Charlie Wilson’s War

The Congressman has never been to rehab. They don’t serve whisky at rehab.

Las Vegas, die Stadt der Sünder, voller Betrüger, Geld und Prostituierten. Meist kulminiert alles am selben Ort, so zum Beispiel in einem Whirpool eines Apartments. Dort sitzen nicht nur zwei Stripperinnen, findet sich Alkohol und Kokain, sondern auch der texanische Abgeordnete Charlie Wilson (Tom Hanks). Doch er ist nicht ganz bei der Sache, denn im Fernsehen wird gerade ein Beitrag über die von den Russen unterdrückten Afghanen gezeigt. Wilson lässt sich vom Fernsehmoderator dazu überzeugen, den Etat für verdeckte geheime Subventionen von fünf auf zehn Millionen Dollar zu erhöhen. Doch damit tut er niemand einen Gefallen, im Gegenteil. Seine Gelegenheitsgeliebte und die sechsreichste Frau Texas, Joanne Herring (Julia Roberts), nötigt Wilson nun dazu sich aktiv für die Bekämpfung der Sowjets einzusetzen und eine Konsultation mit dem CIA führt ihn schließlich zu dem egozentrischen Agenten Gust Avrakotos (Philip Seymour Hoffman), der gemeinsam mit drei anderen versucht den Kalten Krieg zu amerikanischen Gunsten zu beenden.

Die unglaublichsten Geschichten sind aus Erfahrung immer diejenigen, die sich tatsächlich ereignet haben. So auch die Geschichte vom Krieg des Charlie Wilson gegen die sowjetischen Besatzer in Afghanistan Ende der Achtziger. Wilson war das, was man ohne Umschweife als Schürzenjäger und Trinker bezeichnen könnte und das wäre wohl noch euphemistisch ausgedrückt. Der echte Charlie Wilson meinte nach der Premiere von Charlie Wilson’s War lediglich, dass die Macher gnädig mit ihm gewesen sein und mit ebenjenen Machern meinte er Produzent und Hauptdarsteller Tom Hanks sowie Regisseur Mike Nichols. Über Wilsons Aktivitäten schrieb Ende der Neunziger der 60 Minutes-Journalist George Crile, der das Thema schließlich 2003 zu dem Roman Charlie Wilson’s War ausarbeitet, was wiederum Tom Hanks auf den Plan rief sich die Filmrechte zu sichern. Für das Drehbuch engagierte er den Schöpfer der politischen Dramaserie The West Wing, Aaron Sorkin, und holte als Regisseur Mike Nichols an Bord, der bereits mit Primary Colors und Catch 22 Erfahrungen im politisch-zynischen Bereich gesammelt hatte.

Eine nette Anekdote rund um die Entstehung des Filmes ist ein Treffen zwischen Nichols und George Clooney, der an der Rolle von Wilson interessiert war, als er jedoch erfuhr, dass sich Hanks bereits die Rechte gesichert habe mit den Worten ausbrach „Ich hoffe er stirbt!“. Wer würde nicht gerne einen versoffenen Weiberhelden spielen, der im Alleingang den Kalten Krieg beendete? Hanks spielte die Hauptrolle kurzerhand selbst, erntete dafür auch vor wenigen Wochen eine Golden Globe Nominierung, ebenso wie sein Nebendarsteller Philip Seymour Hoffman, der sich auch Hoffnungen auf einen Oscar machen darf. Namhaft besetzt ist er, Charlie Wilson’s War, mit drei Oscarpreisträgern in den Hauptrollen und einer für den Oscar nominierten Dame in einer Nebenrolle. Kein Wunder also, dass der Film bei den Globes noch so zahlreich vertreten war. Dabei hat Hanks sicherlich schon besser gespielt, als es hier der Fall ist, aber das komödiantische Fach liegt im dennoch fraglos. Er ist sich nicht einmal zu schade dem Publikum zum ersten Mal seinen blanken Hintern zu zeigen.

Aber das Fazit bleibt, wirklich aufgehen tut er in seiner Rolle nicht, zu unbegeistert wirkt die Begeisterung, zu friedlich seine Aufreger. Damit ist er jedoch sehr viel besser bedient als die Roberts, die abgesehen von ihrer Nuttenhaften Schminke total blass bleibt. Auch wenn dahingestellt ist, ob sie überhaupt schauspielerisches Talent besitzt, lässt es sich zumindest in Nichols Film nicht finden. Man muss ihr zu Gute halten, dass ihre Rolle auch nicht sonderlich viel hergibt, lediglich hier und da kurz auftritt, nur um etwas mit den Augen zu klimpern und Hanks ins Gewissen zu reden. Besser spielen tut da schon Amy Adams als Wilsons persönliche Assistentin Bonnie Bach, doch auch diese Figur wird nicht sonderlich ausgeleuchtet, erscheint stets als ungeschilderter Schatten von Hanks Charakter. Ähnlich verhält es sich auch mit Philip Seymour Hoffman, über dessen Rolle man zu Beginn erfährt, dass sie nicht befördert wird, womit sich das Private auch in Grenzen hält.

Höhepunkt des Filmes ist allerdings eben Hoffmans Figur, der provokativ-ehrliche Gust Avrakotos, der durch seine Bemerkungen und Äußerungen für die Lacher im Film sorgt. Hoffman spielt den Amerikaner griechischer Herkunft köstlich und absolut authentisch, ist zugleich Glanz und Gloria von Nichols Film, der außer den Szenen zwischen Avrakotos und Wilson selten wirklichen Humor zelebrieren kann. Wie bereits The Hunting Party möchte Charlie Wilson’s War gerne ein neuer Lord of War sein, ohne dies auch nur ansatzweise zu schaffen. Wenn Afghanen vom sowjetischen Helikopterfeuer dahingemäht werden, kann man solche Szenen nicht in eine Komödie einbauen, auch nicht in die von Nichols gedachte Satire. Sein Film ist über die gesamte Zeit zu unernst, um tatsächlich ernst zu sein und er ist zugleich zu unlustig, um eine wirkliche Komödie zu sein. Problematisch könnte auch sein, dass man die besten lustigen Momente des Filmes bereits monatelang in die Trailer platziert, sodass man im Kino selbst lediglich ein müdes inneres Lächeln bewerkstelligen will.

Wenn Wilson in seinem dunklen Zimmer sitzt, mit verheulten Augen, da ihm die zerfetzten afghanischen Kinder so nahe gehen, ist dies völlig aus dem Zusammenhang gerissen, da dem Publikum zuvor kein innerer Kampf dargestellt wurde, keine Nuancen, wieso Wilson sich das so sehr zu Herzen nimmt. Viel, was man hätte erzählen müssen, um die Geschichte den Zuschauern nahe zu bringen, versäumt man: Wilson bleibt ebenso im Dunkeln wie all die anderen Figuren, ihre Motivation wird vorausgesetzt. In der Tat scheint der Trailer dem Film das Genick gebrochen zu haben, den nicht nur die lustigsten Szenen werden vorweg genommen, sondern auch alle Szenen mit Shiri Appleby hineingepackt. Dieser Superlativ zu sexy taucht nicht so häufig im Film auf, wie man sich das aus dem Trailer vielleicht herzuleiten vermag, was einen dann am Ende doch etwas enttäuscht. So bleibt von Charlie Wilson’s War neben dem tollen Schauspiel von Hoffman nur noch die heiße Appleby. Der Rest ist relativ ermüdend und zu gezwungen komisch.

Was fehlt ist neben der Liebe der Macher zu ihrem Produkt vor allem die fehlende Tiefe der Figuren. Wieso genau will Ms. Herring ihre Ziele verfolgen? Was exakt motiviert Wilson? Wie sieht das Innenleben der Charaktere aus? Inwiefern ließ sich das umsetzen, was Wilson schließlich umgesetzt hat? Auch die Tatsache, dass die USA durch ihre Unterstützung der Mudschaheddin praktisch den späteren islamischen Fundamentalismus direkt finanziert, bzw. durch die Unterlassung weiterer Fördermittel diesen genährt haben, ist ein zu großes Thema, um es in einer einzigen fünfminütigen Szene abzuhandeln. Auch hier sieht man wieder, dass er Film zu ernst sein will, um Komödie zu sein, und zu lustig ist, um als Drama durchzugehen. Die Darsteller, besonders natürlich Julia Roberts, wirken dabei verschenkt, bloße Staffage in einer leblosen Handlung, die wie ein Ballon aufgeblasenes Konstrukt umherfliegt und bei einer ernsthaften Festigkeitsprüfung schließlich explodiert. Charlie Wilson’s War möchte vieles sein und schafft es am Ende schließlich wenig davon tatsächlich auszufüllen.

6.5/10

There Will Be Blood

Doesn’t necessarily mean there’s anything underneath.

Wir schreiben das Ende der siebziger Jahre, genauer gesagt ist es das Jahr 1968 als einer der größten und zugleich meist kritisierten Regisseure seinen neuen Film herausbrachte. Vor allem die anfängliche Viertelstunde von Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey dürfte für den durchschnittlichen Kinogänger zu der damaligen Zeit ein Schlag ins Gesicht gewesen sein, fällt in dieser Zeitspanne doch kein einziger Dialog. Stattdessen beherrschten Kubricks epische Bilder, unterstützt von Richard Strauss’ „Also sprach Zarathustra“ die Leinwand während man Zeuge der Entstehung des Menschen wurden. Von stetem Trommelwirbel untermalt und das alles in der Weite einer kargen Landschaft. Ein audiovisueller Sog in das Geschehen, etwas anderes, unkonventionelles – Kubrick eben. Der Mann lässt sich nicht hetzen und bereitet mit seinen Bildern stattdessen die Bühne für die Entwicklung, welche der Film im Begriff ist, innerhalb der nächsten zwei Stunden einzunehmen. Man wird große Bilder sehen und eine große Geschichte erzählen, die sich um eine einzige Figur drehen wird, den Protagonisten bzw. seinem Kampf mit dem Antagonisten. 2001 ist ein großer Film, ein ohne Frage streitbarer Film, den manche für ein Meisterwerk halten, das seinesgleichen sucht und andere wiederum als selbstverliebt und überschätzt erachten. Ähnlich verhält es sich auch mit Paul Thomas Anderson, bei dem sich ebenfalls die Geister scheiden. Gefeiert für seine Independent-Meisterwerke Boogie Nights, Magnolia und Punch-Drunk Love, von den Kritikern vergöttert, von anderen nicht sonderlich geschätzt. All das konnte Anderson dann noch mal toppen mit seinem letzten Film There Will Be Blood, der acht Oscarnominierungen erhielt und Anderson selbst den Silbernen Bären der Berlinale brachte.

