Der Rote Baron

You are a real hero.

Als Legende bezeichnet man die Menschen, die aufgrund besonderer Leistungen und starker medialer Präsenz zu Berühmtheit gelangt sind. Ein Held wiederum ist eine Persönlichkeit, mit besonders herausragenden Fähigkeiten, die sie zu besonders hervorragenden Leistungen treibt. Freiherr Manfred von Richthofen wird allgemein sowohl als Legende, als auch als Held angesehen. Der adelige von Richthofen gelangte 1916 im Luftgeschwader des deutschen Kaiserreichs erstmals zu Ruhm und erhielt schließlich ein Jahr darauf den Pour le Mérite, die höchste preußische Tapferkeitsauszeichnung. Doch es sollte das Jahr 1917 sein, welches von Richthofens Status als Legende begründete: im Januar 1917 wurde ihm die 11. Fliegerstaffel übertragen, welche alsbald als „Fliegender Zirkus“ für Aufsehen sorgte. Die Piloten der Staffel bemalten ihre Flugzeuge mit Mustern, von Richthofen selbst ließ seinen Fokker-Dr.I-Dreidecker blutrot anmalen, damit die Alliierten allein durch seien Präsenz schon in Angst und Schrecken versetzt würden. Es war auch eben jene rote Fokker, die ihm bei den Franzosen schließlich den Spitznamen „Le diable rouge“ (Der rote Teufel) einbrachte,, sein berühmterer Spitzname – „der rote Baron“ – entstammt den britischen Zeitungen, jedoch erst nach dem Ersten Weltkrieg. Wenn auch heute mitunter strittig betrachtet, so werden von Richthofen doch ganze achtzig Abschüsse feindlicher Maschinen angerechnet, was ihm zum größten Piloten des Ersten Weltkrieges machte (auch wenn zum Beispiel sein jüngerer Bruder Lothar sehr viel effizienter war, als der taktisch geschulte Manfred).

Am 21. April 1918 hob von Richthofen mit seiner Fokker ab und sollte nie wieder lebendig landen, er wurde über feindlichem Gebiet abgeschossen, die genauen Umstände sind bis heute unsicher. Gerade Die Welle hat zuletzt wieder gezeigt, dass der Deutsche über nichts lieber einen Film dreht, als über seine eigene Geschichte. Was bietet sich da besser an, als ein Kriegsheld, eine deutsche Legende? Gerade weil man von solchen Kriegshelden wenig bis gar keine hat (und selbst wenn, wer wollte sich auf sie berufen oder einen Rommel auf der Leinwand abfeiern?). Und da die deutsche Geschichte dieses Kinojahr dank Deutschland-Retter Mr. Cuise eine internationale Renaissance erfährt, lässt sich auch ein von Richthofen-Film ganz gut vermarkten. Das lobenswerterweise unabhängig finanzierte Projekt Der Rote Baron mauserte sich mit achtzehn Millionen Euro Produktionskosten zum zweitteuersten Film in der deutschen Kinogeschichte. Wolfang Petersens Die Unendliche Geschichte (17 Millionen Euro) und Das Boot (16 Millionen Euro) konnten knapp hinter sich gelassen werden, die Luft zu Oliver Hirschbiegels Der Untergang (13 Millionen Euro) ist etwas größer, an Tom Tykwers Spektakel Das Parfüm (63 Millionen Euro) kommt das diesjährige deutsche Kinohighlight dennoch nicht heran. Überraschenderweise zeichnet sich hier einmal nicht Bernd Eichinger verantwortlich, der sonst jeden Filmkrümmel in Deutschland produziert, stattdessen schwang sich der gebürtige Stuttgarter und TV-Regisseur Nikolai Müllerschön hinter die Kamera, um den größten heimischen Kinofilm des Jahres zu drehen, der höchstens noch von Der Baader-Meinhof-Komplex Konkurrenz erhalten könnte. Die ursprüngliche Planung den 25-jährigen von Richthofen durch den 49-jährigen Val Kilmer darstellen zu lassen, wurde schließlich zugunsten der patriotischen Entscheidung (Matthias Schweighöfer) fallen gelassen. 

Müllerschön konzentriert sich in seinem Film auf die Beziehung zwischen von Richthofen und der Fliegerei. Von Richthofen und seine Männer haben im Film wenig mit dem Krieg selbst zu tun, vielmehr sehen sie sich als Sportsmänner, die eine Art Wettbewerb über den Wolken austragen. Erst in einer späten Szene wird sich von Richthofen mit den Opfern des Krieges und dem Ausmaß an Gewalt und Tod konfrontiert sehen. Bis dahin ist er jedoch ein narzisstischer, arroganter Schnösel, der zum As der Asse werden möchte, wie eine Szene offenbart, die unmittelbar aus Tony Scotts Militär-Propaganda Top Gun entnommen wurde. Doch Müllerschön will seinen Helden auch als solchen präsentieren, als Ehrenmann, der zur Beerdigung seines größten Gegner fliegt, der seinen Feinden nicht noch mit Maschinengewehrsalven nachsteigt, wenn diese schon am Absturz sind. Ein Vorzeigesoldat, ein Gentleman der Lüfte, dass ist das transferierte Bild der Produzenten. Von Richthofen wird als einer dieser Männer dargestellt (siehe Top Gun oder Pearl Harbor), die nur Fliegen wollen und sich quasi lebensunfähig sehen, wenn man ihnen „ihre Flügel nimmt“. Daher versteht sich ein Respekt für und vor dem Gegner von selbst, sodass von Richthofen auch einem Flugzeugwrack nacheilt und dem kanadischen Piloten Arthur „Roy“ Brown (Joseph Fiennes) rettet. Hierbei trifft er auf die belgische Krankenschwester Käte (Lena Headey) und ist natürlich prompt verliebt, die Romanze der Geschichte wurde soeben eingeführt. Später wird von Richthofen Brown nochmals in einem Luftkampf begegnen, der ein bizarres Ende nimmt, absolut konträr zum Finale des Filmes – exemplarisch für Müllerschöns mangelhaftes Talent eine Dramaturgie aufzubauen.

Die Effekte entstammen der Animationsschmiede Pixomondo, in welcher unter anderem Mitarbeiter der Effektgewitter King Kong oder The Matrix angestellt sind, so weißt Der Rote Baron insgesamt auch 400 CGI-Szenen auf, die sich hauptsächlich in den Flugsequenzen wiederfinden. Wirklich glaubhaft wirken diese jedoch nicht, unverkennbar, dass das alles vor Greenscreen im Studio gefilmt wurde, da wirkt hingegen das Berlin von 1917 sehr viel überzeugender. Unverständlich auch, weshalb Müllerschön den Film nicht mit dem Geld von US-Studios gedreht hat, denn nach seinen eigenen Angaben, waren diese für das Projekt sofort Feuer und Flamme, weshalb sie ihm auch die exorbitant hohe Summe von 40 Millionen Dollar zur Verfügung stellen wollten (zur Erinnerung, das inhaltlich fast identische Projekt Flyboys des vergangenen Jahres wurde für sechzig Millionen Dollar produziert). Doch Müllerschön „sah seine Version einer europäischen Geschichte in ein typisches Hollywood-Movie abdriften“. Betrachtet man seinen fertigen Film, widerspricht er sich dadurch in jedem Detail selbst. Von der Einführung in den Film (die unnützer nicht sein könnte), bis hin zur Überzeichnung seiner Figuren (widerstrebender love interest, Vorgesetzter als Witzfigur) und kulminierend in der Top Gun-Referenzszene orientiert sich dieser Film so sehr an Hollywood, dass es schon fast schmerzt. Allen voran hierbei der unsägliche Soundtrack von Dirk Reichardt (wohl von Schweiger an Bord geholt, nachdem er mit ihm zuletzt dreimal zusammengearbeitet hat). 

Auch wenn er sich in der zweiten Hälfte bessert, so ist doch gerade die erste Stunde von einer musikalischen Arschkriecherei sondersgleichen durchzogen, vor der sich ein Hans Zimmer glatt verneigen würde. Dabei war es Produzent Dan Maag wichtig, mit dem Film nah an der Realität zu bleiben und keine Geschichtsverfälschung zu betreiben. Sprachs und besetzte alle seine Figuren mit Darstellern, die zum Teil die Eltern ihrer Charaktere hätten sein können. Weshalb die Figur des 20-jährigen Werner Voss mit dem 45-jährigen Til Schweiger besetzt wurde, kann wahrscheinlich keiner der Macher erklären. Ausschlaggebend dürfte hier allein der Name des deutschen Stars gewesen sein, denn an seinem schauspielerischen Talent wird es hier (wie in all seinen Filmen) kaum gelegen haben. Auch Joseph Fiennes ist weitaus älter, wie die Figur, die er im Film darstellt. Von einer optischen Ähnlichkeit zwischen Darstellern und Figuren zu sprechen, käme einer tolldreisten Lüge drein. Wieso die Macher nicht ein solches historisches Thema für die Jugend aufbereitet haben, wenn alle Flieger damals entsprechend jung waren (von Richthofen 25, Voss 20, Brown 24), ist wie so vieles schwer nachvollziehbar. An entsprechenden Schauspielern (Franz Dinda, Kostja Ullmann) dürfte es nicht gemangelt haben. Bedenkt man die Leinwandpräsenz von Fiennes, so war auch seine Besetzung lediglich für die Plakate gedacht. Schließlich castete man noch für eine deutsche Produktion die Britin Lena Headey, damit diese eine belgische Krankenschwester mit französischem Akzent spielt (die Rolle hätte eine Sandra Speichert oder Diane Kruger auch übernehmen können, von französischen, belgischen oder schweizerischen Schauspielern ganz zu schweigen).

Bizarres Highlight des ganzen ist das Eingeständnis den Film – der wegen seiner historischen Bedeutung so wichtig war in Deutschland zu drehen mit Deutschen und fernab vom bösen, bösen Einfluss Hollywoods – auf Englisch zu drehen, damit er sich im Ausland besser vermarktet. Dies führt wiederum dazu, dass er für die deutsche Bevölkerung synchronisiert werden musste, sodass Ton und Lippenbewegung in den wenigsten Szenen übereinstimmen. Müllerschöns Film – der im übrigen gefühlte drei Stunden lang ist – beweist wieder einmal eine These, die ich zuletzt bei Die Welle ansprach: Deutsche können keine Filme drehen. Hier kann man nur wieder das Zitat von Jens Friebe anführen: „Es ist ja nicht so, dass mir alles aus Hollywood gefällt, aber das deutsche Kino ist nun mal das schlechteste der Welt“. Was Müllerschön hier dem Publikum zeigt, ist stümperhaft zusammengeschnitten, dramaturgisch erbärmlich erzählt. Mehrere Luftkämpfe werden gezeigt, die historisch ohne jede Bedeutung sind, die entscheidenden Momente werden dann jedoch nicht gezeigt, gerade die Kämpfe Voss und von Richthofen betreffend. Auch wenn es nicht zu hundert Prozent sicher ist, spricht die Wahrscheinlichkeit jedoch für die Tatsache, dass von Richthofen durch eine Kugel eines australischen Soldaten gestorben ist, als er von Brown verfolgt wurde, während er einen alliierten Soldaten nachjagte. Auslöser für sein Verhalten war eine Kopfverletzung, die er sich vier Wochen zuvor zugezogen hat. Im Grunde eine spannende Geschichte, umso idiotischer, wieso die Macher sich für ihre eigene, gähnend-langweilige Variante entschieden. Auch das ständige Herumgereise der Krankenschwester Käte während Kriegszeiten (!) ist einfach nur lächerlich, wie es im Grunde der gesamte Film ist. Ein Armutszeugnis für das deutsche Filmwesen, in all seinen Facetten so inszeniert, wie man einen guten Film nicht inszenieren sollte. Hier kann lediglich Yvonne von Wallenbergs Ausstattung überzeugen.

