen werden.

4.5/10

Traffic

It's all about the money.

Man stelle sich vor, ein Mann läuft durch ein kleines Dorf. Er fragt alle Einwohner, ob sie Orangen hätten. Ob sie ihm welche verkaufen könnten. Aber es hat niemand Orangen. Am nächsten Tag kommt ein anderer Mann ins Dorf. Auch er fragt die Einwohner nach Orangen. Auch er verlässt das Dorf ohne das Obst. Dieses Spiel wiederholt sich noch mehrere Tage. Gegebenenfalls Wochen. Immer wieder fragen Männer nach Orangen. Irgendwann beginnt einer der Dorfbewohner in die Berge aufzubrechen. Er findet Orangen und nimmt eine Wagenladung mit in sein Dorf. Als das nächste Mal ein Mann ins Dorf kommt und nach Orangen fragt, verkauft er diesem welche. Er deckt mit seinem Angebot die Nachfrage. Je mehr Leute nach Orangen fragen, desto mehr Umsatz macht er. Nun sind Orangen keine Drogen und dementsprechend auch nicht illegal. Aber das Beispiel veranschaulicht sehr gut, dass im Kampf gegen die Drogen nicht die Dealer das Problem sind, sondern die Konsumenten.

In Steven Soderberghs Film Traffic, einer Spielfilmadaption der britischen Fernsehserie Traffik von 1989, legt Drehbuchautor Stephen Gaghan einer Figur eine ähnliche, wenn auch näher an der Materie liegende Ausführung in den Mund. Der amerikanische Richter Robert Wakefield (Michael Douglas) wird zum Direktor der Nationalen Drogenbekämpfungsbehörde befördert. Nichtsahnend, dass seine eigene 16-jährige Tochter Caroline (Erika Christensen) bereits der Drogensucht zum Opfer gefallen ist. Als diese nach einer ersten Rehabilitationsmaßnahme ausbüxt, macht er sich mit ihrem Klassenkameraden und Drogenversorger Seth (Topher Grace) auf die Suche nach ihr. In einem eher heruntergekommenen Viertel von Cincinnati scheint der Familienvater zu kapitulieren. Die Straßen sind bevölkert von Afroamerikanern, die an jedem Hauseingang nur darauf warten, Geschäfte machen zu können. Verbittert und angewidert presst Wakefield hervor, an welchen Ort Seth seine Tochter gebracht habe. „To this place?“, wiederholt dieser ungläubig. „What is that shit?”

Seth führt sein Beispiel an. Von Hunderttausenden Weißen, die in den Innenstädten jeden Schwarzen fragen würden: „You got any drugs? You know where I can score some drugs?” Die Männer also, die nach Orangen fragen. „Think about the effect that that has on the psyche of a black person, on their possibilities?”, echauffiert sich Seth. Sein Gegenbeispiel sieht vor, dass Hunderttausende Afroamerikaner in die Vororte der kaukasischen Bevölkerung fahren und jeden Weißen nach Drogen fragen. „Within a day, everyone would be selling. Your friends. Their kids”, behauptet der Schüler. Drogenhandel sei eine „unbeatable market force“ mit „three hundred percent markup value”. Für zwei Stunden Arbeit verdiene man am Tag fünfhundert Dollar. Der Rest des Tages stünde zur freien Verfügung. „And…I’m sorry. You’re telling me… you’re telling me that white people would still be going to law school?”, lautet Seths ungläubiges Fazit. Wakefield entgegnet ihm nichts. Sei es, weil er nicht antworten will oder er keine Antwort weiß.

Orangen sind keine Drogen. Sie mache nicht süchtig, sind im Gegenteil sogar gesund. Niemand würde sich daran stören, wenn man Orangen verkauft. Tatsächlich stört sich auch niemand daran. Die Drogenpolitik in der Gesellschaft ist nun variabel. In Deutschland klammert das Betäubungsmittelgesetz Drogen wie Nikotin, Koffein und Alkohol aus seinen Bestimmungen aus. Im Jahr 2007 wurden in Deutschland 532 000 Patientinnen und Patienten „infolge des Konsums von sogenannten legalen Drogen vollstationär behandelt“, wie das Bundesamt für Statistik mitteilt. Dem gegenüber stehen 80 000 vollstationäre Behandlungen infolge des Konsums von illegalen Drogen. Daraus ließe sich nun lesen, dass die Zahl deswegen nur 80 000 beziffert, eben weil diese Drogen illegal sind. Was jedoch zur Folge hätte, dass man im Sinne des Allgemeinwohls handeln würde, wenn man auch die so genannten „legalen“ Drogen rechtlich verbieten lassen würde.