Es ist das Jahr 1898 und in der kargen Landschaft Kaliforniens arbeitet ein bärtiger Mann in einem Untergrundstollen. Es handelt sich um Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) und nachdem er etwas geschürft hat, bringt er eine Stange Dynamit in dem Stollen an und sprengt das Gestein. Als er sein Werk begutachten will, bricht seine Leiter und er stürzt in den Stollen, am Bein verletzt. Doch er hat gefunden, was er gesucht hat, zieht sich mühevoll aus dem Stollen und schafft es in die Stadt. Dort kehrt er mit anderen Männern zurück und sie beginnen Öl zu fördern, einer der Männer versorgt dabei seinen neugeborenen Sohn. Eines Tages arbeiten Daniel und ebenjener Mann gemeinsam im Ölloch, doch durch einen Unfall wird sein Gegenüber tödlich verletzt. Fortan kümmert sich Plainview um das neugeborene und nennt den Jungen H.W. (Dillon Freasier), reist mit ihm als seinen Partner durch die Gegend und versucht durch sein Engelsgesicht die Farmer zum Verkauf ihrer Grundstücke zu bewegen. Plainview, der sehr erfolgreich Öl fördert und sich bereits ein ordentliches Vermögen erarbeitet hat, wird eines Tages von dem unsicheren Paul (Paul Dano) aufgesucht, der ihm versichert auf dem Land seiner Familie finde sich Öl. Unter falschen Vorsätzen besuchen Plainview und H.W. das Land der Sundays und stoßen tatsächlich auf Öl. Über einen Kompromiss kann sich Plainview mit dem Farmersohn Eli Sunday (Paul Dano) auf einen Verkauf des Landes einigen und mit Versprechungen für die Gemeinde beginnt Plainview den Aufkauf der umliegenden Länder und der Schöpfung des Öls. Dabei bleibt er vor Auseinandersetzungen mit H.W. und allen voran Eli nicht gefeit.

Wer Kubricks Einleitung zu 2001 kennt, der kommt nicht umhin Parallelen zu Andersons Einstieg in There Will Be Blood festzustellen. Die karge Landschaft, die Sprachlosigkeit im wahrsten Sinne des Wortes, das audiovisuelle Erlebnis mit einem Theme, welches nicht von ungefähr an Kubricks Meisterwerk erinnert. Die ersten zehn Minuten haben dieselbe Wirkung auf den Zuschauer, wie es einst bei Kubricks Film der Fall war. In ihrer bildhaften Simplizität erschaffen sie einen Sog, der den Zuschauer in seinen Bann zieht. Auch die nachfolgende Dreiviertelstunde steht noch ganz unter diesem Motto und es gelingt Anderson meisterhaft in die Atmosphäre des anfänglichen 20. Jahrhunderts einzutauchen. Diese erste Stunde gehört einzig und allein Daniel Day-Lewis, der sein Portrait des Daniel Plainview faszinierend spielt und dabei mit einem bloßen Blick seiner Augen oder einem einfachen Verziehen seiner Mundwinkel mehr auszudrücken vermag, als andere Schauspieler mit ganzen Monologen. Wer diese erste Stunde gesehen hat, wird nicht an der Entscheidung der Academy zweifeln, den Iren für eine Auszeichnung als Bester Hauptdarsteller nominiert zu haben – alles andere wäre Blasphemie gewesen. Anderson leugnet auch nicht die Figur des Daniel Plainview explizit mit Day-Lewis im Kopf geschrieben zu haben und so ist There Will Be Blood eigentlich auch sehr gut als „Die Daniel Day-Lewis-Show“ zu bezeichnen, neben dessen Leistung ein fabelhafter Johnny Depp in Sweeney Todd oder Viggo Mortensen in Eastern Promises wie Laiendarsteller zu wirken vermögen – der Oscar war ihm somit sicher.

Erdöl wurde bereits im 16. Jahrhundert in Amerika gefördert, damals noch von den Ureinwohnern, die das Öl mit anderen Substanzen vermischten und es dazu nutzen ihre Alltagsgegenstände wie Kanus wasserdicht zu machen. In der Mitte des 19. Jahrhunderts stiegen mit der steigenden Industrialisierung auch der Bedarf und die Nachfrage nach dem Öl rapide, da man Brennstoffe und Schmiermittel bedurfte. Durch die Ölvorkommen im Westen brach zu dieser Zeit eine Art neuer „Goldrausch“ aus und der Reichtum schien unter der Erde zu finden sein. In Kalifornien wurde dabei erstmals 1892 von Edward Doheney auf Öl gestoßen und ebenjener Doheney wuchs auch zu einem der reichsten Bürger Amerikas. Eine andere illustre Gestalt, die dem Erdöl ihr Vermögen zu verdanken hat, war John Rockefeller. Es sollte das Blut der Erde fließen und zugleich das Blut seiner Schöpfer fordern, denn hunderte von Männern kamen bei ihren Arbeiten durch Einstürze der Bohrtürme oder Werkzeug zu Tode. So ergibt sich auch Andersons Titel, der diese Ambivalenz ausdrückt, denn es fließt Blut, sowohl das der Erde, aber auch das von Menschen, die mit diesem Geschäft zu tun haben. Inspirieren ließ sich Anderson von einem 1927 erschienenen Roman von Upton Sinclair, der unter dem Titel Oil! erschien und die Korruption und Ausbeutung der amerikanischen Ölindustrie anhand des Wirkens des Öltycoons J. Arnold Rose beschreibt. In diesem Zusammenhang gerät Rose in einen Konflikt mit einem Sohn einer Predigerfamilie. Die ersten 150 Seiten von Sinclairs Roman, genauso wie John Huston The Treasure of the Sierra Madre – den sich Anderson beim Schreiben des Drehbuchs jeden Abend vor dem Einschlafen angesehen haben soll – bilden dabei die Basis, aus der heraus Anderson seine eigene Geschichte kreierte, die schließlich für acht Academy Awards nominiert wurde.

Im Gegensatz zu seinen vorherigen Filmen nimmt sich Anderson diesmal keine verspielte Geschichte vor, sondern inszeniert ganz bewusst ein Epos bzw. versucht ein solches zu inszenieren. In elegischen Bildern wird das Amerika um die Jahrhundertwende dargestellt, noch trostlose Gegenden, die dürr weil ohne Wasserzufuhr sind. Durchbrochen wird dieses Bild von einem Inbegriff des amerikanischen Traums, wenn der Silberschürfer Plainview sein erstes Ölfeld anlegt. Wie das Gold verkörpert auch das Öl den Inbegriff des schnellen Reichtums und Plainview bildet hierfür das Forum. Er will mehr und mehr Geld verdienen, ohne sich dabei daran zu erfreuen, sodass er eine Art Dagobert Duck darstellt. Weder an Frauen noch an Luxus wird er sich ergötzen, auch an seinem Adoptivsohn findet er kaum Gefallen. Dennoch empfindet er Gefühle für den Jungen und als er bei einem Unfall verletzt wird kümmert er sich so gut es ihm wegen seines Charakters möglich ist um H.W. Das Problem Plainviews ist seine Misanthropie, sein Neid und Hass auf alles Menschliche, niemandem gönnt er etwas, niemandem vertraut er („I hate most people“). Auch nicht seinem engsten Mitarbeiter Fletcher (Cirián Hinds), denn immer hat Plainview lediglich H.W. um sich wenn es um Geschäfte geht. Später wird es sein Halbbruder Henry sein, der Daniel aufsucht, sodass er lediglich seine Familie um sich haben will und sich lediglich dieser gegenüber etwas öffnet. Plainview ist ein toter Mann, ohne Leben und ohne Liebe, mit einem kalten Herz, der zwar manchmal menschlich sein will – man denke an den Tod eines Arbeiters oder den Abend nach H.W.s Unfall – aber diese Rolle einfach nicht auszufüllen vermag.

Wie angesprochen, die erste Hälfte von Andersons Film ist ein Meisterwerk, schnörkellos gefilmt, in großartigen Bildern mit genialer Musik von Radiohead-Gitarrist Jonny Greenwood. Sich ausgerechnet bei einem solchen Epos gegen einen Komponisten zu entscheiden und einen Musiker mit dem Soundtrack zu beauftragen, spricht für Andersons Charakter und geht in There Will Be Blood absolut auf. Die Musik ist das Herz des Filmes und zweifellos seine größte Stärke. Ins Stolpern gerät der Film nach der ersten Hälfte, wenn er sich stark mit der Figur des Wunderpredigers Eli Sunday beschäftigt und Plainview zwischenmenschlich im Kreis bewegen lässt. Andersons stolpert und kann sich nicht mehr fangen, fällt stattdessen brutal auf die Nase, das Ende spricht hierfür Bände und fasst noch mal all das zusammen, was in der zweiten Hälfte schief gelaufen ist. Das größte Problem ist die Figur von Eli Sunday, die schon für sich genommen schwer ertragbar ist und durch das overacting Paul Danos – der für die Rolle ursprünglich gar nicht vorgesehen war – noch verstärkt wird. Der Konflikt zwischen beiden Figuren dreht sich im Kreis, wie Anderson ohnehin keine wirkliche Richtung für seine Geschichte zu finden scheint. Unentwegt aufs Neue stellt er seine Titelfigur einem Konflikt gegenüber, sei es Eli, H.W. oder der vermeintliche Halbbruder Henry. Jener ist der Inbegriff der Redundanz in Andersons Film, vermittelt sein Auftreten doch keinerlei neue Informationen – weder für die Geschichte noch für das Verständnis der Figur. Dabei ist der Schlüssel zu Plainview nicht in seiner Beziehung zu Eli oder Henry zu finden, sondern in H.W. Jener ist von Beginn an das konträre Gegenstück zu seinem Vater. Sein Gewissen plagt ihn, er fragt nach der Beteiligung der Sunday-Familie und druckst später um das Thema herum, als ihn ein Familienmitglied darauf anspricht. Ein Ölmann mit Herz, all das was Plainview stets vorgaukelte zu sein. Jene Vater-Sohn-Beziehung vernachlässigt Anderson in seinem Versuch ein gezwungenes Meisterwerk zu inszenieren. Dabei lässt er sich von großen Bildern anderer Regisseure wie Kubrick oder Cimino anleiten, ohne jedoch seine Handlung wirklich stringent zu einem Ende bringen zu können. So ist There Will Be Blood ein gut gemachter Film, allerdings ohne Seele.