2.5/10

Be Kind Rewind

Are you the Key Holder or the Gate Keeper? 

Neben Cloverfield handelt es sich hierbei wohl um den durch das Internet am meisten gehypte Film von 2008. Nicht nur gab es bereits seit Monaten die geswedeten Filme im Internet respektive Trailer zu sehen, sondern Regisseur und Autor Michel Gondry swedete sogar den eigenen Trailer zum Film. Die Idee zu seinem Projekt hatte Gondry während der Dreharbeiten zu seiner Pseudo-Musik-Dokumentation Block Party, erste Ansätze zu den geswedeten Filmen lieferte ihm Dave Chapelle, der ursprünglich die Rolle des Mike übernehmen sollte. Zentrum von Be Kind Rewind ist der gleichnamige Videoladen des alten Mr. Fletcher (Danny Glover), der seine altmodischen VHS-Kassetten für einen Dollar das Stück verleiht. Es versteht sich von selbst, dass er damit keinen Gewinn macht, weswegen es seinem Laden sowohl finanziell, als auch allgemein nicht wirklich gut geht. In bester The Shop Around the Corner Manier macht sich Mr. Fletcher schließlich auch auf, unter falschem Vorwand seinen Kommerzkollegen aus zu spionieren. Für kleine Läden wie die Be Kind Rewind-Videothek scheint es in unserer heutigen Gesellschaft kaum noch Platz zu geben, für die VHS-Kassette schon mal gleich gar nicht, ist doch inzwischen selbst ihr Nachfolger, die DVD, von den HD-Medien überholt worden. Höchstens in einer verlassenen Gegend wie dem Stadtviertel von Mr. Fletcher in Passaic, New Jersey ist Platz für seine Videothek, die hier sprichwörtlich der Laden um die Ecke ist. Doch nicht nur das Viertel ist etwas heruntergekommen, auch die Be Kind Rewind-Videothek – weswegen die Stadt sie zugunsten einer Reihensiedlung abreißen lassen will. Nun gilt es für den guten Mr. Fletcher das fehlende Geld zur Restaurierung aufzutreiben, daher auch seine kleine Spionagetour. 

Und da Mr. Fletcher diesbezüglich eine Woche wegfährt, überlässt er seine Videothek seinem Ziehsohn Mike (Mos Def), der sehr bemüht ist, seine Vaterfigur nicht zu enttäuschen. Diese Mission gefährdet jedoch der trottelige Jerry (Jack Black), Besitzer eines Schrottplatzes, auf dem er auch gleich wohnt. Um seine Handlung – die Neudrehung der Hollywood-Filme – zu etablieren, bedient sich Gondry einer relativ profanen Szenerie: Jerry will ein Kraftwerk sabotieren, dass neben seinem Schrottplatz steht. Der Grund hierfür sind die ausgesendeten Mikrowellen, vor denen sich Jerry mit Töpfen und Alufolie zu schützen versucht. Bei seinem nächtlichen Anschlag wird er dann allerdings doch verstrahlt, beziehungsweise magnetisiert. Durch diese Magnetisierung werden die Videobänder gelöscht – fertig ist Gondrys Film. Etwas dilettantisch kommt diese Exposition daher, nicht wegen ihrer nicht vorhandenen Glaubwürdigkeit (welche Gondry auch sicher nicht erwecken wollte), sondern wegen ihrer Einfallslosigkeit. Das einzig innovative an der Kraftwerkszene sind Jerrys Tarnungsbemühungen, die sicherlich einen gewissen Charme haben, im größeren Kontext der Sabotage jedoch keinen wirklichen Zweck erfüllen. Für die Magnetisierung der Videofilme hätte man einen einfacheren und besseren Grund finden können, denn wenn Mike sich zuerst fünf Minuten lang sträubt Jerry zu helfen, nur um ihm dann doch zu helfen, geht der Sinn etwas flöten. Und wenn man ehrlich zugibt, dann interessiert einen an Be Kind Rewind nicht das wieso oder weshalb, sondern die nachgedrehten Kinofilme, welche dann auch alsbald erzeugt werden. Am meisten Aufmerksamkeit wird hierbei der Entstehung des ersten Videos geschenkt, Ivan Reitmans Ghostbusters. Die Bemühungen von Mike und Jerry, sowie die Art ihrer Inszenierung des Kultfilmes amüsieren und bilden den ersten starken Moment von Gondrys Film, obschon gerade diese Szene seit Monaten bereits durch das Internet geistert.

Die Kunden merken natürlich nicht, dass ihre eigenen Videothekenbesitzer in dem Film mitspielen, den sie gerade gesehen haben oder wenn sie es bemerken, dann sprechen sie es nicht an. Vielmehr verlangen sie nach mehr, nach einer zwanzigminütigen Version von Rush Hour 2 oder Robocop – immer noch merkt niemand, dass es Jerry und Mike sind, die in den Filmen alle Rollen übernehmen, anders lässt sich deren Ausrede, es handele sich um „geschwedete“ Versionen nicht erklären. Wieso die Labelisierung des „sweded“ auch dann noch fortgeführt wird, als die Kunden selbst in ihren Filmen mitspielen, ist auch nicht nachvollziehbar, weswegen man am besten auch nicht nachfragt, sondern die Menschen in Gondrys Film einfach so nimmt wie sie sind. Ansonst muss man sich mit Fragen auseinandersetzen, weshalb jemand zwanzig Dollar für ein Video bezahlt, in dem er selbst mitgespielt hat. Irgendwann holt Gondry dann den Kapitalismus-Hammer heraus, präsentiert Sigourney Weaver in der unnötigsten Rolle des bisherigen Kinojahres und schiebt die Thematik der Urheberrechtsverletzung vor, ohne dieser im weiteren Verlauf des Filmes nachzukommen. Hierfür spricht auch das Ende, das irgendwie ein Zwitter ist, ohne wirklich in den Fluss der restlichen Handlung einzutauchen. Ohne Frage sind die geschwedeten Filme von Mike und Jerry, sowie der Reinigungskraft Alma (Melonie Diaz), voller Charme und Witz, eine einzige Liebeserklärung an die Filme selbst, wie auch an das Kino. Sie machen die Stärke des Filmes aus, ähnlich wie es Stéphanes Träumereien in La Science des rêves getan haben. Gondry beweist ein großartiges Auge fürs Detail und für die kleinen Dinge, beeindruckt gerade hier durch seine Kreativität.

Probleme jedoch, dass lässt sich in seinem Sujet nicht von der Hand weisen, hat der Franzose mit der Ausarbeitung seiner Drehbücher, vor allem in der Gestaltung einer (stringenten) Handlung. Es werden einfach der liebenswürdige Mike und der schrullige Jerry präsentiert und fortan soll der Film von deren Zusammenspiel leben. Zu einem Zeitpunkt wird Gondry kurz das Aufflammen einer Liebesgeschichte zeigen, ohne dieser jedoch, wie vielem anderen, anschließend weiter zu folgen. Extrem halbherzig geht er immer in den Szenen vor, die sich nicht mit dem Nachdrehen anderer Filme beschäftigen. Es ist ihm leider nicht gelungen, um diese „Remakes“ eine funktionierende Geschichte zu installieren, sein eigener Film wirkt über weite Strecken so unfertig, wie Mike und Jerrys Eigenproduktionen. Zudem baut Gondry noch einen Subplot um den Jazzmusiker Fats Waller ein, der mit der Geschichte die er eigentlich erzählt, überhaupt nichts zu tun hat, und schlimmer noch, einen Subplot der sich selbst in seiner Anfangsszene bereits vorweg nimmt. Bei aller Liebe zu einem Musiker, aber so lassen sich zwei Geschichten nicht miteinander verknüpfen, Gondry zeigt mit Be Kind Rewind, dass ihm sein kongenialer Partner Charlie Kaufman fehlt, um einen starken Film wir Eternal Sunshine of the Spotless Mind zu erschaffen. Vielleicht scheitert sein aktueller Film auch lediglich an den hohen Erwartungen die er geschürt hat, die Liebe zum Kino allein zu zelebrieren, reicht jedoch nicht aus, um selbst Liebe für den eigenen Film zu erzeugen. 

5/10

Jurassic Park

I spared no expenses.

Ein dumpfes Trommeln ertönt, begleitet von einer leichten Erschütterung und es bilden sich zaghafte konzentrische Kreise in einem Wasserbecher auf der Amatur. Der Regeln prasselt gegen die Fensterscheibe und es bilden sich nochmals konzentrische Kreise im Wasserbecher. Und wo ist eigentlich die Ziege? Geschildert wird die Einleitung zu einer der großartigsten und bedeutendsten Filmszenen aller Zeiten, wenn nicht sogar die Mutter aller Filmszenen. Ein blutiger Ziegenschenkel knallt auf das Dach eines Mercedes Geländewagens und im strömenden Regen lösen sich die Vergitterungen eines über zwölf Meter hohen Zaunes. Die Menschheit wird Zeuge etwas bis dato nie da gewesenen: zögerlich stampft das Tyrannosauros rex Weibchen aus seinem Gehege und schenkt dem Publikum einen von George Lucas gestifteten markerschütternden Schrei.

Dieser „Schrei“ ist im Grunde die Aufnahme einer Flugzeugturbine und wer hätte gedacht, dass Flugzeugturbinen solche Geräusche machen können? In der ungewohnten Umgebung beschnuppert die Riesenechse den Geländewagen, als sie von Licht abgelenkt wird. Auftakt zu einem spannungsreichen ersten Klimax in einer Geschichte, die zu einem instant classic wurde und es im Grunde schon war, ehe sie das Licht der Leinwand erblickt hat. Der Angriff des Tyrannussauros auf den Mercedes Geländewagen ist unbestreitbar eine der großen Szenen der Filmgeschichte, gelang es erstmalig einen Dinosaurier glaubhaft auf die Leinwand zu zaubern. In und durch Jurassic Park schaffte Steven Spielberg den Traum aller kleinen Jungen auf Zelluloid zu bannen: einen Themenpark mit Dinosauriern, ein Meisterwerk der Filmgeschichte.

Für zwei Millionen Dollar sicherte sich Universal Pictures die Rechte an Michael Crichtons Roman Jurassic Park (bei uns als Dino Park erschienen) und beendete dadurch einen enormen Studio-Konkurrenzkampf. Während Universal mit Steven Spielberg um den Stoff buhlte, biederte sich Warner Bros. mit Tim Burton, Columbia mit Richard Donner und 20th Century Fox dagegen mit Joe Dante an. Universal obsiegte und bezahlte Crichton nochmaly eine halbe Million, damit er mit Drehbuchautor David Koepp das Drehbuch zum Film entwarf. Dabei begann die Vorproduktion sogar schon ehe Crichtons Roman überhaupt erschien, so sehr vertraute man auf den Erfolg der Geschichte. 1989 begann das Vorstadium des Filmes, ein ganzes Jahr bevor der Roman auf dem Markt kam. Später würde dies bei den zweiten Fortsetzungen eine noch bizarrere Steigerung erfahren.