In 43 Prozent aller Länder wird ein Anstieg des Drogenhandels verzeichnet. Über 25 Prozent aller Nordamerikaner und Mitteleuropäer konsumieren zumindest ein Mal in ihrem Leben Cannabis. Ebenfalls über 25 Prozent konsumieren die Droge ihr Leben lang. Im Jahr 2008 lag die Zahl der Menschen, die zumindest ein Mal Drogen gleich welcher Art genommen haben bei 172-250 Millionen Personen zwischen 15 und 64 Jahren. Das heißt, dass 2008 beinahe 1,5 Prozent der Weltbevölkerung illegale Drogen konsumiert hat. Unabhängig davon, dass dies gesetzlich verboten ist. Es besteht eine Nachfrage und diese wird gedeckt. In den USA werden jedes Jahr bis zu 50 Milliarden Dollar über den Drogenhandel umgesetzt. Die Hälfte davon wandert zur Geldwäsche nach Mexiko, das zugleich den Hauptmarkt für den amerikanischen Drogenhandel darstellt. Neunzig Prozent des Kokains, das in die Staaten wandert, wird über Mexiko geschmuggelt.

Die Drogenbekämpfungsbehörde, deren Vertreter Michael Douglas in Traffic nun repräsentiert, gibt es in den USA seit 1988. Vor sieben Jahren gaben die USA über 13 Milliarden Dollar für ihren Krieg gegen die Drogen aus. „Our budgetary process (..) makes us pale in comparison“, legt Gaghan im Film einem Regierungsverteter in den Mund, als dieser Robert Wakefield erklärt, wie sich das Budget der USA gegenüber dem der Drogenkartelle verhält. 13 Milliarden Dollar im Jahr entsprach 2003 einer Ausgabe von 600 US-Dollar pro Sekunde. Aktuell hat sich diese Zahl verdreifacht. Sprich, pro Sekunde geben die USA 1.800 Dollar für den Kampf gegen den illegalen Drogenhandel aus. Als Resultat lässt sich vorweisen, dass innerhalb der letzten neun Jahre – also seit Ausstrahlung von Traffic – der Zugang amerikanischer Schüler zu Kokain um nahezu sechs Prozent gefallen ist. Dafür nimmt jedoch der Cannabis-Konsum zu. Allein 2010 wurden bereits über 25.000 Personen diesbezüglich festgenommen.

Ein scheinbar aussichtsloser Kampf, der sich wohl auch nicht gewinnen lässt. Traffic fängt diesen Kampf hinsichtlich seiner oberflächlichen Präsentation sehr gut ein. Gaghan teilt seine Handlung auf, in drei, wenn man generös ist auch vier, individuelle Geschichten. Er widmet sich der Drogenbekämpfung sowie der Auswirkungen des Drogenhandels und –konsums auf amerikanische Familien. Die drei Handlungsstränge werden dabei als Hilfestellung für den Zuschauer durch Farbfilter voneinander getrennt. Dem Geschehen in Mexiko widmet sich Soderbergh dementsprechend in Sepia-Tönung und Handkamera. Erzählt wird die Geschichte des Polizeiermittlers Javier Rodriguez Rodriguez (Benicio Del Toro), der in einen Strudel aus Korruption hineingerät. Die blau gefärbten Bilder rund um die Familie Wakefield hingegen beschäftigen sich mit den Auswirkungen von Drogen im kleinen Raum. Und die sehr hellen und klaren Bilder rund um Helena Ayala (Catherine Zeta-Jones) und den Drogen-Prozess gegen ihren Mann, sowie ebenjene Ermittlung von DEA-Agent Montel Gordon (Don Cheadle) bilden letztlich nochmals eine Zusammenfassung der beiden Segmente.