7.5/10 - erschienen bei Wicked-Vision

Scrubs - Season One

How you like me now, bitch?

Die erste Staffel einer neuen Serie wird schnell zum „make or break“-Jahr, wenn die entsprechenden Quoten ausbleiben. Dabei gibt es für diese scheinbar keine feste Formel. Wo eine Sitcom wie das US-Pendant zu The Office mit lediglich 5,4 Millionen Zuschauern eine Verlängerung erfuhr, musste die von zwei Millionen Amerikaner weniger gesehene Serie Better Off Ted vor zwei Jahren um eine Fortsetzung bangen (und wurde inzwischen eingestellt). Vorbei die Zeiten, in denen Friends von jedem zehnten US-Bürger gesehen wurde. Als Bill Lawrence im Jahr 2001 seine Krankenhaus-Sitcom Scrubs startete, war er davon überzeugt, keine Show-Verlängerung zu erhalten. Am Ende sahen 11,2 Millionen Menschen jene Sitcom, die inzwischen Kult-Status erreicht hat. Eine Scheidungskind-Serie, wenn man so will, wurde sie doch sieben ihrer neun Jahre auf NBC ausgestrahlt, aber von ABC produziert. Eine Sitcom, die wie keine Zweite wusste, Pop-Kulturelles zu verwerten und pop-kulturell zu sein.

Sinnbildlich für die ganze Serie steht dabei die Pilotfolge My First Day. Der Zuschauer lernt John Dorian (Zach Braff) kennen, der auf den Spitznamen „J.D.“ hört. Gemeinsam mit seinem College- und Medizinschul-Kumpel Chris Turk (Donald Faison) beginnt er sein erstes Assistenzjahr am Sacred Heart Hospital. An jenem ersten Tag lernt er zugleich die Menschen kennen, die sein kommendes Jahr bestimmen werden. Den exzentrischen Janitor (Neil Flynn), der zu seinem Erzfeind mutieren wird (“Did you stick a penny in there?”) oder die warmherzige Krankenschwester Carla (Judy Reyes). Ebenso wie seine narzisstischen Vorgesetzten, Dr. Kelso (Ken Jenkins) und Dr. Cox (John C. McGinley). Insbesondere seine Kollegin Elliot Reid (Sarah Chalke), mit der er im Folgenden nicht nur Hochs sondern auch Tiefs durchleben wird. Aus beruflicher Sicht geht es für J.D. jedoch darum, dem Krankenhausalltag standzuhalten. Dies betrifft nicht nur das medizinische Einmaleins, sondern auch den Umgang mit dem Tod.

Im Vergleich zu späteren Staffeln geben sich die ersten 24 Folgen sehr viel realistischer und dramatischer, ohne dabei jedoch bierernst zu sein. Das Einbetten von Braffs Protagonist in diese Welt von Krankheit und Tod geschieht stückweise und mit Fingerspitzengefühl. So hat J.D. bereits an seinem ersten Tag einen toten Patienten zu beklagen, in der vierten Episode My Old Lady wiederum muss er das akzeptierte Sterben einer Patientin hinnehmen, die ihm ans Herz gewachsen ist. Der unterschwellig seriöse Ton geht zu Beginn von Scrubs sogleich weiter. Im Höhepunkt der ersten Staffel manifestiert My Super Ego die perfekte Durchwanderung des schmalen Grates zwischen Humor und Tragik. Es ist Sean Hayes (Will & Grace) in einer Gastrolle als Assistenzarzt Nick Murdoch, der angesichts der Todesrate im Krankenhaus und der mitunter herrschenden Hilflosigkeit der Ärzte an den An- und Herausforderungen des Berufes scheitert. Die Emotionalität des Berufs spielt in Scrubs eine große, fast eigene Rolle.

Trotz allen Ernstes stehen jedoch der Witz und Humor im Vordergrund des Geschehens. Scrubs fokussiert sich singulär auf die Figur von J.D., was sich dadurch ausdrückt, dass der Zuschauer die Welt von Sacred Heart mit den Augen von Braffs Figur erlebt. Verstärkt wird dieses Gefühl noch durch die der Serie innewohnenden Erzählstimme des Hauptprotagonisten, die sich durch ihre unwahrscheinliche Authentizität auszeichnet. Selten gibt es die Möglichkeit, ein derart gelungenes Voice-Over mitzuerleben, welches auch noch innerhalb der Show referiert wird (“You’re still talking to yourself?”, fragt sein Vater zum Beispiel J.D.). Neben dem klassischen Dialoghumor lebt die Sitcom von Slapstick-Einlagen sowie Vignetten als Tagträume, primär die von J.D. Diese treten in den meisten Fällen dann auf, wenn Klassikern wie Happy Days, A New Hope, The Incredible Hulk oder Fast Times at Ridgemont High eine Hommage erwiesen wird.

Neben Slapstick und Vignetten ist es besonders der Wortwitz, der Scrubs auszeichnet. “Who gets to tell us the symptoms of Ménière’s disease?”, fragt Dr. Kelso beispielsweise bei den morgendlichen Runden und richtet die Frage schließlich konkret an den schusseligen Doug (Johnny Kastl). “Can you use it in a sentence?”, presst dieser schließlich mit einem eingeschüchterten Lächeln hervor. Die Dialoge werden wechselweise von Naivität oder, weitaus prominenter, von Ironie, Sarkasmus und Zynismus gezeichnet. Dabei wären sie jedoch nur halb so gut, wenn sie nicht von dem exzellenten Ensemble präsentiert würden. Da Scrubs seinen Darstellern viel Raum zur Improvisation gibt – angeblich ging Flynn in die meisten Szenen spontan ohne Dialogzeilen hinein –, ist die stimmige Zusammensetzung umso beachtlicher. Kein Wunder, dass Brett Brenner und Debby Romano für ihr Casting eine Emmy-Nominierung erhielten.

Obschon jeder im Ensemble ohne Probleme besteht, sind es speziell Zach Braff und John C. McGinley, die hervorstechen. Der damals unbekannte Braff erlebte mit Scrubs seinen Durchbruch – ein Fakt, dessen er sich durchaus bewusst war, was sich in seiner Treue zu Serie bis in die neunte Staffel hinein ausdrückt. Auch McGinleys Karriere wurde wohl durch nichts mehr geprägt als seine Kult-Rolle des selbstverliebten Dr. Cox. Dass es Gastdarstellern wie Sean Hayes und John Ritter oder den später wiederholt auftretenden Nicole Sullivan, Scott Foley und Brendan Fraser gelingt, sich mühelos zu integrieren, spricht für den überzeugenden Charme dieser Serie. Wenn also im ersten Jahr noch nicht alles Gold ist, was glänzt, so ist dies zuvorderst noch dem Eingewöhnungsfaktor geschuldet, sowie eventuell auch der Tatsache, dass man befürchtete, keine Verlängerung für die zweite Staffel zu erhalten (dementsprechend heißt das Staffelfinale dann auch My Last Day als Gegenpol zum Piloten My First Day).

Von ein paar schwächeren Folgen abgesehen, ist neben My Super Ego auch My Fifteen Minutes besonders stark. Im Nachhinein ist es überraschend erfreulich, wie frühzeitig bereits Figuren wie Lloyd (Mike Schwartz) oder Jordan (Christa Miller) ihren Weg zur Serie fanden (Schwartz in der vierten, Miller in der sechsten Episode). Dass Scrubs zudem nicht nur Filme wie Nattevagten oder The Silence of the Lambs zitierte, sondern in seiner Form auch Pate stand für die vier Jahre später – ironischerweise auf ABC – laufende Drama-Serie Grey’s Anatomy, zeigt, welchen Stellenwert die Sitcom inne hatte. Dass sich auch nach Jahren und mehrfachen Sichtungen stets die Magie der ersten Stunde wiederfinden lässt, verdankt sich den Figuren, die einem über die Jahre ans Herz gewachsen sind. In diesem Sinne sei allen newbies der Serie gesagt: Welcome-To-The-Team Five!

8/10

Into the Wild

Wind in my hair, I feel part of everywhere.
(Eddie Vedder - “Guaranteed")

Wer kennt sie nicht, die 68er Generation, rund um Rockmusik und Rebellion, Aufstand gegen das Altbewährte und für das Neue. Eines dieser Gesichter in Deutschland war Rudi Duttschke, stehend für eine junge Generation mit Zug zur Freiheit. Ein Film begleitete jahrelang dieses Gefühl von Freiheit und Unabhängigkeit: Easy Rider, unter der Regie von Dennis Hopper 1969 in die amerikanischen Kinos gebracht. Zwei Männer, zwei Motorräder und die weite Leere der amerikanischen Straßen vor sich, dabei von einem Drogenrausch in den nächsten düsend. „Wir sehnen uns nach der absoluten Freiheit, und der Weg dorthin führt immer gen Westen“, schrieb einst Wallace Stegner und spricht damit dem Ur-Instinkt eines jeden Lebewesens aus der Seele.

Freiheit. Was Hopper seiner Zeit gemäß als Drogenrausch und Widersetzung gegen das Establishment inszenierte, ist heute nur noch im Kontext seiner Zeit begreifbar, identifizieren kann man sich damit nicht mehr. Das ändert jedoch nichts am menschlichen Wunsch nach Freiheit, ist in den meisten Ländern wie Deutschland doch eine Gefängnisstrafe die höchste Bestrafung die jemand drohen kann, der gegen die Gesetze seiner Gesellschaft verstößt. Wer sich nicht fügt, der büßt seine Freiheit ein und um diese zu wahren, muss man nach den Regeln spielen. Es ergibt sich von selbst, dass das, was dem Otto-Normalbürger als Freiheit vorkommt, nichts weiteres ist, als ein weiteres, selbstauferlegtes Gefängnis. Dahingestellt ob Gesetze gut oder schlecht sind, gibt jeder Bürger und jede Bürgerin einen Teil seiner beziehungsweise ihrer Freiheit auf innerhalb einer sozialen Gesellschaft.