Dabei wäre es fast nie zum Dinosaurier-Themenpark gekommen, hatte Crichton die Geschichte zu Beginn aus der Perspektive eines Kindes erzählt und dadurch das Interesse seiner Lektoren geschmälert. Erst nachdem er ein Erwachsenen zum Protagonisten wurde, kam deren Akzeptanz. Auf den Hawaii-Inseln begannen die Dreharbeiten zu diesem spektakulären Projekt, welches die interessantesten Casting-Pläne durchgemacht hatte. Die Hauptrolle des Dr. Alan Grant wurde zuerst Harrison Ford (den man nur zu gern als griesgrämigen Paläontologen erlebt hätte) und William Hurt angeboten, später wäre es fast Richard Dreyfuss geworden. Für die Figur der Ellie Sattler trat man an Robin Wright Penn und Juliette Binoche heran, als John Hammond war Sean Connery im Gespräch. Letztlich fielen die Namen aber eine Nummer kleiner aus.

Bereits den Auftakt hat Spielberg spannend gewählt, mit der Verfrachtung des Velociraptorweibchens in das Gehege und dem daraus resultierenden Unfall. Ein sicher besser gewählter Anfang wie der von Crichton, der ruhiger und wissenschaftlicher daherkommt. Exzellent geraten ist die Szene in der Bob Peck entgegen seiner Richtlinien ein “Shoot her!“ ruft und die Hand seines Angestellten allmählich durch seine Arme entgleitet. In der Folgeszene wird dann die Basis für den Rest des Filmes geschaffen: Der Unfall sorgt für eine Inspektion. Erste Zweifel werden also wach, ob es so schlau war, Dinosaurier in unsere Zeit zu katapultieren. Nunmehr konfrontiert Spielberg den Zuschauer mit seinem Hauptdarsteller, präsentiert diesen Charakter und seine anschließende Reise als Held.

Ein in seine Arbeit verliebter, Kinder verabscheuender Mann, dessen Arbeit von jemanden subventioniert wird, den er nicht kennt. Dr. Alan Grant, überzeugend gespielt von Sam Neill, ist sicher nicht der perfekte Held und im Gegensatz zu seinem Kollegen Indiana Jones kein Adrenalingeiler Abenteurer, kein „Rockstar“, sondern Wissenschaftler. Wie in Jurassic Park III wird ihn auch hier eine versprochene Finanzspritze zu einer gefährlichen Reise bewegen. Hier allerdings noch ins Unbekannte. Die erste Viertelstunde einschließlich der Ankunft auf Isla Nublar ist geprägt von John Williams kongenialem Score, einem seiner gelungensten Werke und durchzogen von den richtigen Stimmungsmomenten. Die exakt richtige tonale Ergänzung zu Spielbergs visuellem Bilderreigen.

Atmosphäre gewinnt der Film auch durch seine Ausstattung, dies zeigt sich bereits bei der Ankunft auf der Insel, wenn ocker-rote Geländewagen mit “Jurassic Park“-Emblem die Besucher abholen. Einen ersten Höhepunkt bildet dann der Auftritt des Brachiosauriers. Die Effekte überraschten, auch wenn sie inzwischen schlecht gealtert sind. Die Farbpunkte des Sauriers beißen sich mit der Umgebung, seine Animation ist überdeutlich. Wie bei allen anderen Dinosauriern tricksten die Macher schließlich, um die Tiere für das Publikum interessanter zu machen, der auf den Hinterbeinen stehende Brachiosaurus, der T-Rex mit eingeschränkter Sicht, der giftspuckende Dilophosaurier oder die Türen öffnenden Velociraptoren sind allesamt Abwandlungen für das Handlungsgeschehen (Crichton ließ die Raptoren in seinem Roman noch viel verrücktere Dinge machen).

Im Gesamtbild stört es schließlich auch nicht weiter, wenn der Raptor die Tür öffnet und die Kamera zur Klinke fährt. Spielberg zählt im Grunde zu den Regisseuren, die B-Movies auf Blockbuster-Niveau gedreht haben. Es soll unterhalten und soll fesseln, die Abänderungen an den Dinosauriern erfüllen diesen Zweck. Löblich dass Spielberg nicht dem Actiongehabe der Vorlage verfällt, auch wenn dies vordergründig an den technischen und finanziellen Engpässen gelegen haben dürfte. Doch gerade die Mitte mit der Verschanzung vor den Raptoren ist bei Crichton extrem unglaubwürdig ausgefallen (insofern man bei einem Themenpark mit Dinosauriern von Glaubwürdigkeit sprechen kann). Das Finale mit dem Raptorennest hätte man dann aber dennoch gerne gesehen, war es auch in den Kontext des Nintendo-Videospiels oder den nicht-kanonischen Comic-Band integriert.

Einziger Wermutstropfen sind die Kinderfiguren, Timmy und Alex, die den Handlungsablauf verzögern und ein typisches Spielberg-Merkmal darstellen (wobei man sich auch im Roman an ihnen stört). Dafür ist ihre Küchenszene mit den Raptoren außerordentlich stark und auch beim T-Rex-Ausbruch leisten sie ihren Beitrag. Die Rücksichtnahme, die durch sie erforderlich ist, hemmt die Geschichte jedoch zu einem astreinen Thriller zu geraten. Geradezu lachhaft im Grunde, wie Crichton dieses Schema in The Lost World exakt übernommen hat (Computernerd, Junge + Mädchen) und ironisch, dass es von Spielberg im Film nur halb übernommen wurde. Hervorzuheben sind hier direkten Vergleich neben den Dinosaurier-Auftritten besonders die Anfangsmomente, wenn die drei Wissenschaftler mit Hammonds Magnus opus vertraut gemacht werden.

Wie Sam Neill und Laura Dern ihre Überraschung beim Anblick des Brachiosaurier spielen ist ebenso herzlich, wie die spätere Begutachtung der Dinosauriereier im Genlabor. Auch ihr Moment bei der Rundtour, wenn sie ganz bockig und Wissenschaftler durch und durch sofort ins Labor wollen und die Sitzsperrung aufbrechen, zeugt wie vieles andere für Spielbergs hier löblichen Peter-Pan-Komplex. In jene Kategorie gehört auch die oben gelobte Ausstattung, die Inneneinrichtung des Besucherzentrums wie die grün-roten Tourwagen, die Infotour, das Raptor-Gehege, die Einbeziehung des Merchandise in der Hammond-Sattler-Einstellung. Der Film funktioniert einfach als Ganzes, als Symbiose aus Effekten, Musik und Ausstattung. Dabei ist Jurassic Park kein reines Entertainment-Kino, sondern trägt durchaus auch sozial-kritische Ansätze.

In dieser Hinsicht agiert speziell die Figur des Mathematikers Ian Malcom (Jeff Goldblum). Malcom ist nicht nur comic relief in Spielbergs Abenteuer, sondern das Gewissen der Handlung. Er verurteilt die Idee des Parks von Beginn an und fällt als Chaos-Theoretiker die treffende Diagnose, dass die Natur immer einen Weg findet. In bester Nietzsche-Manier gefällt auch seine Evolutionstheorie: Gott erschafft Dinosaurier, Gott zerstört Dinosaurier, Gott erschafft Adam, Adam zerstört Gott, Adam erschafft Dinosaurier. Seine These, dass zwei dominante Spezies verschiedener Zeitepochen nicht demselben Raum teilen können, teilen Grant und Sattler. Richtigerweise beschreibt Malcolm den Park als „Vergewaltigung der Natur“. Der menschliche Drang Gott zu spielen, gekoppelt mit seine, Gier nach Kapitalismus, hier personifiziert von Gennaro (Martin Ferrero).

Der Anwalt sieht nur das Vermögen, welches sich mit dem Park verdienen lässt, während Hammond im Grunde die Leinwandposition von Spielberg einnimmt und sehr viel sympathischer gezeichnet wird, als von Crichton in seinem Roman entworfen. Konsequenterweise ist der Gott-Komplex des Menschen zum Scheitern verurteilt, aufgrund des Drangs mehr zu wollen als man bereits hat. Diese Überheblichkeit findet sich in vielen der Figuren wieder, sei es Nedry, Gennaro oder Muldoon. Letzterer weiß zwar um die Gefahr der Raptoren weiß, schreitet dennoch nicht effektiv gegen diese ein. Natürlich stellt sich hier die Frage, warum man überhaupt zwei gefährliche Dinosaurierarten präsentieren musste, ebenso wie die Tatsache, dass es den Dinosauriern innerhalb weniger Wochen bereits gelingt, die von InGen kreierte Chromosombarriere zu überwinden.

Diese Logiklöcher - angeführt von dem größten, nämlich der Schlucht beim Tyrannosauros-Gehege - stören den Fluss der Handlung glücklicherweise nicht, der total von den Dinosauriern vereinnahmt wird. Spielberg gelingt es exzellent die schwachen Momente mit seinen Spannungsbögen zu übertünchen, sodass man sie bereitwillig vergisst. Jurassic Park ist einwandfreies und perfekt inszeniertes Mainstreamkino, ein fast makelloser Blockbuster und 1993 der erfolgreichste Film aller Zeiten. Bereits nach der ersten Woche hatte er 73% seiner Kosten gedeckt und gewann später noch drei Oscars. Die Dreharbeiten verliefen zudem so reibungslos, dass man zwölf Tage früher fertig war, als geplant, was umso erstaunlicher ist, da man das ursprüngliche Finale änderte und sich keine Mühe machte, die erste Variante zur Sicherheit dennoch zu drehen.

Der erste Rohschnitt ohne die Effekte war dann bereits nach wenigen Tagen fertig, weswegen sich Spielberg kurz darauf an Schindler’s List machen konnte. Die Studiobosse taten gut daran, Spielberg sein überschätztes Lebenswerk erst nach der Arbeit an Jurassic Park drehen zu lassen, wobei seine spätere Arbeit sich von der Glaubwürdigkeit auch nichts genommen hätte. So markierte Jurassic Park den letzten großen spielbergschen Entertainmentfilm, der als gelungen ertrachtet werden kann. Im Gegensatz zum zwar gut gemachten, aber auch extrem manipulativen und verklärenden Schindler’s List. Alle Filme nach Jurassic Park (The Lost World eingeschlossen) sind dann das, was Spielberg seither ausmacht: Ein familientauglicher Michael Bay, dessen Filme an seinen Stars festgemacht werden. Der alte Steven Spielberg ist ausgestorben.

8.5/10

Untraceable

Where can I download this video?

Wikipedia definiert Internetkriminalität als Straftaten, die auf dem Internet basieren oder mit den Techniken des Internets geschehen. Hierunter fallen neben dem allseits bekannten und großzügig ignoriertem Filesharing auch Dinge wie Spionage oder all die Diebstähle, die über das Internetportal funktionieren wie Phishing, Kreditkartenbetrug und so weiter und so fort. Selbstverständlich gehört auch die Verführung Minderjährige in Chatrooms dazu, wie auch ein so kleines Delikt wie eine Beleidigung. Mord dagegen, ist eine Kategorie, die eher weniger mit dem Internet zu tun hat…oder doch? Bekannt sein dürfte der 2001er Falls den Rotenburger Armin Meiwes, der über das Internet nach jungen Männern suchte, die seine kannibalistische Neigung teilten und schließlich einen 43jährigen Diplom-Ingenieur umbrachte und verspeiste, nachdem er sich über das Internet mit diesem auf die Vorgehensweise geeinigt hatte. Wirklich umbringen kann man mit dem Internet allerdings dann doch niemanden, schließlich handelt es sich bei diesem lediglich um ein Medium. Dieses kann jedoch dazu genutzt werden einen Mord zu dokumentieren und diesen dadurch propagieren. Mit ebenjener Thematik beschäftigt sich Untraceable, einer der wenigen Cyberspace-Filme, deren Genrevertreter wie Firewall eher rar gesät sind, in den kommenden Jahren allerdings wohl an Aktualität gewinnen dürften.