Nimmt man an, dass die 140 Minuten Laufzeit distributiv auf die drei Segmente entfallen, müsste jeder der Handlungsstränge eine Dreiviertelstunde laufen. Wie in Episodenfilme oft gepflegt, verwebt Gaghan die Geschichten an manchen Stellen, wenn auch nicht sonderlich gezwungen oder plakativ. Jedes Segment fängt sehr schön die Ohnmacht ein, welche die jeweiligen Figuren überfällt. Und doch lässt Gaghan jede Geschichte auf einer positiven Note enden. Auf einem Hoffnungsschimmer. Wenn Gordon am Ende seine Ermittlungen von vorne beginnt bzw. weiterführt. Wenn Caroline Wakefield sich erneut in die Rehabilitation begibt und ihr Vater zur Unterstützung seinen Posten in Washington D.C. aufgibt. Wenn Javier in der Schlusseinstellung ein von Flutlicht beleuchtetes Baseballspiel beobachtet. Während die Ayala-Handlung lediglich andeutet, dass man nicht aufgeben soll, versucht Gaghan in den anderen Fällen Lösungsvorschläge anzubieten.

Sowohl die Wakefield-Handlung als auch die in Mexiko veranschaulichen, dass das Problem an der Wurzel bekämpft werden muss. Und dass diese Wurzel nicht die Drogenkartelle in Mexiko sind. Robert Wakefield erkennt, dass er den Kampf gegen die Drogen zuerst Zuhause in seiner eigenen Familie beginnen muss. Denn wenn er ihn dort nicht gewinnt, ist er in Mexiko bereits verloren. Ähnlich verhält es sich bei Javier, der mit den amerikanischen Behörden zusammen arbeitet. Als diese ihm Geld für seine Informationen anbieten, lehnt er ab. „We need lights for the parks so kids can play at night. So it’s safe. So they can play baseball. So they no become burros para los malones. Everybody likes baseball. Everybody likes parks. Listen, I believe it’s important that the United States take an interest in Tijuana now.” Das Interesse der USA an Tijuana liest sich als Spiegelbild für das Interesse an den eigenen Kindern. Seien es die Mexikanischen, die von der Straße geholt werden sollen, oder die Töchter und Söhne, denen in der Rehabilitation Aufmerksamkeit geschenkt werden muss. „We’re here to listen“, erklärt Wakefield zum Schluss.

Die beiden Handlungsstränge ergänzen sich somit sehr gut, wohingegen das Segment über den Ayala-Prozess etwas heraus fällt. Während der eine Teil rund um die Bewachung des Kronzeugen (Miguel Ferrer) von Gordon und Ray Castro (Luis Guzmán) „lediglich“ veranschaulicht, dass die Mühlen des amerikanischen Justizapparates langsam und mühsam mahlen, präsentiert der zweite Teil um Helena Ayala zumindest die interessante Note, wozu eine großbürgerliche Frau im Stande ist, um ihren gesellschaftlichen Status aufrecht zu erhalten. In ihrer Botschaft gleicht sich jedoch auch diese Episode wieder an die anderen Beiden an. Eine Botschaft, die wie auch die Übrigen ein Echo in einem Monolog erfährt. Beziehungsweise in diesem Fall in einer Anekdote von Wakefields Vorgänger (James Brolin), die auf humoristische Weise den Teufelskreis beschreibt, in welchem sich die Figuren in Traffic, aber auch ihre Spiegelbilder in der Realität befinden.

Die Anekdote erzählt von Nikita Sergejewitsch Chruschtschow, dem ehemaligen Regierungschef der Sowjetunion. Dieser soll seinem Nachfolger (vermutlich Breschnew) bei seiner Amtsübergabe zwei Briefe geschrieben haben. Sollte sein Nachfolger in eine Situation geraten, aus der er keinen Ausweg findet, würde er Rettung im ersten Brief finden. Sollte es zu einer weiteren Situation kommen, würde er Rat im zweiten Brief finden. Schon bald fand sich Chruschtschows Nachfolger in einer solchen Situation und öffnete den ersten Brief. „Blame everything on me”, stand in diesem und so schob der Nachfolger alles auf seinen Vorgänger. Alles verlief bestens, aber es folgte natürlich eine weitere Situation. Der Nachfolger nahm den zweiten Brief zur Hand und öffnete ihn. „Sit down and write two letters”, stand in diesem. Auch Traffic passt sich dieser Anekdote an und öffnet zum Schluss seinen ersten Umschlag. Sehr