Sommer 1990: der 22-jährige Christopher McCandless (Emile Hirsch) hat seinen Universitätsabschluss in Politik gemacht und spielt mit dem Gedanken an ein Jurastudium in Harvard. Doch dazu kommt es nicht, denn der junge Mann, der jahrelang mit seiner Schwester unter den elterlichen Streitereien und einem dunklen Familiengeheimnis litt, hat seinen eigenen Plan gefasst. Seine Ersparnisse von $24.000 spendet er wohltätigen Zwecken, alle seine Ausweise und Papiere vernichtet er. Gegenüber seinen Eltern verliert er kein Wort, wohlwissend, dass diese ihn niemals unterstützen würden – zu spießig sind sie. Auch sein Auto verliert Chris bald und an einer Raststätte lässt er sogar seine alte Identität zurück. Fortan nennt er sich Alexander Supertramp und lebt von dem Inhalt seines Rucksacks, schläft in einem Campingzelt.

Sein Ziel ist Alaska, wo er mehrere Monate frei in der Wildnis leben will, fernab von der verrotteten Gesellschaft, in der jeder Mensch sich nur Böse verhält. Auf seiner Reise begegnet Chris immer wieder verschiedenen Personen: wie Wayne (Vince Vaughn), einem vom FBI-gesuchten Farmer, zwei flippigen Dänen oder dem Alt-Hippie-Pärchen und vermutlichen 68ern Jan (Catherine Keener) und Rayne (Brian Dierker). Über Mexiko gelangt Chris nach Kalifornien und schließlich gen Norden, an die Grenze der USA. Zu allen seinen Bekanntschaften wie Wayne, Jan, dem Trailer-Park-Girl Tracy (Kristen Stewart) oder dem verwitweten Ex-Soldaten Ray (Hal Halbrook) entwickelt Chris enge zwischenmenschliche Beziehung, dennoch ist er bestrebt, seiner Reise nach Alaska keinen Einhalt zu gewähren.

Die Geschichte von Christopher McCandless erzählt wahre Begebenheiten. Am 18. August 1992 wurde er tot in einem alten Bus mitten in der Wildnis gefunden. Vollkommen abgemagert sowie einen leeren Fünf-Kilo-Reissack und ein Jagdgewehr neben sich. Die genaue Todesursache ist bis heute ungeklärt, der Journalist Jon Krakauer, der die Erlebnisse des Twen 1993 in einem Artikel im Outside Magazin und drei Jahre später in dem Roman Into the Wild verarbeitete, sieht eine Vergiftung von Pflanzensamen als Todesursache. Sean Penn sicherte sich die Rechte an Krakauers Roman und verarbeitet den Stoff in seiner vierten Regiearbeit. Bis in die Nebenrollen namhaft besetzt und mit einem Soundtrack von Pearl Jams-Frontmann Eddie Vedder ausgestattet, orientierte sich der Film an Krakauers Roman sowie an Interviews mit den Personen, denen Chris auf seiner Reise begegnete.

Wie alle von Penns Filmen zeichnet sich auch Into the Wild vor allem durch seine Bildstärke aus. Chris’ Reise wird von dem Regisseur mit vielen großartigen Landschaftsaufnahmen porträtiert, die allesamt an den Originalschauplätzen stattgefunden haben. Die ganze Schönheit Alaskas oder der Felder South Dakotas, die Chris selbst wahrgenommen haben dürfte, transferiert Penn nunmehr auf die Leinwand. Unterstützt wird dieses Gefühl bildhafter Freiheit von einem entsprechend gelungenen Soundtrack Vedders. Zudem haben sich Penn und Francine Maisler selbst übertroffen, denn es gelingt dem Schauspielensemble erschreckend authentisch, die Tiefe der zwischenmenschlichen Beziehungen darzustellen – besonders in den Szenen zwischen Hirsch und Halbrook, dessen Oscarnominierung konsequent war.

Bilder, Musik und Darstellung bilden hier eine fast perfekte Symbiose, die kaum Wünsche offen lässt. Ein schöner Moment zeigt wie Chris in Los Angeles eintrifft, sich in einem Obdachlosenheim einquartiert und dann durch die Strassen wandert. Als er jedoch die von der Gesellschaft eingepferchten Menschen sieht, in ihren Anzügen und gegelten Haaren, eilt er zurück und zieht schnell weiter. Denn in der Stadt scheint Freiheit nicht möglich. Um wahrhaft frei zu sein, muss er zu den Wurzeln des Menschen zurückkehren – zurück in die Wildnis. Chris hat afrikanische Gesellschaftspolitik studiert, sich also damit beschäftigt, wie Menschen mit anderen Menschen umgehen (können). Die Schuld schreibt er der Zivilisation zu und daher will er fern von dieser sein. Fern von Ausweisen, Anträgen oder einem Geldsystem.

Wirklich frei lebt Chris dabei jedoch nicht, stets muss er Gelegenheitsjobs übernehmen, um seine Reise zu finanzieren. Interessanterweise kann er sich auch bis zu seinem Tod nicht von seiner Uhr trennen, dem letzten Relikt seines Gefangenendaseins. Vielleicht ist dies auch der letzte Rettungsanker vor der Verwahrlosung, von Geld selbst und Einzäunung hält der junge Uniabsolvent jedoch rein gar nichts. Als er einen Fluss mit einem Kajak hinunterfahren will, reagiert er mit Unglauben als der Park-Ranger nicht nur $2.000 dafür verlangt, sondern ihn auch noch auf eine 12-jährige Warteliste setzt – all das, um einen Fluss hinunterzufahren, der an sich niemandem gehört und jedem frei zur Verfügung stehen müsste, sodass Chris dann auch auf eigene Faust ins Kajak steigt und ohne Lizenz gen Mexiko padelt.

Es spricht für sich, dass Chris während seiner zweijährigen Reise nur freundliche Menschen trifft. So gesehen hat Chris seinen Wunsch von Freiheit ausgelebt, wohl in der heutzutage reinstmöglichen Form – denn als er in Alaska auf sich selbst gestellt ist, versagt er an seinen Fehlern. Die schlimmste Tragödie seines Lebens wird das Schießen eines Elches sein, den er nicht vor den Fliegen retten kann und dessen Tod somit vergeudet wurde. Auch dies eine sehr starke Szene. Penn interpretiert Krakauers Gedanken zu Chris’ Tod nochmals eindringlicher und lässt diesen schließlich aus einem Leichtsinnsfehler des jungen Mannes resultieren. Gegen Ende ist der einst gesunde junge Mann nur noch ein Skelett und Schatten seiner selbst. In der Einsamkeit der Wälder Alaskas seine letzte Erkenntnis findend.

Penn gelingt es, diese Wanderung einer verstörten Seele mit brillanten Bildern einzufangen, verschiedene atemberaubende landschaftliche Großaufnahmen unterstützen dieses in gewissem Sinne spirituelle Road-Movie, ohne in Kitsch abzugleiten. Dabei werden die gut zweieinhalb Stunden spielend überbrückt und im Gegensatz zu Easy Rider wird kein Freiheitsbild einer Generation gezeigt, eher ein allgemein-verständlicher Ansatz eines durch und durch menschlichen Gefühles dargestellt. Als Pünktchen auf dem I gelingt es Sean Penn dann schließlich noch, seinem Film diesen gewissen Hauch von Magie beizusteuern. Into the Wild ist ein ganz besonderer Film über einen ganz besonderen Menschen und eine ganz besondere Tat.

9/10

Casino Royale

Does it look like we need the money?

Sechs Worte, zwei Sätze und schon hat man Filmgeschichte greifbar nahe. Doch mit ebenjenen sechs Worten hat Daniel Craig in Casino Royale noch relativ wenig am Hut, denn die Hauptfigur ist per se nicht wirklich James Bond, sonder lediglich ein Jason Bourne-Verschnitt ohne Manieren. Das 21. Bond-Abenteuer stellt vielmehr etwas Neues dar, verkörpert durch die Besetzung mit Daniel Craig, in Großbritannien auf der Überholspur dank Filmen wie Layer Cake, in Hollywood noch auf Nebenrolle in Road to Perdition oder Lara Croft beschränkt. Viel wurde zuvor spekuliert, von Ewan McGregor über Hugh Jackman bis hin zu Robbie Williams zog man alle „britischen“ Mimen zwischen 25 und 45 in Erwägung, sogar der Kroate Goran Visnjic (ER) soll bis unter die letzten drei gekommen sein.

Mancher einer hatte sich den Wandel noch drastischer gewünscht, wie Ex-Bond Roger Moore, der Oscarpreisträger Cuba Gooding Jr. ins Spiel gebracht hat. Und vielleicht wäre ein so krasser Wandel auch recht interessant geworden, auch wenn man mit einem Chiwetel Ejiofur besser bedient gewesen wäre, aber ein farbiger Bond – warum nicht? Unter den Fans gab es eigentlich fast nur einen akzeptablen Anwärter für die Rolle des Spions ihrer Majestät: Clive Owen. Gutaussehend, smart und charmant, konnte er in Sin City beweisen, dass Action für ihn kein Hindernis darstellt. Doch es wurde weder ein farbiger Bond, noch der smarte Owen, Daniel Craig machte das Rennen und geht als erster blonder Bond in die Geschichte ein - was die Fans gegen ihn aufbrachte.

In Prag will sich ein Mann in seinem Büro mit seinem Kontaktmann treffen, doch dort wartet stattdessen ein britischer MI6-Agent namens James Bond (Daniel Craig). Dieser schaltet den Geschäftsmann aus und verdient sich damit seinen Status als Doppelnull ihrer Majestät. Bei seinem nächsten Einsatz in Madagascar kommt es dann nach einem halsbrecherischen Parkour-Lauf zu der öffentlichen Exekution eines Gefangen, was Bond bei seiner Vorgesetzten M (Judi Dench) starke Kritik einbringt. Während er vorerst beurlaubt wird, macht sich Bond auf zu den Bahamas, um dort seine Kontakte weiterzuverfolgen. Er stößt auf ein internationales Komplott einer geheimen Organisation, deren Terroranschlag er im letzten Moment verhindern kann, dabei seine Lizenz zum Töten freigiebig ausnutzend.

Wie sich herausstellt, hingen beide Aktionen, sowohl der versuchte Terroranschlag, als auch Madagascar, mit einem gewissen Le Chiffre (Mads Mikkelsen) zusammen, der als Buchhalter für die Terroristen dieser Welt arbeitet. Der MI6 will Le Chiffre als Zeugen vernehmen und plant ihn gegenüber seinen Arbeitgebern in die Ecke zu treiben. Bei einem Pokerturnier im Casino Royale in Montenegro soll Bond für den britischen Geheimdienst am grünen Tisch sitzen und Le Chiffre sein Terrorgeld abluchsen. Bereitgestellt wird Bond das Geld voms Schatzamt in Person der hinreizenden Vesper Lynd (Eva Green), in die sich Bond schneller als ihm lieb ist verguckt, während das Turnier gegen Le Chiffre nicht ganz die Wendungen nimmt, wie es sich der smarte Brite gewünscht hatte.