Eigentlich könnte der neue Film von Gregory Hoblit, unter anderem für Fragile oder Primal Fear verantwortlich, den Untertitel „Saw goes Internet“ tragen, lassen die hier gezeigten Serienmorde kaum etwas an dem Einfallsreichtum eines Leigh Whannell oder James Wan vermissen. Dabei handelt es sich, um Bürokratie-Deutsch zu sprechen, streng genommen nicht einmal wirklich um einen Serienmörder, da dieser seine Opfer nicht selbst tötet. Er entführt sie lediglich, das wirkliche Morden übernimmt die Öffentlichkeit für ihn. Auf seiner Website „Kill with me“ präpariert der Mörder seine Opfer in vakanten Situationen, ein Opfer wird beispielsweise einbetoniert und dann mit Glühbirnen bestrahlt. Seine Effektivität gewinnt diese Methode daher, dass je mehr User sich auf der Homepage einloggen um das Schauspiel zu betrachten, dafür sorgen dass auch die Quälung des Opfers verstärkt wird – im erwähnten Fall die Zuschaltung weiterer Glühbirnen. Erstes Test-Opfer der Seite war zu Beginn noch ein kleines Kätzchen, steigert sich anschließend jedoch zu liebenden Familienvätern die dem Profil der Ermittler zu widersprechen scheinen. Ein Opfer folgt dem nächsten und jedes Mal erhöht sich die Zuschauerzahl der Webuser und damit verringert sich die Lebensdauer der Opfer. Ein scheinbar aussichtsloser Kampf, bedenkt man die torture porn Geilheit der heutigen Jugend, die nicht genug Blut und Qualen in Filmen eines Eli Roth sehen können, denen es nach mehr verlangt, mehr Gewalt, mehr Blut, mehr.

In Zeiten von Schülerschaften, die auf dem Pausenhof gegenseitig nicht mehr Paninibilder, sondern Gewaltvideos ihrer Handys austauschen, denen es nach Filmen wie 300 oder Rambo verlangt, dabei immer bitte alles in Großaufnahme und schön scharf, tritt nunmehr ein Film, der dieses Verhalten kritisiert und zugleich bedient. Das Produzentenquartett Rosenberg, Luccheri, Wraight und McQuaide war dabei bereits für die zeitgenössischen Underworld-Filme und Crank verantwortlich, steht hinter den beiden im Genre unerfahreneren Steven Pearl und Andy Cohen, letzterer bisher Produzent von Komödien mit den Olsen-Zwillingen. Es versteht sich von selbst, dass die Filmindustrie natürlich diese perversen Gelüste des Publikums zu bedienen versucht, warum sollte man gute Filme ins Kino bringen, die keiner sehen will, anstatt krankhaft gewaltverherrlichender Filme, die dann einen Absatzmarkt finden. So gesehen ist Hoblits Film vielleicht gerade das richtige, der das betreffende Klientel durch seinen Goregehalt ins Kino zu locken vermag und ihm dann zugleich den Spiegel vorhält, im Sinne von „Schaut her, so krank seid ihr auch“. Die Macher initiierten tatsächlich eine Website mit der URL www.killwithme.com/ und diese weißt im Gegensatz zu der im Film daraufhin, dass das betreten der betreffenden Seite gefährlich sein könnte und klickt man dennoch auch Enter, wird man mit der Tatsache konfrontiert, dass 90% aller User sehen wollten, was sich dahinter verbirgt.

Symbolhaft steht dies für unsere Gesellschaft, die man hinterfragen müsste, wie viele Leute wirklich eine Seite betreten würden, von der sie wissen, dass die Userzahl einen Menschen im Begriff ist zu töten. Der perverse menschliche Drang zum Voyeurismus ist da doch immer noch vorherrschend und hängt mit den Serienmorden enger zusammen, als es der Anschein zuerst vermuten lässt, wie schließlich auch die FBI-Ermittlerin Marsh (Diane Lane) feststellen muss. Für die soziale Ausarbeitung ihrer Figur, wie auch der des Serienmörders holten die Produzenten Allison Burnett an Bord, der unter anderem das Drehbuch zu Autumn in New York geliefert hatte und eher für seichte Dramen zuständig ist. Hier scheint das Originaldrehbuch Mängel aufgewiesen zu haben, was bei einem Blick auf die Autoren nicht weiter verwundert. Während Emmerich an seinem letzten desaströsen Vehikel seinen Komponisten mitschreiben ließ, zeichnen sich bei Untraceable der Rechtsanwalt Robert Fyvolent und der Chirurg Mark Blinker als kreative treibende Kräfte verantwortlich. Scheinbar hat der Autorenstreik in den USA neue Grenzgänge bewirkt, sodass man sich inzwischen bei Starbucks von der Kellnerin nicht nur seinen entkoffeinierten Cappuccino sondern zugleich ein Drehbuch bringen lassen kann, sich neben dem neuesten Ölwechsel vom Tankwart eine Idee pitchen lassen. Das ist Hollywood, das Land der unbegrenzten Möglichkeiten. Die Darstellung des Cybervoyeurismus ist den Autoren dennoch gut gelungen, da kann man den beiden keinen Vorwurf machen, ihre wahre Profession hin oder her, schließlich war auch Khaled Hosseini Anästhesist, ehe er seinen Welterfolg The Kite Runner schrieb.

Woran es beim Film vor allem krankt sind die verwendeten Klischees. FBI-Cybercrime-Spezialistin Marsh wird von Diane Lane zwar gut dargestellt, ist trotz Burnetts Arbeit jedoch erstaunlich eindimensional geraten, wie man es schon in Dutzenden Genrevertretern zuvor gesehen hat. Auch die Motivation des Täters ist relativ einfallslos, was aber auch daran liegen kann, dass das Genre per se ziemlich ausgelaugt zu sein scheint. Viel neues weiß Hoblits Films jedoch nicht zu bieten und bedient sich sogar so schwacher Schockmomente wie des „der Killer lauert auf der Rückbank“ und verfällt dem Spannungsbogen, dass der Täter aus dem Fall eine persönliche Sache mit dem zuständigen Ermittler macht. Auch Hoblits letzter Film Fragile sprühte nicht gerade vor Einfallsreichtum und lebte von der Darstellung seiner beiden Hauptdarsteller, Untraceable hingegen lebt von seiner unterschwelligen Kritik am System, an der Ausartung zuzusehen wollen, wie andere leiden. Wie jeder Horror-Film verstrickt sich auch dieser in manchen Logiklöchern, angefangen bei der ominösen IP-Adresse, die irgendwo in Russland ist, sich aber nicht vom FBI sperren lassen will. Die besser ausgerüstete NSA hat keine Lust Morde an unschuldigen Amerikanern zu klären und die Konsequenz zum Schutz seiner Bürger das Internet in den Staaten lahm zu legen zeigt auch niemand. Dazu noch die exorbitant steigenden User-Hits (500 Hits/Sek.) führen dann mit so manch dümmlichen Dialogen zu einem ungewollten Lachern, trüben insgesamt allerdings nicht den positiven Eindruck, den Hoblits Film nach seinem Trailer zu hinterlassen vermag – ein Thriller, der es allemal wert ist gesehen zu werden, auch wenn er nicht zu überraschen weiß und nach Schema F gestrickt wurde.

5/10

Dirty Sexy Money – Season One

Everybody in this family gets away with everything but me.

Das neue Serienphänomen dürfte im Grunde jedem bekannt sein, der sich etwas mit dem amerikanischen Serienmarkt auseinandersetzt. Hier gibt es im Grunde mehr Angebot, als es die eigene Nachfrage decken könnte und gestandene SchauspielerInnen und Regisseure sind sich nicht mehr zu schade, fürs Fernsehen zu arbeiten. Ganz im Gegenteil eigentlich. Hierbei sind dennoch wichtige Regeln einzuhalten, das ungeschriebene Gesetz des amerikanischen Fernsehens sieht zum einen vor, dass es der Mehrzahl der Serienstars nicht gelingt sich im Kino durchzusetzen (Ausnahme: George Clooney) und dass diese Serienstars meist wieder in anderen Serien landen. Prominente Beispiele sind Courtney Cox (Friends/Dirt), Matthew Fox (Party of Five/Lost) oder Calista Flockheart (Ally McBeal/Brothers & Sisters). Aber man sollte auch nicht einfach einen Kinostar in das Fernsehgeschäft werfen, da auch dies meist scheitert und deswegen durch die berühmten Cameos umgangen wird. Fernsehen und Kino sind somit zwei Medien, die sich gegenseitig bedienen, aber dennoch ein eigenes Leben, unabhängig voneinander führen. Daher agieren Regisseure meist auch nur als Paten, anstatt eine Serie ganz und vollständig zu begleiten, wie es früher bei Joe Dante (Eerie, Indiana) zum Beispiel, der Fall war. Ein Jack Bender (Lost, Alias) ist eine gestandene Seriengröße, der auf der Kinoleinwand bisher nicht in Erscheinung trat. Bryan Singer hingegen stand bereits Pate für den Ärzte-Hit House M.D. und fungiert auch bei Dirty Sexy Money als Produzent. Der Schöpfer der Serie ist jedoch Craig Wright, der sich zuvor bereits durch seine Mitarbeit an Six Feet Under, Lost oder Brothers & Sisters auszeichnen konnte. Wright erschuf eine spritzige, mitunter zynische Serie rund um die Serienetablierten Peter Krause und Samaire Armstrong, gewürzt mit ehemaligen Kinogrößen wie Donald Sutherland und William Baldwin. 

Der New Yorker Anwalt Nick George (Peter Krause) lebt zufrieden mit seiner Frau und Tochter, ist sozial engagiert und im Grunde wunschlos glücklich. Da erreicht ihn die Mitteilung dass sein Vater Dutch, mit dem Nick vor einigen Jahren gebrochen hatte, bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kam. Bei der Beerdigung trifft Nick auf die Familie Darling, eine von New Yorks reichsten Familien. Dutch arbeitete für die Darlings als Familienanwalt, was seine gesamte Zeit beansprucht und zur Vernachlässigung von Nick geführt hatte. Nun ist Dutch tot und Familienoberhaupt Tripp (Donald Sutherland) bemüht sich darum, Nick als Anwalt zu gewinnen. Dieser lehnt aus einem ersten Impuls heraus ab, hat er doch an seinem eigenen Vater gesehen, wie sich die Arbeit für die Darlings auf das eigene Familienleben auswirkt. Schließlich folgt er aber der Verlockung des Geldes, denn Tripp sichert Nick zehn Millionen Dollar zu, die dieser karitativen Zwecken spenden kann – eine Chance, die dieser nicht ablehnen kann und will. Ehe er sich versieht, ist er mitten drin im Alltagswahnsinn einer Upper-Class-Familie und muss sich schneller als ihm lieb ist Tag aus Tag ein um die kleinen und großen Wünsche der fünf Darling-Sprößlinge kümmern. Neben den Partywünschen und finanziellen Super-GAUs der Society-Zwillinge Jeremy und Juliet (Samaire Armstrong) darf sich Nick noch um die Affäre des Ältesten und Senators Patrick (William Baldwin) mit einem Transvestiten und das uneheliche Kind von Pfarrer Brian kümmern. Und schließlich ist da noch Karen (Natalie Zea), ehemalige Liebe von Nick, die diesem immer noch hinterher trauert und für Spannungen zwischen diesem und seiner Frau führt. Für Nick primär wichtig ist jedoch herauszufinden, wie sein Vater gestorben ist und wer hinter seinem Tod steckt – ist es Tripp gewesen, ein anderes Familienmitglied oder der ominöse Milliardär Simon Elder (Blair Underwood)?