6/10

Classic Scene: Lost ("Orientation"; Season 2, Episode 3) - "It's a leap of faith"

DIE SZENERIE: Die Überlebenden eines Flugzeugabsturzes finden auf einer scheinbar einsamen Insel eine verbuddelte Luke. Als sie diese mit Dynamit frei sprengen, stoßen sie auf einen Bunker, inklusive Computerraum. Während eines Schusswechsels mit Desmond, dem Bewohner des Bunkers, wird der Computer getroffen. Dieser wiederum muss alle 108 Minuten mit einem Code gefüttert werden, damit – so Desmond – die Welt nicht untergeht. Angesichts der Umstände – der Strom fällt aus und die Zeit läuft davon - ergreift Desmond schließlich die Flucht, während die Überlebenden versuchen, den Computer zu reparieren. Es kommt zum Konflikt zwischen den beiden Anführern der Gruppe: Jack und Locke. Die Situation wird zur Glaubensfrage.

INT. HATCH – COMPUTER ROOM

The timer is at 5:00.

LOCKE: Can you fix it?

SAYID: This man, whoever he was, replaced the motherboard. The power transformer is blown.

LOCKE: Don't you need to know why?

SAYID: All I need to know is that the timer is counting down to something, and that this computer needs to be repaired. I'm sure you'll tell me why once I've done so.

Kate finds the breaker and flips the switch. The lights come back on.

KATE: Found it!

Kate and Hurley enter the computer room. We hear the alarm sound and see the timer counting down past 4:00.

HURLEY: Oh, what's that?

LOCKE: Sayid!

SAYID: Working on it.

LOCKE: You have to...

SAYID: I know what I have to do. Reconnected the processor, replaced the transformer.

Sayid hits the computer's switch and it turns on.

LOCKE: It's on.

KATE: Okay, so what now?

LOCKE: There was a code. He made me enter it.

HURLEY: What code?

SAYID: Do you remember what it is?

LOCKE: 4, 8...

HURLEY: Wait a minute...

LOCKE: 15, 16...

HURLEY: Dude, I'm serious, stop.

LOCKE: Hugo, this is not the time or the place.

HURLEY: Yeah, well, I think it is.

LOCKE: 23...

HURLEY: What is this thing? You don't even know what it does. We need...

LOCKE: 32...

HURLEY: You know what? Forget it, go ahead, do your thing.

Locke is about to push the execute button.

JACK (O.S.): It's not 32.

Locke and the others look up and see Jack entering the room.

JACK (cont.): It's 42. He just told me… Desmond. The last number's 42.

Jack is walking away.

LOCKE: You're sure?

Jack stops.

JACK: Yeah, I'm sure.

Locke enters 42, and is again about to press the execute button. The counter passes 2:15 while he hesitates and looks at Jack who starts to walk away again.

LOCKE: You do it, Jack.

Jack stops and turns around. Locke is standing up from behind the computer, meeting Jack in the middle of the room.

JACK: What?

LOCKE: You have to do it.

JACK: You do it yourself, John.

LOCKE: You saw the film, Jack. This is a two person job, at least.

SAYID: This argument is irrelevant.

Sayid makes a move to push the button.

LOCKE: Sayid, don't.

SAYID: Jack.

JACK: No. It's not real. Look, you want to push the button, you do it yourself.

LOCKE: If it's not real, then what are you doing here, Jack? Why did you come back? Why do you find it so hard to believe?

JACK: Why do you find it so easy?

LOCKE: It's never been easy!

The timer passes 1:00. Another, more insistent alarm starts to sound.

KATE: Maybe you should just do it.

JACK: No. It's a button.

LOCKE: I can't do this alone, Jack. I don't want to. It's a leap of faith, Jack.

The timer shows 0:27. Jack goes to the computer and pushes the button. The timer shows 0:01 and then resets to 108:00.

LOCKE: I'll take the first shift.

Locke sits down at the computer. Jack finally walks away. Locke looks up at the timer. The timer shows 107:00.