Für den neuerlichen Neuanfang entledigte man sich alter Gesichter, hieß jedoch auch Bekannte zurück. Wie bereits vor zehn Jahren mit Goldeneye oblag es erneut Martin Campbell, einen neuen Bond und mit ihm eine neue Reihe einzuführen. Verzichtet wurde dagegen auf Moneypenny sowie Q, und damit auch auf die für Bond-Filme üblich gewordenen Gadget. Alles was Bond jetzt noch bleibt ist ein handtaschengroßes Reanimationsset, den Rest erledigt er mit bloßen Fäusten. Denn auch wenn Die Another Day der erfolgreichste Bond aller Zeiten war, wurde der Ire Brosnan für zu alt befunden, um die Bourne-Groupies zu befriedigen. Stattdessen nun also Daniel Craig, der sich zu Beginn von Casino Royale sogleich in bester Bourne-Manier an einer Parcour-Verfolgungsjagd versuchen darf.

Dass das unglaubwürdig wirkt, wissen auch die Macher und lassen Bond hin und wieder straucheln, wenn er den Parcour-Mitbegründer Sebastien Foucan verfolgt. Nichtsdestotrotz fragt man sich hinterher, warum die beiden eigentlich bis auf den Kran hochklettern mussten, nur um anschließend wieder herunter zu springen. Aber irgendwie gehört das auch zu einem Bond-Film dazu, bedenkt man einen in der Antarktis Paragleitenden Brosnan. Der James Bond dieser Anfangssequenz ist wild und hart, rücksichtslos und unbarmherzig, wie ein aggressiver Rottweiler stürmt Craig herum und ist im Prinzip das, als was er später von seiner Vorgesetzten charakterisiert wird: eine stumpfes Werkzeug, gedacht und entwickelt zum Töten. Auch wenn Bond den 007-Status besitzt, ist er noch nicht 007, die Rolle scheint ihm augenblicklich noch zu groß zu sein.

Das scheint auch Vesper Lynd zu merken, die äußerst sexy von Eva Green dargestellt wird. Bond neckt sie zu Beginn wie ein kleiner Junge früher auf dem Pausenhof, Vesper lässt sich später schließlich auf dieses Spiel ein und so steigert sich das eine Weile, bis es von einem lebensgefährlichen Moment abgelöst wird. Ebenjener Moment - sehr viel besser geraten als die Actionszenen zu Beginn und zum Schluss des Filmes - zeigt auch Bond endlich, dass die Zeit Spielchen zu spielen vorbei ist. Dass es nunmehr nicht nur um die 150 Millionen, sondern auch um Leben und Tod geht. Bonds Beziehung sowohl zu seiner Aufgabe, als auch zu Vesper nimmt nun einen ernsteren Ton an und der Geheimagent beginnt seine ersten eigenen Schritte zu machen, wenn auch noch auf wackeligen Beinen.

Die Mitte von Casino Royale ist dabei ziemlich antiklimatisch gehalten, konzentriert sich das Geschehen schließlich lange auf das Pokerturnier, welches ausschließlich zwischen Bond und Le Chiffre stattzufinden scheint. Sehr nett geraten und besonders in einer Zeit wo man sich vor Poker kaum retten kann gut situiert, wird es in seinem Finale dann doch etwas übertrieben, wenn sich vier Spieler mit allesamt großartigen Händen begegnen, dabei die nächste immer noch den einen Tick besser als die vorherige. Da ohnehin nur Bond und sein Gegenüber beim Spielen gezeigt werden, ist dieser „Vierkampf“ sehr unnötig, zudem äußerst theatralisch geraten (denn wie hoch die Chancen sind, dass bei zwei Händen Full House und einem Flush dann auch noch ein Straight herausspringt...).

Doch auch das ist irgendwie Bond und in Bond-Filmen, die fernab jeglicher konventionellen Logik (siehe Parcour-Szene) spielen, nimmt man so etwas auch nicht allzu übel. Ebenjenes Mittelstück des Filmes, das in Montenegro spielt, ist auch am besten geraten, während die actionreichen Szenen zu Beginn und zum Ende etwas stören und eben allein für das Mainstreampublikum akzentuiert wurden. Was aus dem Film hätte werden können, hätte man ein Psychoduell am Tisch mit Ejiofur und Mikkelsen inszeniert, man will es sich gar nicht vorstellen und ist sich dann doch mit dem Gezeigten zufrieden. An und für sich ist Oscarpreisträger Paul Haggis jedoch ein durchaus passables Drehbuch gelungen, dass ein Die Another Day problemlos überflügelt. Interessant wird sein zu sehen wie Haggis seine Geschichte in Quantum of Solace weitererzählen wird.

Ohnehin hat man lange nicht mehr einen so guten Bond-Bösewicht gesehen, wie hier vom dänischen Star Mads Mikkelsen portraitiert. Dagegen verkommen ein Rupert Graves, Jonathan Pryce oder Robert Carlyle zu bloßen Witzfiguren, grandioser Höhepunkt vom Mikkelsenschen Schauspiel stellt dabei die Folterszene dar. Craig kann hier schauspielerisch zwar nicht mithalten, aber das wird von ihm als Bond auch nicht erwartet. Auch wenn Craig den Film die meiste Zeit alleine Schultern muss, da Haggis und Campbell den anderen Figuren, vielleicht abgesehen von Vesper, nicht sonderlich viel Raum zuordnen. M taucht lediglich hier und da sehr kurz auf und auch von Mikkelsen oder dem von Jeffrey Wright dargestellten Felix Leiter sieht man relativ wenig.

Ein richtiger Bond-Film ist Casino Royale aber dann doch nicht. Vielmehr stellt der Film eine Einführung, beziehungsweise Vorgeschichte zu Ian Flemmings legendärer Figur dar. „Wie wurde Bond zu Bond?“, lautet die Frage - mit Campbells Film als Antwort. Eigentlich ist Casino Royale fünfzehn Minuten zu lang geraten und das Finale wäre eine hervorragende Überleitung zum nächsten Film gewesen, doch dann wäre dieser Bond nicht das gewesen, was er nun darstellt: eine Übungseinheit. Am Ende des Filmes trifft M Bond gegenüber ein hartes Urteil: er habe seine Lektion gelernt, auf die er vor seiner Reise nach Montenegro noch angesprochen wurde. Die Erlebnisse würden sehr gut das Verhalten der früheren Bonds erklären und somit ist das Finale, trotz seiner Länge, vertretbar. Casino Royale ist kein Bond-Film, er ist die Vorbereitung auf einen Bond-Film.

Und wenn Craig auch als finale Bemerkung die klassischen sechs Worte sagen darf (“The name’s Bond. James Bond“), ist er noch nicht vollends angelangt, den Gentleman-Spion zu verkörpern, den Bond eigentlich darstellt. Wohl auch noch nicht in Quantum of Solace und fraglich ob es überhaupt geschehen wird, schließlich wollen die Broccolis ja ein hippes Franchise aufrechterhalten und dürfen nicht in alte Muster verfallen. Zudem kauft man dem durchtrainierten Craig den Gentleman nicht wirklich ab, ist der Körper schließlich allein deswegen inszeniert, um als Bestätigung dessen zu dienen, was Bond nunmehr darstellen soll: Jason Bourne mit Identität und englischem Akzent. Craig ist sicher nicht der beste Bond und auch sonst lässt sich Casino Royale schwer in den Kanon einordnen, sodass wohl gilt: James Bond ist tot. Lang lebe James Bond!

8/10

Scrubs - Season Two

Here’s the inside scoop.

Im Fußball heißt es, das zweite Jahr ist immer das Schwerere. Aufsteigern verzeiht man Misserfolge zu Beginn, Überraschungsmannschaften hatte ohnehin keiner auf der Rechnung. Aber in der Saison darauf ist alles oftmals anders. Auch Serien hadern oft mit ihrer starken Debütstaffel, namentlich Prison Break oder Heroes. Die Ursache findet sich im roten Faden, der Drama-Serien durchzieht und somit zum Drahtseilakt werden kann. Sitcoms, so sollte man meinen, haben es da leichter, da sie von ihrem Figurenzusammenspiel und dem Humor leben. Insofern tritt mitunter das Gegenteil zu ihren großen Schwestern ein: Sie steigern sich im zweiten Jahr. Bill Lawrences Erfolgsserie Scrubs wiederum fällt hier etwas aus der Rolle. Zwar ist die Serie allenfalls minimal  schlechter als in ihrem Debütjahr, aber eben auch nicht besser. Wo Lawrence das Drama etwas herunterfährt, vergisst er leider, den Humor dafür hochzuschrauben.

Vielleicht spielte eine Rolle, dass Lawrence und Co. nicht damit gerechnet hatten, in ein zweites Jahr zu gehen. Zumindest wirkt die zweite Staffel in ihrer Summe sehr viel unausgegorener. Das erste und das letzte Viertel präsentiert sich durchaus stark und warten mit einigen guten Folgen auf, während die Mitte ein wirklich ganz und gar durchschnittliches Niveau durchzieht (aber dies immerhin konstant). Wo im ersten Jahr noch Panik und Ernsthaftigkeit zumindest unterschwellig an der Tagesordnung standen, sind die jungen Assistenzärzte nun Alteingesessene. Und damit dank ihrer Erfahrung unerschrockener. Selbst Momente wie in der zweiten Episode My Nightingale, in der sie auf sich allein gestellt eine Nachtschicht übernehmen, werden weitaus gelassener hingenommen als noch im Vorjahr. Bis zu einem gewissen Grad ist dies sicher auch ein reiner Reifeprozess, jedoch gelingt es Scrubs noch nicht wie in den kommenden beiden Jahren, Ernsthaftigkeit meist durch reinen Humor zu ersetzen.