Es erschließt sich dem Zuschauer bereits in der Pilotfolge von selbst, dass die Darlings ein Abziehbild der US-Milliardärsfamilie Hilton sind, allen voran natürlich Juliet Darling, Party-Blondchen mit Hündchen im Schlepptau. Der Humor der Serie findet sich im Zusammenspiel des rationalen und bodenständigen Nick mit den oberflächlichen und naiven Darlings, running gag hierbei die Einspeicherung verschiedener Klingeltöne für die eigenen Darlings von Nicks Sekretärin (z.B. Hochzeitsmusik bei Karen). Durch die erste Staffel hindurch ziehen sich die kleinen Familiengeheimnisse, jeder der Darlings hat das eine oder andere zu verbergen und Nick wie sein Vater Dutch spielen hierbei eine größere Rolle, wie zu Beginn der Serie offenbart wird. Die Hauptprämisse der Serie war ursprünglich die Aufklärung von Dutchs Tod durch Nicks Arbeit bei den Darlings, doch bereits in der Mitte der ersten Staffel scheint dieses Thema vorerst abgehakt und sich dem Zwist von Tripp und Simon Elder zuzuwenden. Es wird natürlich impliziert, dass beide Themen zusammenhängen, auch wenn sich das zu diesem Zeitpunkt noch nicht genau erschließt. Den hervorragenden Eindruck zu Beginn konnte die Serie dann nicht durchweg bestätigen, problematisch hier wahrscheinlich, dass die ursprünglichen zweiundzwanzig Episoden durch den Autorenstreik unterbrochen wurden, weshalb die erste Staffel nunmehr lediglich aus zehn Episoden ohne rechten Klimax besteht.

Als Dramaserie getarnt hält sich das Drama im Grunde in Grenzen, doch auch als Comedyserie lässt sich DSM schwerlich beschreiben, eher schon als Mischung aus beiden, doch vordergründig ein herzliches semi-sozialkritisches Bild einer superreichen Familie. Gerade die Zwillinge offenbaren immer wieder ihre Realitätsferne, wissen überhaupt nicht mit Geld umzugehen und sich unter normalen Menschen „normal“ zu verhalten. In den letzten fünf Episoden kochen die Emotionen zwischen allen Figuren allmählich hoch und die berüchtigte Figur des Simon Elder erhält mit Underwood ein erstaunlich charismatisches Gesicht. Wright beweist auch mit DSM sein Talent für unterschwelligen Humor, der sich nicht offen anbiedert, den er schon in Six Feet Under und Brothers & Sisters einbringen konnte. Krause spielt die Rolle des Familienvaters und Anwaltes überzeugend, ohne sich großartig auszuzeichnen. Die Figuren verlieren sich etwas in ihrer eigenen Oberflächlichkeit, absorbieren das Spiel ihrer Darsteller, sodass allein Armstrong und Sutherland durch ihr Schauspiel insofern herausragen. Nichtsdestotrotz überzeugen auch alle anderen Schauspieler in ihren Rollen, die einzelnen Episoden sind nicht unbedingt spannend, aber in den meisten Fällen durchaus unterhaltsam, auch wenn sie hin und wieder etwas redundant wirken. Der Charme der Serie liegt wohl wirklich in der liebevollen Anbiederung eines High Society Familie wie es die Hiltons sind, mit all ihren Fehlern und Makeln. Diese Welt sieht der Zuschauer aus den Augen der einzigen Figur, mit der er sich identifizieren kann: Nick. Dessen Verhalten erschließt sich einem nicht immer, besonders das Verhältnis zu seinem Vater Dutch wurde bisher unzureichend dargestellt, was die beiden Männer auseinander trieb bedarf noch etwas mehr Tiefgründigkeit – Raum für die 2. Staffel ist vorhanden.

7/10

Rushmore

I saved Latin. What did you ever do?

Manche Karrieren beginnen früh, sowohl von der Begrifflichkeit einer Chronologie her, als auch einer Filmographie. Oftmals starten große Karrieren im Showbusiness bereits in Schulen, so brachte die Beverly Hills High School unter anderem Lenny Kravitz, Angelina Jolie, Nicolas Cage und viele andere berühmte Namen hervor. Der Texaner Wes Anderson besuchte einst die St. John’s Privatschule in Houston ehe er an selbiger Universität Philosophie studieren sollte. In ebenjenem Philosophieseminar traf Anderson schließlich auf einen Kommilitonen namens Owen Wilson. Beide freundeten sich an und schrieben zusammen das Drehbuch für einen Independent-Film mit dem Titel Bottle Rocket. Jener zählt nicht nur zu Martin Scorseses Lieblingsfilmen der 90er Jahre, sondern beeindruckte auch eine Regiegröße: James L. Brooks. Dieser unterstützte die beiden schließlich bei der Arbeit an ihrem nächsten Projekt: Rushmore. Erneut schrieben Anderson und Wilson zusammen das Drehbuch und als Hommage an ihre texanische Herkunft drehten sie das Geschehen schließlich quasi vor ihrer eigenen Haustür. Als Rushmore Privatschule darf keine andere Schule fungieren, als Andersons eigene High School – die St. John’s Privatschule. Es gelang zudem einen großartigen Cast zusammen zu treiben, zu dem sich wie zuvor auch Wilsons eigener Bruder, Luke Wilson, gesellte und schließlich zu einer Kollaboration führen würde, die das Leben zweier Menschen entscheidend beeinflussen sollte. Nach eigenen Angaben musste Bill Murray die Rolle des verschrobenen Herman J. Blume spielen, notfalls auch ohne Bezahlung. Für Murray sollte seine Mitwirkung in Rushmore einen späten Karriereschub darstellen, der ihn weg von den Klamauk-Komödien hin zur Tragikkomik führen sollte und ihm die von den Kritikern beachteten Rollen wie Lost in Translation, Broken Flowers und insbesondere die folgenden zwei Anderson Filme bescheren sollte.

In seinem zweiten Spielfilm machte Anderson im Grunde nichts anderes, wie er in all seinen Filmen tat: er versammelte verschrobene, seltsame Figuren – allesamt scheinbar unfähig zwischenmenschliche Beziehungen zu führen, Gefangene ihrer eigenen Schrulligkeit. Hauptprotagonist von Rushmore ist Max Fisher, laut Dekan der schlechteste Schüler der Privatschule. Ursache hierfür dürfte Max’ Zeitorganisation sein, denn statt für seine Fächer zu lernen, verliert sich der bebrillte und gescheitelte Nerd in seinen außerschulischen Aktivitäten. Neben einem guten halben Dutzend Klubs, die er selbst gegründet hat, ist er zudem noch Vorsitzender von nochmals über einem halben Dutzend Klubs. Er engagiert sich für die Schulzeiten, wie den Backgammon Klub und selbst im Ringerteam ist er aktiv, auch wenn er überhaupt kein Talent für diesen Sport besitzt. Für Max ist Rushmore mehr als nur eine Schule, im Grunde stellt die Bildungsinstitution ein Zuhause für den 15-Jährigen dar, der seinen als Friseur arbeitenden Vater verleugnet und stattdessen ein perfektes Bild eines Chirurgen erstellt. Max gehört nicht in die Welt der Privatschule, ist kein reiches Kind. Gerade dieser Aspekt treibt ihn zu Beginn von Andersons Film zu der von Bill Murray dargestellten Figur des Großindustriellen Herman J. Blume. In einer Ansprache an die Schule hebt er den Kampf des Proletariats gegenüber der Oberschicht hervor, alles könne man sich als reiche Person erkaufen, nur kein Rückgrat. Ebenjenes versucht Max aufzubauen und kommt mit diesem Erscheinungsbild auch bei Blume an. Zwischen den ungleichen Männern entwickelt sich eine Freundschaft, die später zur Rivalität werden soll. Unterschwellig mag Blume für Max als der Vater fungieren, den sich dieser immer gewünscht hat – besonderen familiären Charakter erwecken die später gezeigten Ausflüge mit der Grundschullehrerin Rosemary (Olivia Williams), selbst wenn diese zu diesem Zeitpunkt von Max’ Ödipuss-Komplex überschattet sein mögen.

Gegenüber seinen Mitschülern fühlt sich Max sichtlich überlegen, der jüngere Dirk (Mason Gamble) agiert praktisch als sein Assistent und Max selbst ist an sich unangefochtener King of the Nerds. Gerade diese kann er auch in einer Szene dazu bewegen durch eine Petition die Abschaffung des Faches Latein zu verhindern – jenes Fach, dass er selbst nie gemocht hatte und immer loswerden wollte, welches er nun aber aus Zuneigung zu Rosemary rettet. Eines von vielen Beispielen, die für Max’ übersteigerte Gefühle herhalten kann. Durch sein erwachsenes Verhalten, gerade die Umgarnung von Rosemary, möchte Max seinen niederen Status überspielen. Ein bizarres Ausmaß erreicht sein Drang an Egalität bei einem Abendessen mit Blume und Rosemary nach der erfolgreichen Aufführung seiner Schuladaption von Serpico. Rosemary hat zu diesem Essen einen ehemaligen Studienfreund (Luke Wilson) eingeladen, den Max sofort als Gefahr wahrnimmt, sich in Alkohol flüchtet und anschließend versucht ihm, dem Harvard-Absolventen, gegenüber als ebenbürtig wahrgenommen zu werden. Durch sein gesamtes Verhalten entfremdet sich Max lediglich von sich selbst, doch diese Erkenntnis wird er – wie es die Reise des Helden vorsieht – erst am Ende des Filmes machen. Seine Avancen schmettern natürlich an der reifen Rosemary ab, die sich noch immer in der Trauerphase des Todes ihres Mannes befindet. In diese Lücke vermag nur der in seiner Ehe unglückliche Herman vorzudringen. Sehr schön ist die Szene geraten, als Herman Rosemary aufsucht, unter dem Vorwand Max hätte einen Ausflug geplant, damit seine eigene Unsicherheit überspielend. Logischerweise stellt sich Hermans Affäre mit Rosemary zwischen die Freundschaft der beiden Männer und somit als Problem für das gesamte Trio heraus. Beide ereifern sich schließlich in den lächerlichsten Rachefeldzügen gegeneinander, was schließlich zum Verlust der Frau führt – für beide.