Es ändert sich nicht viel am Sacred Heart. Zwar sorgt Jordans (Christa Miller) Bloßstellung zu Beginn für Missstimmung, die ist jedoch bald aus der Welt geschafft. So hadert J.D. (Zach Braff) primär mit seinem Privatleben in Form misslicher Affären mit Lisa aus dem Souvenirladen und erneut Elliot (Sarah Chalke). Die wiederum verliert die finanzielle Unterstützung ihres Vaters und sieht sich damit konfrontiert, emanzipierter zu werden (im Job wie privat). Ohnehin wird das Liebesleben nun immer größer geschrieben, auch bei den übrigen Figuren. Dr. Cox sieht sich zwar in einer Beziehung zur Pharmavertreterin Julie (Heather Locklear), wird jedoch mit der Rückkehr einer schwangeren Jordan konfrontiert. Währenddessen haben Turk (Donald Faison) und Carla (Judy Reyes) einige Probleme zu überwinden, spätestens dann, als Turk in My Philosophy um deren Hand anhält. Alles beim Alten heißt es dagegen für den Todd (Robert Maschio), Dr. Kelso (Ken Jenkins) und den Hausmeister (Neil Flynn).

Thematisch dreht sich also alles um Gemeinsamkeit statt Einsamkeit. Dass dies nicht nur die jungen Ärzte betrifft, zeigt die Folge His Story, die sich dem Innenleben von Dr. Cox (John C. McGinley) widmet. Bereits zuvor wurden einsame Tendenzen in My First Step angesprochen, etwas verstörend allerdings, dass Dr. Cox gerade in His Story zu einem Sportabend einlädt, ohne das jemand kommt. Dabei konnte er sich im Vorjahr in der Folge My Mentor noch vor eintrudelnden Freunden kaum retten. Dennoch wird klar: Die Figuren wollen nicht alleine enden. Ein Zustand, der die meisten von ihnen auch nicht betrifft, da auch J.D. und Elliot in Beziehungen rutschen (allerdings nicht zum selben Zeitpunkt). Dass es sich mit dem Rutschen in eine Beziehung aber nicht getan hat, sondern diese auch auf Kurs gehalten werden muss, wird dabei ebenso angesprochen. Sowohl bei Carla und Turk als auch bei Elliot und J.D.

Insgesamt öffnen sich also die Charaktere ein wenig, was auch daran sichtbar wird, dass Lawrence die Zeit findet, die Brüder von J.D. und Turk in das Geschehen zu verweben. Dabei könnten Dan Dorian (Tom Cavanagh) und Kevin Turk (D.L. Hughley) unterschiedlicher nicht sein. Der eine ein Slacker wie er im Buche steht, der andere finanzierte seinem kleinen Bruder das Medizinstudium. Die weiblichen Figuren um Elliot und Carla haben dagegen Probleme mit ihren Eltern. Die Beziehung von Elliot zu diesen war ohnehin vorbelastet, auch ohne dass sie ihr die finanzielle Unterstützung versagten. Und Carla sieht sich nicht nur mit dem Tod einer Tante, sondern auch ihrer Mutter konfrontiert. Die zuverlässigste und beste Familie sind sich also die vier Freunde selbst, wohingegen die „erwachsenen“ Charaktere wie Cox, Jordan und Kelso meist eher im Abseits stehen. Besonders das Privatleben von Figuren wie Kelso und Todd wird wenig beleuchtet, sodass sie reine Krankenhaus-Staffage bleiben.

Wie angedeutet ist der Ernst etwas raus (die Todesfälle in Carlas Familie zählen nur bedingt). Somit entsteht ein leichtes Ungleichgewicht, da die Humorschraube nicht stärker angezogen wird. Keine Folge will sich so richtig von den anderen absetzen, am ehesten qualifizieren sich hier My Kingdom und My Interpretation. Die mittleren Episoden versinken in Durchschnittlichkeit und ziehen die guten Folgen zu Beginn und zum Schluss in der Gesamtnote runter. Auffällig ist daher auch, dass sich die Filmreferenzen und Fantasiesequenzen dieses Jahr in Grenzen halten. Zwar gibt es speziell in der ersten Hälfte Anspielungen auf The Goonies, Raiders of the Lost Ark und Planet of the Apes, diese machen sich jedoch anschließend (es folgt später noch eine Referenz zu Midnight Cowboy) ziemlich rar. Ähnlich die Fantasiesequenzen, die spektakulär unspektakulär sind (J.D. und Turks Pimp-Entry ist noch einer der prominenteren Fälle).

Lustige Momente gibt es allerdings weiterhin, auch wenn sie seltener auftreten. Beispielsweise wenn Dr. Cox sich in einer Fantasiesequenz einnässt oder J.D. versucht, David Copperfield mit einem Zaubertrick zu beeindrucken. Auch die Deutsch sprechende Elliot oder J.D., der sich hinreißen lässt, Turk als seinen „Bruder“ zu bezeichnen, fallen amüsant aus. Die Gastdarsteller, von Heather Locklear über Dick van Dyke bis hin zu Jay Mohr und Amy Smart fügen sich wie ihre Vorgänger nahtlos in das Ensemble ein. Da überrascht es nicht, dass auch musikalisch wieder aufgetrumpft wird, mit Songs wie „Dreaming of You“ von The Corals oder „Tell Her This“ von Del Amitri. Insgesamt steigert sich also Scrubs zwar nicht in seiner zweiten Staffel, aber immerhin hält die Sitcom ihr Niveau. Weshalb J.D. wohl an dieser Stelle zu Recht sagen könnte: In your face!

7.5/10

My Blueberry Nights

So what’s wrong with the blueberry pie?

Ein Mann und eine Frau sitzen sich gegenüber, sie unterhalten sich und obwohl sie einander eigentlich fremd sind, sind sie es irgendwie doch nicht. Beide kennen sich nicht oder glauben sich nicht zu kennen, da fragt der Mann die Frau nach ihrer Vergangenheit. Doch die Frau antwortet nicht, zückt stattdessen einen Stapel Karten und breitet diese auf dem Tisch vor sich aus. Wenn ihr Gegenüber die höhere Karte zieht, wird sie ihm ihre Frage beantworten. Der Mann zieht eine Karte und es ist die Kreuz Acht, während die Frau die oberste Karte wählt…das Pik As. Sie steht auf und geht. Einst saß der Mann ebenfalls vor einem Kartenspiel und verlor ebenfalls gegen das Pik As, vor einer Zeit, die lange her ist und ihm damals das Herz gebrochen hat. Und sein Herz kann auch jetzt nicht gekittet werden, denn der Augenblick ist vorüber gegangen. Wenig später wird der Mann sagen „Man erkennt eine verwandte Seele nicht, wenn man sie zu früh trifft…oder zu spät“. Es sind die Worte von Chow Mo-Wan, der einst verliebt war und nun nur noch einsam ist. Es sind die Worte einer Figur, die zu den beiden letzten Filmen von Wong Kar-Wai gehört. Mit Fa yeung nin wa spätestens gelang ihm im Jahr 2000 der Durchbruch und diese hoch gelobte Geschichte erzählte er wenige Jahre später mit 2046 weiter. Dabei ist die Geschichte noch nicht zu Ende gelangt, denn für Wong Kar-Wai zählen alle seine Filme nur als Szenen eines einzigen großen Filmes und in gewissem Sinne ist Chow Mo-Wans Zyklus noch nicht zu Ende erzählt, er hat lediglich Raum, Zeit und Ort gewechselt und bildet die Grundlage für My Blueberry Nights.

Ein Mann und eine Frau sitzen sich gegenüber, sie unterhalten sich und obwohl sie einander eigentlich fremd sind, sind sie es irgendwie doch nicht. Elizabeth (Norah Jones) kam in das Café von Jeremy (Jude Law) weil sie ihren Freund sucht, muss jedoch durch Jeremy erfahren, dass dieser sie mit einer anderen betrügt. Wutentbrannt hinterlässt sie im Café die Schlüssel zu der Wohnung ihres Freundes, erscheint dann allerdings noch in derselben Nacht, um sich nach seinem Erscheinen zu erkundigen. Sie taucht auch die nächsten Nächte in Jeremys Café auf und isst dabei jedes Mal ein Stück Blaubeerkuchen mit Vanilleeis. Doch ihr Ex-Freund lässt Elizabeth nicht los und so gibt es für ihr Problem nur eine Lösung: sie muss New York verlassen. Sie macht sich auf nach Memphis und arbeitet dort zwei Jobs gleichzeitig, begegnet dabei tagsüber in einem Café dem Streifenpolizisten Arnie (David Strathairn), der sich abends wegen seiner Frau Sue Lynne (Rachel Weisz) den Kopf zuschüttet. Es ist eine zum Scheitern verurteilte Beziehung und Elizabeth, die sich Lizzie nennt, zieht wenige Wochen später bereits wieder weiter und landet in Nevada. Auch hier arbeitet sie als Bedienung und lernt unfreiwillig die egozentrische Leslie (Natalie Portman), mit welcher sie daraufhin einige Zeit verbringt. Auch Leslie leidet unter einer zum Scheitern verurteilten Beziehung und Elizabeth, die sich Beth nennt, muss die Erfahrung machen, dass es nicht immer eine Veränderung des Charakters ist, die einen im Leben weiterbringt.

Für Wong Kar-Wai stand von Anfang an fest, dass nur Musikerin Norah Jones, ihres Zeichens mehrfache Grammy-Preisträgerin, die Hauptrolle in seinem ersten englischsprachigen Kinofilm spielen könne. Und Jones fügt sich auch bestens ein, bewerkstelligt ihre Figur problemlos neben den anderen Darstellern, die alle bereits einmal für einen Academy Award nominiert waren. Man nimmt Jones diese stur-vertrauensvolle junge Frau in jeder Minute ab, auch wenn man selbst manche ihrer Entscheidungen kopfschüttelnd in Frage stellen mag. Auch die anderen Darsteller von Jude Law bis hin zu David Strathairn spielen ihre Rollen überzeugend, selbst wenn sie nicht wirklich hineinpassen wollen in das Schema, das doch viel zu sehr amerikanisch ist, als dass es in Wong Kar-Wais Gedankenwelt Platz nehmen könnte. Gewiss, die Geschichte spielt diesmal nicht im Hongkong oder Singapur der 60er Jahre, sondern im Amerika des Hier und Jetzt, dementsprechend bunt und knallig sind meistens die Farben welche WKW für seine Blueberry Nights auswählt. Unterlegt werden diese bunten und mitunter schrillen Bilder von passender Musik der im Film auftretenden Norah Jones und Cat Power selbst, sowie hauptsächlich von Jazzmusiker Ry Cooder.

Aber irgendwie wollen Bilder, Musik und die Darsteller, bzw. die Geschichte keine richtige Symbiose eingehen, zu gekünstelt wirkt das ganze, besonders in den Memphis Szenen um Arnie und Sue Lynne. Hier beginnt man sich zu fragen, was das ganze eigentlich soll, bzw. wo WKW eigentlich mit seiner Geschichte hin möchte. Doch man erinnere sich daran, dass alle seine Filme nur Szenen eines Filmes sind und an einen weiteren Moment mit Chow Mo-Wan, in welchem er der Prostituierten Bai Ling gegenüber erklärt „Ich habe nur Zeit und die muss ich mir vertreiben“, worauf ihm die Frage gestellt wird „Und das tun Sie mit Menschen?“. Wie vertreibt sich also der chinesische Meisterregisseur seine Zeit, er tut es mit Menschen, sprich mit Schicksalen. In Memphis dreht sich alles irgendwie nicht mehr um Elizabeth/Lizzie, sondern hier ist Arnie der Star. Arnie, der die Nacht durch trinkt, um nicht an seine gescheiterte Ehe zu Sue Lynne erinnert zu werden und der tagsüber den Mann von Recht und Ordnung gibt, bis die Spannung zwischen beiden zu eskalieren droht. Wie es genau zu der Beziehung der beiden kam und wie diese Beziehung ursprünglich mal aussah, davon verrät uns WKW nichts, zumindest nichts genaues und Elizabeth ist während der ganzen Szenerie eigentlich selbst auch lediglich ein Zuschauer der Zeuge dieser Szenen einer Ehe wird. Strathairn spielt den Arnie gut, will aber nicht so recht in die Figur passen, bzw. die Figur wirkt lediglich schemenhaft, zu undurchsichtig. Wer ist Arnie, das ist die Frage die sich einem stellt und die man doch nicht richtig beantwortet bekommt. Weisz sah selten mit einem Haarschnitt heißer aus als hier, doch auch zu kann ihrer Figur nicht recht Leben einhauchen.

Dies gelingt Natalie Portman dann schon etwas besser, ihre Rolle der Leslie gleichzeitig mit einer Wildheit, als auch mit einer gewissen Verletzlichkeit rüberzubringen. Ihre Figur wirkt echt und real, passt in die Umgebung und gefällt – wären da nicht die Pokerszenen, denn diese passen einfach absolut nicht zu Leslie, bzw. zumindest nicht zu Portman selbst. Hier hätte WKW besser ein anderes Medium gewählt, in dem er Leslie als die Persönlichkeit darstellen könnte, wie er sich das gedacht hat. Im Gegensatz zu dem trostlosen Leaving Las Vegas Ambiente aus Memphis weiß die hier gewählte Thelma & Louise Thematik durchaus wieder besser zu gefallen, auch wenn hier immer noch Elizabeth im Hintergrund steht, weiterhin selbst Zuschauer ist. Wong Kar-Wai präsentiert seinem Publikum in Elizabeth eine Katharsis, die irgendwie doch keine ist, denn weiterentwickeln tut sie sich während des Filmes nicht. Sie bleibt dieselbe Person, bleibt ihrem Charakter treu und wird lediglich mit ihren Erinnerungen fertig. Die Frage ist, ob sie dies nach dreihundert Tagen nicht auch in New York selbst geschafft hätte, denn früher oder später wird jeder mit einer gescheiterten Beziehung fertig. Elizabeth, wie WKW auch eingesteht, wählt den langen und den umständlichen Weg, anstatt den einfachen zu nehmen. Eine Lektion lernt sie dabei nicht, weshalb ihr die dreihundert Tage unterwegs lediglich Erfahrung gebracht haben, aber keinen Wandel. Somit ist My Blueberry Nights nur zur Hälfte eine Geschichte über Elizabeth, bzw. Chow Mo-Wan, und zeigt dem Publikum zudem noch, dass es auch andere gescheiterte Beziehungen gibt, mit denen wir alle fertig werden müssen, um weiterzugehen im Leben.

My Blueberry Nights fehlt die poetische Subtilität eines 2046 und die bittersüße Melancholie eines Fa yeung nin wa, das Problem hierbei stellt wohl sicherlich das Ambiente, bzw. die Darsteller dar, denn so recht reinpassen nach Amerika tut WKW (bisher noch) nicht. Das Drehbuch ist gut und die Dialoge sind bedeutungsschwanger wie man es von ihm gewöhnt ist, doch der knallige Look, und der amerikanische Cast passen irgendwie nicht zu der gewünschten Melancholie von gescheiterten Beziehungen. Weisz, Law, Strathairn und Portman sind irgendwie natürlich gut, ohne jedoch wirklich ins Bild passen zu wollen, auch die Geschichte selbst will irgendwie nicht ins Bild passen, sich nicht mit dem Rest des Gesamtfilms vereinen. Das „Würdest du mit mir kommen?“ eines Chow Mo-Wan hat dem Film eventuell gefehlt, sodass My Blueberry Nights hinter seinen beiden letzten Filmes zurückfällt, ohne dabei unbedingt schlecht zu sein oder zu enttäuschen. Das größte Mysterium des Filmes bleibt jedoch seine deutsche Synchronisation, denn wieso Blaubeer-, Käse- und Apfelkuchen nicht so heißen dürfen und stattdessen mit ihren englischen Übersetzungen angesprochen werden, dass kommt mir dann doch wieder Chinesisch vor.

7.5/10

Talk To Me

Wake up, goddammit!

Wer kennt sie nicht, die Radiomoderatoren, die zwischen den Musikeinspielungen für Unterhaltung sorgen (sollen). Im Gegensatz zu Fernsehmoderatoren haben sie in den wenigsten Fällen ein Drehbuch vor sich liegen oder einen vorgegebenen Text und sprechen daher frei nach Schnauze. Es ergibt sich daraus von selbst, dass nicht jeder Mensch zum Radiomoderator geboren ist, schließlich gilt es seine Hörer, zu denen man keinen direkten Kontakt hat, auf der Sendefrequenz zu halten. Seinen Höhepunkt hatte das Radio ohne Frage in den Zeiten, als es noch keinen Fernseher gab, bzw. sich diesen nicht jeder leisten konnte. Dagegen war ein Transistorradio billiger zu haben und stellte oftmals den einzigen Kontakt zur Außenwelt dar, sprich es hielt Informationen nicht nur über die Stadt, sondern auch über das Land parat. Und wie in den meisten Medien gibt es auch immer wieder im Radiowesen solche Menschen, die als Provokateure dienen, in den häufigsten Fällen weil sie gegen das Establishment vorgehen. Welche Bedeutung da für die Masse ein Radiomoderator haben kann, bzw. inwiefern es einer solchen Person oftmals gelingt Menschen gegen sich aufzubringen, wurde bereits in Verfilmungen von einschlägigen Erfahrungen einiger Radiomoderatoren aufgezeigt. Egal ob es sich dabei um einen bloßen exzentrischen Spaßmacher wie Howard Stern in Private Parts handelt, oder um jemanden wie Alan Berg, der durch seine sozial-gesellschaftliche Kritik Vorlage für Oliver Stones Talk Radio war, spielt dabei keine Rolle, in machen Fällen wie bei Arthur Cronauer in Good Morning, Vietnam ist es eine Mischung aus beidem.

Es gibt wohl keinen Afroamerikaner, der ein größerer Fan von Johnny Carsons Tonight Show ist, als Dewey Hughes (Chiwetel Ejiofor). Von Carson hat er sich seinen Gang und seine Klamottenwahl abgeschaut, weswegen Hughes unter seinen farbigen Mitbürgern schon fast als Weißer gilt. Als Hughes seinen älteren Bruder im Gefängnis besucht und dabei den dortigen Insassen und DJ Petey Greene (Don Cheadle) kennen lernt, will dieser einen Job bei dem Radiosender A-WOL, für den Hughes arbeitet. Anhand eines psychologischen Tricks wird Greene vorzeitig entlassen und behellt Hughes schließlich an seiner Arbeitsstelle, wird jedoch von diesem in seine Schranken verwiesen. Da der Sender sinkende Zuhörerzahlen verzeichnet und sich primär an der farbigen Bevölkerung seiner Stadt Washington D.C. ausrichtet, setzt Hughes durch, dass Greene eine Probestunde auf Sendung gehen darf, nachdem dieser tagelang vor dem Sender demonstriert hat. Auch wenn Greenes offene Art kein Blatt vor den Mund zu nehmen bei dem Chef des Senders (Martin Sheen) zuerst nicht besonders gut ankommt, findet er dennoch Gehör bei seinen Hörern. Als Reverend King einem Attentat zum Opfer fällt und sich die Stadt in einem Aufstand zu verlieren scheint, ist es Greene, der seine Brüder und Schwestern von den Strassen weg und zum Radio hinlocken kann. Seine Fangemeinde beginnt zu wachsen und Hughes sieht das Potential, welches in Greene steckt und möchte diesen zu dem größten Komiker Amerikas aufbauen. Dabei ignoriert er nicht nur Greenes eigene Wünsche, sondern auch dessen Alkoholismus.

Die an Talk To Me Beteiligten Personen sagen dem normalen Kinogänger nicht sonderlich viel, denn bisher konnten die Autoren Michael Genet und Rick Famuyiwa ebenso wenig auf sich aufmerksam machen, wie die frühere Schauspielerin und jetzige Regisseurin Kasi Lemmons. Es ist daher wohl allein Hauptdarsteller und Produzent Don Cheadle zu verdanken, dass der Film überhaupt entstand und so bekannte Kollegen wie Chiwetel Ejiofur und Martin Sheen für die Nebenrollen gewinnen konnte. Und es verwundert, wenn man sieht dass Lemmons Film in den USA lediglich 4,5 Millionen Dollar eingespielt hat, wenn man die Fangemeine von Greene betrachtet, zumindest so wie sie im Film selbst dargestellt wird. Es lässt sich also sagen, dass Talk To Me – zumindest finanziell betrachtet – ein Flop ist und auch bedeutsame Auszeichnungen konnte der Film nicht einfahren. Cheadle mag vielleicht darauf spekuliert haben eventuell zumindest eine Golden Globe Nominierung zu erhalten, doch dafür ist seine Darstellung dieser amerikanischen Radiogröße und eindimensional. Nur weil man eine historisch interessante Person spielt, wird man deswegen nicht gleich mit einer Award Nominierung bedacht. Auch Ejiofur scheint die meiste Zeit des Filmes über unterfordert zu sein, sodass Talk To Me wohl nicht mehr und nicht weniger ist als afroamerikanisches Kino für Afroamerikaner.