In der Hauptrolle weiß Francis Ford Coppolas Neffe Jason Schwartzman zu überzeugen, für den die Rolle des Max Fisher sein Schauspieldebüt darstellte und Startpunkt für eine akzeptable Karriere bildete, die schließlich in Andersons letztem Werk – The Darjeeling Limited – ihren Höhepunkt fand. Anderson erzählt auf seine unnachahmliche Weise wie in seinen anderen Filmen die Geschichte des Erwachsenwerdens, der Überwindung seiner Komplexe, der Lösung von problematischen Vater-Sohn-Beziehungen. Man kann bereits in Rushmore seine brillante Anwendung von Zeitlupenszenen erkennen, untermalt von einem träumerischen Soundtrack, welcher das Gesamtbild abzurunden vermag. Getragen wird die Handlung dabei, auch typisch für Anderson, allein von seinen Figuren und deren Zusammenspiel, dem Aufeinanderprallen dieser skurrilen Psychen, wobei natürlich Max und Herman alle anderen überragen. Der alles durchziehende Witz ist dabei nie profan oberflächlich, sondern ergibt sich subtil aus dem Zusammenspiel der Charaktere. Man lacht weniger darüber was gesagt wird, als vielmehr wie es gesagt wird, in welchem Zusammenhang und Kontext zur Gesamtsituation und den daliegenden Details. Dabei fordert Anderson keineswegs den Geist seines Publikums heraus, unterfordert es jedoch auch nicht wie es in Amerika so gerne bei Persiflagen eines Meet the Spartans geschieht. Die Handlung entfaltet sich selbst, der Humor funktioniert wie ein Zahnrad im Kopf, welches Anderson anschmeißt und das daraufhin von selber durchläuft. Zusätzlich baut er viele liebenswerte Referenzen ein, beispielsweise an seine Dramaturgielehrerin an der Universität, aber auch filmische Hommagen an Heat, On the Waterfront oder Charlie Brown baut er ein. Insgesamt begannen mit dieser kleinen smarten Komödie die Karrieren von Anderson und Schwartzman, sowie die Etablierung von Murray unter den ernstzunehmenden Charakterdarstellern. 

8/10

Scrubs - Season Three

What’s ‘up doc’?

Wer kennt das nicht, dass man sich von etwas verabschiedet, weil es momentan nicht in sein Leben zu passen scheint, es aber anschließend vermisst? Besonders prominent vielleicht in Beziehungshinsicht, wenn man jemand Verflossenes hinterher trauert. Wie im Falle von Elliot Reid (Sarah Chalke), der Assistenzärztin aus Bill Lawrences Sitcom Scrubs. Diese hatte in der ersten Staffel Sean (Scott Foley) kennen gelernt, durch ihre Beziehung zu ihm jedoch beruflich den Anschluss verloren. Karriere vor Liebe hieß damals ihr Motto, mit entsprechenden Auswirkungen. In der Auftaktfolge zur dritten Staffel (My Own American Girl) trifft sie nun erneut auf Sean und merkt, was sie einst aufgegeben hat. Ihre wiederentdeckten Gefühle führen auch bei ihrem Ex zur emotionalen Überdenkung: Für J.D. (Zach Braff) wird Elliot infolgedessen zum über-Thema der Staffel.

Ging es im ersten Jahr von Scrubs gezielt darum, dass die jungen Assistenzärzte sich in ihrem neuen Umfeld, einer Ellbogengesellschaft, zurecht finden, begann mit der zweiten Staffel gezielt die Hinarbeitung zum Thema Beziehungen. Einerseits hatten J.D. und Elliot ihr jährliches Techtelmechtel, andererseits versuchten sich beide in Beziehungen zu anderen Partnern. Interessant ist, dass Lawrence zwar J.D. in eine vermeintlich glückliche Beziehung zu tasty coma wife Jamie (Amy Smart) entließ, von dieser Beziehung jedoch zu Beginn der dritten Staffel keine Rede mehr ist. Stattdessen hängt J.D. nahezu ständig Elliot hinterher und reagiert sehr eifersüchtig auf ihr Verhältnis zu Sean (“Kick him in the crotch, dammit. In the crotch!”). Dies ändert sich auch nicht, als mit Jordans (Christa Miller) Schwester Danni (Tara Reid) eine neue Frau in sein Leben tritt. Stattdessen sorgt J.D. für allerlei Gefühlschaos.

Im dritten Jahr zelebriert Lawrence eine Rückkehr zum Altbekannten, nicht nur durch weitere Auftritte von Scott Foley und später auch Brendan Fraser. Ähnlich verhält es sich mit Nicole Sullivan, deren Rolle der nervigen Jill Tracy erneut auftritt, überraschenderweise jedoch nicht nur nicht von Elliot behandelt, sondern von dieser nicht einmal besucht wird (obschon sich die beiden Frauen in der ersten Staffel so gut verstanden). Indem neben Michael J. Fox auch noch Barry Bostwick, Richard Kind und Alexander Chapman auftreten, konnte Lawrence nach Alan Ruck und Heather Locklear im Vorjahr erneut ehemalige Darsteller seiner vorherigen Hit-Serie Spin City zu einem Gastauftritt bewegen (Michael Boatman würde in der vierten Staffel diese Rubrik um einen weiteren Namen ergänzen).

Und mit Michael J. Fox fiel bereits ein die dritte Staffel charakterisierendes Stichwort. Nach drei Jahren Abwesenheit durch seine Parkinson-Erkrankung feierte Fox hier in zwei Folgen seine Rückkehr ins Fernsehen. Wie sehr ihm die Krankheit zusetzt, merkte man ihm in den Folgen My Catalyst und My Porcelain God in manchen Szenen an. Dementsprechend konnte Fox in seiner Rolle des Dr. Kevin Casey auch nur bedingt zur alten Höchstform auflaufen, fügte sich dennoch gelungen in die Szenerie ein. Das Integrationslob verdienen sich auch dieses Jahr wieder die übrigen Gäste – zu denen noch Freddy Rodriguez und Christopher Meloni zählen –, denen man nicht anmerkt, dass sie lediglich „vorbeischauen“. Eine besondere Eigenschaft von Scrubs, an die auch in dieser Staffel die Referenzleistung an etwaige Filmklassiker nicht heranzureichen vermag.

Außer einer When Harry Met Sally-Hommage in My Self-Examination finden sich kaum direkte Filmreferenzen. Auch die Kreativität der Vignetten lässt etwas nach, was jedoch der Vielseitigkeit der Gags-Szenen als solcher keinen Abbruch tut. Amüsante Einfälle sind beispielsweise Turks eigenes, an Shaft angelegtes, Jingle, Dougs irritierte Frage, um was es sich bei “up Doc” handelt oder Teds verzweifelter Versuch, Dr. Kelsos Hund Baxter im direkten Wettbewerb zu schlagen (“Hellooo”). Des Weiteren erfolgt die Rückkehr von Randall und seinen „powerful tiny fists“. Die größten Lacher finden sich jedoch in den drei gelungensten Episoden dieser Staffel. Sei es in My Best Friend’s Wedding die Tatsache, dass Kelso (Ken Jenkins) denkt, Turk (Donald Faison) hieße “Turk Turkleton” oder das wahnwitzige Unterfangen von Janitor (Neil Flynn), in My Moment of Un-Truth J.D. und Turk davon zu überzeugen, er verfüge über einen Zwillingsbruder.

Letztere zwei Folgen zählen neben My Clean Break und My Fifteen Seconds zu den besten Folgen im dritten Jahr. Gerade My Clean Break ist ein Highlight, nicht nur aufgrund des gelungenen Auftakts durch die außerkörperliche Erfahrung von J.D. und Turks Hexenfinger aus Bugles, sondern speziell durch den Schlussmach-Tanz von Braffs Figur zum Abschluss der Episode. Ganz so glorreich haben jedoch nicht alle Folgen den Zahn der Zeit überstanden. So fielen ein paar Folgen etwas ab, auch wenn sie immer noch überdurchschnittlich waren. Namentlich besonders My Fault und My Porcelain God, wie betont handelt es sich hierbei jedoch um einen Tropfen auf den heißen Stein. Gegenüber dem Vorjahr gelang es Lawrence besser, die zurückgedrängte Ernsthaftigkeit durch verstärkten Einsatz von Humor auszugleichen. Was nicht bedeutet, dass diese fehlt.

Gerade in den back-to-back-Folgen My Screw Up und My Tormented Mentor fällt sie umso deutlicher auf. Auch wenn der „Twist“ um Ben reichlich vorhersehbar ist (weil Lawrence ihn in ähnlicher Form bereits in der ersten Staffel zelebrierte), gibt sein Tod erneut John C. McGinleys die Chance, die Fassade seines grantigen Einzelgängers zum Bröckeln zu bringen. Auch die Finalfolgen rund um das Zusammenkommen und Trennen von J.D. und Elliot bringen neben der Hochzeit von Turk und Carla (Judy Reyes) einen gewissen seriösen Ton mit sich. Insgesamt kann konstatiert werden, dass sich Scrubs wie in Erinnerung behalten nochmals zu steigern vermag. Sie sind einem noch immer lieb: J.D., Elliot, Turk, Dr. Cox und der Janitor. Und mit den Worten von Tammany Hall NYC aus „Cindy“, dem besten Song der dritten Staffel: You show me to my smile.

8/10

Jumper

I’m gonna need a bigger bag.

Superhelden. Sie sind dafür da, die Unterdrückten zu beschützen und den armen Seelen in Not zu helfen. Ausgestattet mit besonderen Fähigkeiten unterscheiden sie sich von dem Durchschnittsbürger – aus demselben Grund stammt meist auch ihre Motivation. „With great power comes great responsibility“, sagte schon Tante Mae zu Peter Parker in Spider-Man 2. Wie könnte ein unsterblicher Superman auch durch Metropolis laufen, im Wissen dass er flüge ist, Laseraugen und einen eiskalten Atem hat? Wie könnte Peter Parker durch New York City schwingen, mit seinen warnenden Spinnensinnen, wie ein telepathischer Professor X seine Kräfte nicht zum Wohl seiner Umgebung einsetzen. Doch Menschen mit einer besonderen Begabung setzen diese auch gerne für das Gegenteilige ein, um anderen zu schaden und sich selbst zu bereichern. Ein Magneto aus X-Men beispielsweise oder in anderer Hinsicht Mr. Glass in M. Night Shyamalans Unbreakable. Es gibt Helden, es gibt Superhelden und es gibt Hancock – zelebrierte Peter Berg mit seinem etwas anderen Superheldenfilm dieses Jahr die Extravaganz, die im Nachhinein keine wahr. Schließlich war Hancock immer noch ein (Super)Held, der für das Wohl der Menschen eintrat. Wie man es richtig machen könnte, hatte dagegen ebenfalls dieses Jahr Regisseur Doug Liman angedeutet. Der Spezialist für actionreiches Kino (The Bourne Identity, Mr. & Mrs. Smith) verfilmte den Roman von Stephen Gould und erweiterte ihn um die eine oder andere Facette. Viel wichtiger jedoch, er schenkte dem Kino den einen, etwas anderen Helden – der keiner war.

Dabei beginnt Jumper wie jede konventionelle Superhelden-Geschichte. Der Schüler David Rice ist im Grunde ein Verlierer und dabei ein Opfer seines Elternhauses. Die Mutter (Diane Lane) verließ die Familie früh, was unmittelbare Auswirkungen auf den emotionalen Zustand ihres Mannes (Michael Rooker) hatte. David ist verschüchtert, ihm fehlt die Basis der Liebe, das Gefühl der Akzeptanz. Ein Vorfall nach der Schule konfrontiert den Jungen zum ersten Mal mit seiner neuen Kraft. Statt zu sterben beginnt David jetzt erst richtig zu leben. Der Unfall gibt ihm die Chance dazu. Um sein Lebensstatus zu finanzieren muss der Junge allerdings eine Bank überfallen – seine naive Intention das Geld eines Tages zurück zu zahlen wird er dabei über die Jahre hinweg beibehalten. Nach diesem knapp zehnminütigem Prolog präsentiert Liman ihn dem Publikum, seinen Helden, der kein solcher ist. Vielmehr ist David (Hayden Christensen) ein Narzisst, egozentrisch und in seine Kraft verliebt. Seine Bequemlichkeit wird ihm kurz darauf zum Verhängnis werden, zu faul ist David selbst wenige Schritte in seinem Loft zu tätigen. Vom Wohnzimmer teleportiert er sich an den Kühlschrank, von dort auf die Couch. Als die Fernbedienung einen halben Meter zu weit weg liegt…teleportiert er sich diesen halben Meter zur Seite. Der Blick in den Fernseher gewährt eine Notsituationen einiger Menschen durch eine Flut. Der Moderator spricht die hoffnungslosen Worte, wer denn in diesem Moment helfen könnte und Liman zeigt ihn uns. Doch David verdreht nur innerlich die Augen. Helfen, ja klar, aber wozu, schließlich würde es ihn seine Bequemlichkeit kosten. Einfach ignorieren, einfach abschalten. Stattdessen geklautes Geld einstecken und sich zum Flirten nach London teleportieren. Das ist er nun, Doug Limans Anti-Held, der wir in Innern unseres Herzens doch alle gerne wären.

Seine Bequemlichkeit reicht sogar so weit, dass David sich nicht einmal die Mühe macht, seine Kräfte vollends auszulotsen, er bedient sich ihrer auf minimalistische Weise. Nach dem klassischen Prolog springt Liman dann sofort in die Handlung und setzt mit seiner Konfrontation an. Der Antagonist der Geschichte ist Roland (Samuel L. Jackson), ein Paladin. Was oder wer ein Paladin ist, erfährt der Zuschauer zu diesem Zeitpunkt noch nicht und auch später wird er von Griffin (Jamie Bell) nur über das Nötigste eingeweiht. Es zeichnet sich zu Beginn jedoch auch ein anderer Konflikt ab, den Roland sogleich anspricht als er David trifft. Jemand beschützt David, das ist der Grund, weshalb er sein sorgenloses Leben führen konnte. Da kommt es durchaus überraschend, dass ihm Roland nach all den Jahren doch relativ überraschend auf die Schliche gekommen ist. An jenem Konflikt, an dem sich Jumper aufhängt, mag er für viele jedoch auch Scheitern. Die Story des Filmes scheint auf eine Trilogie angelegt zu sein, dass merkt man der Handlung über die meiste Zeit an. Nichts wird wirklich erklärt und wenn dann lediglich angerissen. Weshalb die Paladine Jumper jagen, wie man zum Paladin wird und weshalb scheinbar alle Jumper irgendwann böse werden – all dies sind Punkte, die hier als narrative Elemente vorhanden sind, sich jedoch nicht in ein respektive das Gesamtkonzept einfügen wollen.

Antworten wird Liman wohl erst in der Fortsetzung 2011 geben, für die Jumper dann nicht mehr als eine Vorepisode sein dürfte. Wer sich ungeachtet der inhaltlichen Lücken – die man gerne auch selbst ausfüllen kann – auf die, zugegeben, einfache Geschichte einlässt, kann jedoch seinen Spaß haben. Dies ist der originellen Idee geschuldet oder besser gesagt ihrer Umsetzung. Obschon man an Originalschauplätzen wie dem Kolosseum drehte, wurden andere Einstellungen – wie beispielsweise die Ankunft von David und Millie (Rachel Bilson) am Kolosseum – digital erzeugt. Dies beißt sich hier ebenso, wie es in anderen Filmen (10.000 B.C.) der Fall ist, wird jedoch kurz darauf bereits durch die Actionszenen kaschiert. Diese funktionieren im Grunde einzig dank Jamie Bell, da seine Figur des Griffin die ausgebildete und geformte ist. Christensens David dagegen ist zumeist perplex, in einer fremden Umgebung und weiß sich nicht aktiv einzubinden. Ähnlich gelungen wie Bryan Singer seinen Nightcrawler in X2 einsetzte, präsentiert Liman dem Publikum hier Griffin. Seine Angriffe auf die Paladine im Kolosseum oder auf Roland in der Wüste sind technisch gut choreographiert und digital animiert. Ohnehin ist das „jumpen“ der eigentliche Star des Filmes und insbesondere diese Szenen sind es, die zu gefallen wissen. Die grundsätzliche Handlung des Filmes orientiert sich dabei im Prinzip nach dem Schema F. Der Antagonist (Roland) raubt die Liebe (Millie) unseren Helden (David) um diesen in einem finalen Kampf zu stellen und zu vernichten. Selbiges Schema legte Sam Raimi für seine gesamten Spider-Man-Filme zu Grunde. Aufgepeppt wird das von Liman noch durch den erfahrenen Kollegen (Griffin), der den neuen Helden in das Geheimnis und die Anwendung seiner Kräfte einführt, wie unter anderem auch in Highlander und dergleichen der Fall.

In Jumper geht es Liman nicht darum einen neuen Helden zu erschaffen, seine Katharsis zu bewirken, sondern vielmehr ist der Film in gewisser Hinsicht eine coming-of-age-Geschichte oder wenn man es will, eine Liebesgeschichte. Nachdem David jahrelang der Welt den Rücken gekehrt hat, geht es für ihn nunmehr darum, sich wieder den Menschen aus seiner Vergangenheit zu öffnen. Dass er diese dabei in Lebensgefahr bringt, sorgt für eine Reifung in seinem Charakter. Dabei eröffnet sich zum Ende hin, dass es mit Davids Schicksal weitaus mehr auf sich hat, als er selbst vermutet hat und was unweigerlich der Aufhänger für den zweiten Teil bilden dürfte. In jenem sollten auch alle offenen Fragen in Bezug auf die Paladine geklärt werden und auch mehr über ihren Konflikt mit den Jumpern Erläuterung erfahren. Die Regie von Liman ist im Grunde ziemlich schnörkellos, gewohnt gekonnt, dabei die Effekte schön herausarbeitend. Dem Film selbst ordnen sich dann auch die Schauspieler unter, es sei denn sie besitzen das Potenzial – wie Jamie Bell – ihren Szenen einen Stempel aufzudrücken. Christensen jedenfalls zeigt hier erneut, dass es ihm an schauspielerischem Talent fehlt, was sich vorbehaltlos auch auf Bilson übertragen lässt. Jackson und Lane können sich in ihren eindimensionalen Figuren nicht wirklich hervortun, doch Raum steht ihnen ohne Zweifel im zweiten Teil offen, sollten sie bei einem solchen überhaupt mit von der Partie sein. Was Jumper nun etwas aus dem Pool der Superhelden-Filme heraushebt, ist ebenjene Kreation eines Helden, der keiner ist. Davids Fokus wird auf sein Privatleben gerichtet, seine Affektion für Millie und sein plötzliche Positionierung in einen Jahrhunderte alten Konflikt. Somit ist Jumper kein wahrhaft schlechter Film, selbst wenn er einige Schwächen besitzt. Diese könnten jedoch durch einen überzeugenden zweiten Teil ausgemerzt werden.

7/10 – in anderer Form erschienen bei Wicked-Vision

Kurz & Knackig: Welcome to Bayhem

Bad Boys – mit diesem Film begann damals alles, der große Auftakt für Michael Bay in Hollywood. Auch Will Smith verdankt dem Film seinen filmischen Durchbruch, der in nach Independence Day in die Superliga katapultieren würde. Dabei hätte es den Film in der Form fast nie gegeben, da das Produzenten-Duo Bruckheimer/Simpson ursprünglich Dana Carvey und Jon Lovitz in den Hauptrollen vorgesehen hatte. Zum Brüllen. Überraschend auch dass der Film bei Rotten Tomatoes nur 44% inne hat. Natürlich ist die Story – wie immer bei Bay – extrem schwach, was mitunter daran gelegen haben mag, dass sich der Regisseur wenig ans Drehbuch hielt und seine Darsteller improvisieren ließ. In Miami müssen die beiden Cops Mike Lowry (Will Smith) und Marcus Burnett (Martin Lawrence) innerhalb von vier Tagen versuchen das konfiszierte und wieder gestohlene Dope der Polizei zu besorgen. Immer im Schlepptau die einzige Zeugin des Täters (Teá Leoni). Ironischerweise besteht das 2003er Sequel fast zur Hälfte aus demselben Inhalt nur um sehr viel schlechter zu sein. Man sollte sich jedoch nichts vormachen, Bad Boys steht exemplarisch für das Actionkino der 90er Jahre, das von Simpson/Bruckheimer geprägt wurde. In der Hinsicht ist der Film nicht schlechter als ein Beverly Hills Cop oder Lethal Weapon, daher, wenn auch mit gehörig Nostalgiebonus, bekommen die Bad Boys von mir 6.5/10.

The Rock – Der zweite Spielfilm vom Master of Desaster ist bis dato sein bester, zumindest laut Rotten Tomatoes. Dort hält der Film starke 62%, was fast der dreifachen Bewertung von Bad Boys II entspricht. Wer weiß, vielleicht liegt dies ja an Quentin Tarantino, der am Drehbuch mitgeschrieben hat, auch wenn ihm kein Kredit zufiel. Die Handlung lässt sich dabei wie immer bei Bay auf ein Staubkorn pressen. Der durchgeknallte Ed Harris ist stinkig weil tote Soldaten nicht gewürdigt wurden und droht damit San Francisco mit Nervengas zu beschissen. Dabei wird schon zu Beginn erwähnt, dass seine Figur ein Mann der Ehre ist und jetzt dürfte auch dem letzten klar sein, dass er die Teile nicht auf die Bevölkerung loslassen wird. Aber weil das keinen Spaß macht, dürfen Nicky Cage und Sir Sean Connery durch Alcatraz kraxeln und Stück für Stück die Bomben entschärfen. Die Logik hinterlässt man an der Abendkasse, auch Bay-typisch. Die aufdringlichste Frage, weshalb Hummel nicht alle seine Männer einfach zu den Bomben abzieht, wird nicht mal diskutiert. Holla die Waldfee, eine Videospielverfilmung zu einem Videospiel das es nie gab. Besonders hinten raus ist das Teil eine absolute Schlaftablette die in den letzten fünfzehn Minuten niemanden mehr zu fesseln weiß. Weshalb die Subplots mit Claire Forlani und dem Photofilm eingeführt wurden, frag ich mich bis heute, insbesondere wie es Cage möglich ist auf einem einzelnen Photo zu erkennen wer Kennedy erschossen hat (entweder Nixon himself oder die Täter trugen CIA T-Shirts). Die Action ist so lala, damals (1996) vielleicht noch akzeptabel wirkt sie heute wie aus der Konserve. Für die erste Hälfte des Filmes bekommt der Streifen dann doch ein paar Pluspunkte, die er jedoch einzig und allein John C. McGinley und Michael Biehn zu verdanken hat, für den Rest gibt es 5.5/10.

Armageddon – Roger Ebert (mit dem ich zuletzt bei Totoro und Gattaca fast 1:1 übereinstimmte) beschrieb den dritten Bay unter anderem als einen „Angriff auf Augen, Ohren und Gehirn“. Endlich mal wieder ein Film, bei dem ich nicht mit Ebert übereinstimme – und im übrigen scheinbar nicht mal mit überhaupt jemanden (nicht mal mit dem Kleriker, von ich die DVD, wie alle anderen Bays [als ob ich welche auf DVD hätte] entliehen habe). Ein Asteroid fliegt auf die Erde zu und die NASA schickt Bruce Willis und Konsorten aus um unseren Planeten zu retten. Im Grund ist der Film eine Version des Dreckigen Dutzends im All, macht aber gerade jetzt noch mehr Spaß wie früher – hier sieht man eigentlich jeden, den es zu sehen gibt. Nebst Willis tummeln sich Billy Bob Thornton, Will Patton, Steve Buscemi, Peter Stormare, Michael Clarke Duncan, Liv Tyler, Ben Affleck, Owen Wilson und William „The Boss“ Fichtner. Scheiße, was will man eigentlich mehr als Billy Fichtner in einem Film zu haben, selbst Mr. Bay gibt sich in einem Cameo die Ehre. Die Story könnte natürlich dümmer nicht sein, nicht einmal ein Heroinjunkie würde solche zehn Versager ins Weltall schicken, aber gerade das ist der Charme des Filmes. Zu verdanken hat er dies fraglos seinen sechs (!) Drehbuchautoren, darunter die damals relativ unbekannten J.J. Abrams und Tony Gilroy. Bei Armageddon darf man sich einfach nichts vormachen, der Film ist so herzhaft selbstironisch und eine Trashkomödie vom allerfeinsten, dass er exakt das darstellt, was ich mir unter Popcorn-Kino vorstelle. Allein Steve Buscemi und seine One-Liner sind jedes Mal den Blick in den Film wert und mit einem vom Herzen kommenden „Your mama is“ in Richtung Mr. Ebert vergebe ich meinem Lieblings-Bay unterhaltsame 8/10.

Pearl Harbor – bis heute der erfolgreichste Film aller Zeiten….NOT! Wäre er wohl gerne geworden, das merkt man ihm schon allein an seinem Titanic-Touch an. Jahrelang hab ich dieses Vehikel gegenüber einem Kumpel als Titanic überlegen verteidigt – eigentlich nur um diesen zu ärgern, da er so ein Cameron-Fan ist. Aber Hand auf die Brust: das ist wohl eine Katastrophe sondergleichen und ich zitiere nichts lieber als T.E.A.M. America: "I miss you more like Michael Bay missed the point when he made Pearl Harbor". Amerikanische Tragödie und Liebesgeschichte gleich eine Milliarde Dollar, so lautete wohl die Prämisse von Bruckheimer. Dumm nur beides hier nicht funktionieren will, Bay tut sich sichtlich schwer mit den emotionalen Momenten der Romantik. Besser wäre es gewesen entweder die Dreiecksgeschichte rund um Rafe (Ben Affleck), Danny (Josh Hartnett) und Kate Beckinsale zu erzählen oder eben den Angriff auf Pearl Harbor – beides zusammen ist dann jedoch zuviel des guten. Dazu kommt dann noch die wahrhaft unnütze Nebenhandlung um Cuba Gooding Jr., sowie die Szenen mit Jon Voight und Dan Aykroyd – die führen zu absolut gar nichts und sind so interessant wie die Frühpension des Osterhasen. Problematisch auch die Charaktereinstellungen, während die Amis (zumindest Aykroyd) wussten, dass ein Angriff auf Pearl Harbor folgt, schwant dem japanischen Admiral kurz nach dem Angriff bereits übles – ja heide bimm bamm, hätt halt einer was gesagt. Dazu übertreffen sich Affleck, Hartnett du Beckinsale an Steifheit, sodass Gooding Jr. praktisch im Schlaf aus der Riege herausragt wie Goliath aus einer Kindergartenklasse. Zudem ist die Geschichte fast eine Stunde zu lang, gerade das Ende mit der Vergeltung ruft praktisch zum Einschlafen auf, ohne Frage ist dies ein Desaster für sich und gemeinsam mit Bad Boys II Michael Bays schlechtester Film (abgesehen von Transformers), daher katastrophale 3.5/10.

Con Air – ein gefühlter Michael Bay, seit Jahren mach ich immer wieder den Fehler und attributiere dieses Action-Vehikel dem werten Mr. Bay zu. Aber wer kann es mir übel nehmen? Der Film bietet Steve Buscemi, Nicolas Cage, Hubschrauber und eine total abstruse Geschichte – eigentlich schreit Con Air „Michael Bay!“. Gewisse nostalgische Elemente trägt auch dieser Film, da ich mich damals mit einem Kumpel als 14-jähriger in diesen Film ab 16 „geschlichen“ habe (auch wenn die DVD inzwischen seltsamerweise ab 18 ist) – was ein Abenteuer! Die Handlung passt wieder auf einen Bierdeckel: Cameron Poe (Nic Cage) wird nach acht Jahren Knast in die Heimat geschickt. Dumm nur dass Massenmörder und Vergewaltiger (u.a. John Malkovich) die Kontrolle über das Flugzeug an sich reißen. Und ich gebe ehrlich zu, dass mir der Film gefällt, was eigentlich hauptsächlich an Cyrus the Virus liegt und dessen markigen Sprüchen. Aber das Intro schon, wenn Cage drei Besoffene aufmischt und einen von ihnen in Selbstverteidigung tötet, dann aber doch acht Jahre absitzen muss (schreiende Ungerechtigkeit!) ist ansehnlich. Dazu kommt dann das Ende, wenn die aufgesplittete Familie zu LeAnn Rimes „How Do I Live“ sich erstmals begegnet – wie geil ist das denn, bitte schön? Ich beantrage Freilassung auf dem Beweisgrund der Unzurechnungsfähigkeit, meine Damen und Herren, der Film ist herrlich doof und nimmt sich dabei selbst nicht allzu ernst. John Cusacks Figur ist dabei erstaunlicherweise so nutzlos wie eine Badehose an Weihnachten, den hätte man auch getrost draußen lassen können. Ach ja, Regie führte Simon West, dessen Namen man sich nicht merken muss, seine Karriere geht auch wieder bergab, zuletzt brachte er When a Stranger Calls in die Kinos (gähn). Con Air, der inoffizielle „Michael Bay“ (ich will ihn mal so nennen) bekommt von mir unterhaltsame 7/10.

Definitely, Maybe

What's a threesome?

Man schrieb das Jahr 1998 und eine kleine Serie wurde aus dem Boden gestampft, die da hieß: Two Guys, a Girl and a Pizza Place. Diese hatte neben sympathischem Humor und netten Geschichten (zumindest in den ersten beiden Staffeln) auch zwei Schauspieler aufzubieten, von denen damals wohl kaum einer dachte, dass sie ihr heutiges Standing erreichen würden. Als schräger Medizinstudent Berg stolzierte Ryan Reynolds über den Bildschirm, sich für keinen Ekel zu schade, was Reynolds dann auch in so Filme wie National Lampoon’s Van Wilder oder dem Remake von The In-Laws weiterführte. Von diesem eher ärmlichen Humor schien er sich dann mit Blade: Trinity entfernen zu wollen und untermauerte seinen Action-Held-Status anschließend mit Joe Carnahans Smokin’ Aces.

Inzwischen gab er in Gavin Hoods Wolverine den Deadpool, demnächst für Martin Campbell den Green Lantern und dazwischen war er mit Scarlett Johansson verheiratet. Wer hätte das 1998 von Berg gedacht? Und auch der etwas naive Johnny, gespielt von Nathan Fillion, entwickelte sich zu einer Art Kultschauspieler, nicht zuletzt dank seiner Rolle als Malcolm Reynolds in Firefly/Serenity. Selbst die kleinste Nischen-Sitcom kann somit Stars oder zumindest Sternchen produzieren, in diesem Fall den guten Mr. Reynolds der in Definitely, Maybe genreuntypisch als männlicher Protagonist Zentrum einer Jahrzehnte umspannenden Liebesgeschichte ist. Die Story: Aus welcher seiner drei ernsthaften Beziehungen resultierte schließlich seine neugierige 10-jährige Tochter Maya (Abigail Breslin)?

Weshalb Sexualkundeunterricht die Frage nach sich zieht, wieso sich Dad von Mum hat scheiden lassen, erschließt sich einem nicht, bildet jedoch den Aufhänger für eine Liebesgeschichte, die einst mit Bill Clinton begann (wie viele Liebesgeschichten können das schon von sich behaupten?). Der in die Großstadt flüchtende Will verliert schließlich durch die Distanz seine College Freundin Emily (Elizabeth Banks). Die zweite Beziehung zu der Journalistin Summer (Rachel Weisz) scheitert an beruflichen Differenzen und die dritte Beziehung zu April (Isla Fisher) ist ohnehin über Jahre von freundschaftlicher When Harry Met Sally Natur. Für die kecke Maya stellt sich also die Frage, wie sich ihr Vater und ihre Mutter ursprünglich ineinander verliebt haben und weshalb sie sich folglich scheiden lassen.

Da eine einfache Antwort des Vaters an die Tochter keinen ganzen Film ausfüllen würde, wird das ganze investigativ verpackt und Maya darf es selbst rausfinden. Hierbei wird sie feststellen, dass Beziehungen und die Liebe nicht immer so einfach sind, wie man sich das vielleicht denkt. Die hier aufgezeigten Probleme sind natürlich nicht sonderlich einfallsreich, ebenjene Distanz, das Auseinanderleben beendet die eine Beziehung, die Kollision von Beruf und Privatleben dann später die zweite und die dritte wiederum wird von wechselnden Gefühlswandlungen zu verschiedenen Zeiten blockiert. Insgesamt werden hier typische Beziehungsformen abgespult, die jeder im Laufe seines Lebens einmal kennen gelernt haben wird und dem Film somit einiges nachempfinden zu können.

Die vorherrschende Frage des Publikums ist dieselbe wie die von Maya: Welche der drei Damen wird sich als ihre Mutter herausstellen? Dabei lockt einen der Film auf eine ziemlich falsche Fährte, der zumindest ich bis zum Ende auf den Leim gegangen bin. Wie das Ganze verpackt ist, kann man dabei sehr kritisch betrachten. Definitely, Maybe ist gefühlte zweieinhalb Stunden lang, was er besonders seiner Mitte zu verdanken hat, in welcher alle Charaktere eine zweite Runde drehen dürfen. Letzten Endes führt dies irgendwie nirgendwo hin, wiederholt sich zu sehr und zögert das Unweigerliche hinaus. Insofern hätte die gesamte Geschichte sich auch gut wenn nicht gar besser in einem anderthalb Stunden dauernden Film erklären lassen und hätte auf dieselbe Art und Weise gepunktet.

Selbstverständlich befriedigt der Film dabei die Erwartungen der Zuschauer, indem er sie mit den typischen RomCom-Zutaten füttert. Roter Faden für die Damen dürfte der sympathische Ryan Reynolds sein, hübsch anzuschauen und überhaupt, so fürsorglich. Die Männer hingegen erwartet ein Aufmarsch attraktiver Frauen, welche sich nicht nur auf die drei in die Prämisse  integrierten Elizabeth Banks, Rachel Weisz und Isla Fisher beschränken, sondern bis in die Nebenrollen weiterreichen. Besonders zwischen Reynolds und Fisher stimmt die Chemie, was deshalb günstig ist, da die beiden von allen drei Paarungen am meisten Screentime abbekommen haben und ebenjene Chemie ausspielen können.

Verantwortlich für den Film ist primär Regisseur Adam Brooks, sekundär dann dieselben Leute, die hinter britischen RomComs wie Love Actually, Wimbledon und Notting Hill standen. In dieselbe Schublade lässt sich auch problemlos Definitely, Maybe einordnen. Kameramann-Erbe Florian Ballhaus orientiert sich in seiner Arbeit an Videoclip-Ästhetik und Clint Mansells Score geht überraschend irgendwie unter. Der Cast weiß, bedenkt man die Charaktere, zu überzeugen. Highlight des Filmes ist hierbei Isla Fisher, welche die charmanteste Figur abbekommen hat. Weshalb ich am Ende dann auch durchaus neidisch auf Sacha Baron Cohen war, der nicht nur mit Isla Fisher liiert ist, sondern sogar eine Tochter mit ihr hat. Außer er erzählt ihr in zehn Jahren etwas anderes.

7/10