Das mangelnde Talent des kreativen Personals zeigt sich in einer sehr spannungsarmen Inszenierung der entscheidenden Phase von Greenes Leben, da der Film in der Mitte von Greene zu dessen Manager Hughes wechselt, ohne dabei jedoch beiden Figuren selbst ausreichend Tiefe verliehen zu haben. Dramatisch ist hierbei vor allem auch die Beleuchtung des Filmes, da Szenen in dunklen geschlossenen Räumen so schlecht belichtet sind, dass man – mit Verlaub – Cheadle und Ejiofur fast gar nicht mehr ausmachen kann. Inhaltlich gesehen kann Talk To Me nichts sonderlich interessantes bieten, da die Klimax des Films nur mäßig spannend ist und die Geschichte des Radiomoderators, der sich gegen seine Vorgesetzten stellt und bei den Hörern ankommt, weil er polarisiert, bereits ausgiebig (und besser) in den zuvor erwähnten Filmen abgehandelt wurde. Ein durchschnittlicher Film, der kaum Aufmerksamkeit finden wird und somit seine eigene Entstehung lediglich fragwürdig erscheinen lässt. Das Interessanteste scheint mir noch zu sein, wer eigentlich immer die Tipps für die Sneak postet, da diese in den seltensten Fällen, bzw. im Grunde nie zutreffend sind. „Durchdringend gedankenvoll“ ist an Talk To Me gar nichts und auch wenn man schlecht den Tipp „Durchschnittlich“ posten kann, sollte man doch etwas wählen, was mehr dem wirklichen Film entspricht, als der Meinung des Verleihers.

5/10

Le scaphandre et le papillon

Pas panique.

Ein Mann mit gutem Aussehen, mit Witz und Charme, der viele Freunde hat, beliebt und respektiert wird, gutes Essen schätzt und auch zu seinem Vater ein warmes Verhältnis pflegt. Chefredakteur eines der besten, wenn nicht gar des besten Modemagazins Frankreichs (Elle), der es sich leisten kann nicht nur seine drei Kinder zu versorgen, sondern auch mit seinen Geliebten wegzufahren. Ein Mann der eigentlich alles hat, was man sich von einem erfolgreichen und glücklichen Leben versprechen kann – so ein Mann war Jean-Dominique Bauby, von seinen Freunden nur Jean-Do gerufen. Doch es war nicht Jean-Dos Leben, welches die Menschen beeindruckt und Kathleen Kennedy sowie Jon Kilik dazu bewogen hat einen Film über ihn zu machen. Vielmehr war es der schlimmste Schicksalsschlag im Leben von Jean-Do, der die Ausgangsbasis für Julian Schnabels dritten Kinofilm bildet, der am 27. März 2008 in den deutschen Kinos anlaufen wird. Schnabel, einst Kollege und Freund von solchen New Yorker Künstlern wie Andy Warhol und Jean Michel Basquiat, führte zum ersten Mal seit seinem Film Before Night Falls aus dem Jahr 2000 wieder Regie bei einem Film und gewann nicht nur bei den Filmfestspielen von Cannes den Preis für die beste Regie, sondern erhielt diesen auch bei den diesjährigen Golden Globes, zusammen mit der Auszeichnung für den besten fremdsprachigen Film. Bei der demnächst anstehenden Oscarverleihung ist Le scaphandre et le papillon in vier Kategorien nominiert, darunter erneut für die beste Regie, sowie für das adaptierte Drehbuch von Ronald Harwood, den Schnitt von Juliette Welfing und die Kameraarbeit des Spielberg-Spezis Janusz Kaminski.

Zwei Personen stehen in einem Zimmer, das Bild ist unscharf, die Stimmen geschwächt. Da widmen sich die beiden Personen der Kamera, die den Platz des Protagonisten eingenommen hat. Zu Beginn von Le scaphandre et le papillon nimmt der Zuschauer die Position von Jean-Dominique Bauby ein, sieht und hört alles wie es Bauby tut. Man teilt ihm mit, dass man nach dreiwöchigem Koma aufgewacht sei und bitte ihn seinen eigenen Namen zu sprechen, was Bauby tut. Als der behandelnde Arzt eintrifft erhält Bauby dann die erste Schreckensnachricht: er kann nicht mehr sprechen, seine Äußerungen sind bloße Echos in seinem Gehirn. Kurz darauf sucht ihn der Neurologe Dr. Lepage auf und erklärt Bauby dass er einen Schlaganfall erlitten habe, die Ursachen dafür seien nicht bekannt. Bedauerlicherweise gehöre Bauby zu einer seltenen Gruppe von Menschen, die unter dem Locked-in-Syndrom leiden, was bedeutet dass Bauby lediglich sein linkes Auge und seinen Kopf ein wenig bewegen kann, der Rest seines Körpers ist gelähmt. Jean-Dominique Bauby (Matthieu Amalric) muss sich nunmehr damit abfinden in seinem eigenen Körper gefangen zu sein und sich nicht ausdrücken zu können. Aus diesem Grund erhält er die Logopädin Henriette (Marie-Josée Croze) zugeteilt, die für ihn ein spezielles Alphabet ausrichtet, mit dem sich Bauby verständigen soll. Während man ihm dieses Alphabet vorliest, soll er immer bei dem Buchstaben blinzeln, denn er für seinen Wortbau verwenden will – so entsehen aus Buchstaben Wörter und aus Wörtern Sätze. Bauby beginnt sein Leben aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten und entschließt sich seine Autobiographie zu schreiben. Hierfür wird ihm von seinem Verlag die Lektorin Claude Medibil (Anne Consigny) geschickt, die in geduldiger Kleinsarbeit Baubys Worte und Gedanken zu Papier bringt.

Jean-Dominique Bauby wurde am 23. April 1952 in Paris geboren und er starb am 9. März 1997 in Garchese, nur wenige Tage nach Erscheinen seines Buches Le scaphandre et le papillon. Bauby hatte die achtundzwanzig Kapitel des Buches über vierzehn Monate hinweg Claude Mendibil diktiert und wie er es in seiner Widmung richtigerweise schrieb, kann man sich das Ausmaß von Medibils Arbeit – ebenso wie der von Bauby selbst – nicht vergegenwärtigen, wenn man nicht das Buch liest oder besser noch den Film sieht. Bauby wachte jeden Morgen um 5 Uhr auf und begann sich die Absätze für sein Buch zu überlegen und schließlich auswendig zu lernen, damit er sie später Buchstabe für Buchstabe Stundenlang diktieren konnte. Am Ende sprangen nach fünfstündiger Arbeit etwas mehr wie eine Seite niedergeschriebenes Material heraus, aber was wie eine Sisyphus-Arbeit anmutet war vielmehr der Überlebenskampf eines menschlichen Geistes. An einer Stelle des Filmes wird Bauby ein Gespräch mit einem Mann führen, bzw. dieser ein Gespräch mit ihm, über einen zufälligen Vorfall vor einigen Jahren, der dennoch das Leben der beiden Männer grundlegend verändern sollte. Bauby überließ diesem Mann seinen Platz in einem Flugzeug, nichtahnend dass ebenjenes Flugzeug anschließend nach Beirut entführt werden sollte, wo der Mann dem Bauby seinen Platz überlassen hatte, vier Jahre lang als Geisel gehalten wurde. Das einzige was ihn davor gerettet hatte den Verstand zu verlieren, sei die Aufzählung von verschiedenen Weinsorten gewesen, Hauptsache das Gehirn ist beschäftigt.

Vor drei Jahren gewann Alejandro Amenábar mit seinem Film Mar adentro den Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Amenábars Handlung behandelte die wahre Geschichte von Ramón Sampedro, der vom Hals abwärts gelähmt war und dreißig Jahre lang um die Chance auf Euthanasie gekämpft hatte. Und so ähnlich sich die beiden Filme oberflächlich gesehen sein mögen, sind sie doch grundverschieden. Sampedro, ein Mann der reden, der lachen, seine Wünsche und Hoffnungen mitteilen konnte, im Grund jedoch nichts anderes als sterben wollte, depressiv und sich als Last fühlend. Ihm gegenüber steht Bauby, gefangen in seinem Körper, als befände er sich am Grund des Meeres in einer Taucherglocke, in der er nichts hört, außer seine eigenen Gedanken und nichts sieht als die trübe Sicht vor ihm. Auch Bauby will zu Beginn nichts anderes als sterben, ist seines Lebens als Last überdrüssig, sieht aber bald darauf die Chance, die sich ihm weiterhin eröffnet und kämpft. Sicherlich hätte Jean-Do Bauby noch länger gelebt, wenn man ihm selbst die Wahl überlassen hätte, doch es war ihm nicht vergönnt. Das soll nicht heißen, dass Amenábars Mar adentro die Geschichte eines Menschen sei, der das Geschenken des Lebens nicht zu schätzen wisse, doch gerade dieser Vergleich hebt den schweren Kampf Baubys noch mehr hervor. Gegebenfalls stundenlang ein Störsignal im Fernsehen anblicken zu müssen, da man niemand herbeirufen kann um um-, bzw. abzuschalten, in eine Ecke geschoben oder behandelt zu werden, als würde man nicht existieren...ein überaus furchtbares Schicksal, wenn man selbst sich seiner Umwelt doch bestens bewusst ist und alles mitbekommt, sich selbst jedoch nicht mitteilen kann.

Besonders die erste Viertelstunde von Le scaphandre et le papillon ist von einer unglaublich eindringlichen und bisher in der Geschichte des Filmes unerreichten Intensität, wenn man das Geschehen aus den Augen von Bauby wahrnimmt. Der Zuschauer sieht und hört exakt das, was Bauby sieht und hört, einschließlich unscharfen Bildern, Farbpixeln oder etwaiger akustischer Störungen. Man ist weniger Zuschauer als vielmehr selbst Bauby und das ist in der Tat beängstigend und verstörend. Was außerhalb des Fokus ist, nimmt man nicht wahr und selbst das was sich innerhalb des Fokus befindet, zumeist nur verschwommen. Höhepunkt dieses Gefühls ist der Moment, in welchem Bauby sein rechtes, nicht mehr durchblutetes Auge (mit welchem er jedoch in jenem Augenblick noch zu sehen im Stande ist) von einem Chirurgen zugenäht wird und sich langsam die Lieder neigen und von einem Faden verschlossen werden – hier ist Gänsehaut garantiert! Zudem markiert diese Szene den ersten Kamerawechsel von der Ego-Perspektive Baubys in die des Zuschauers, jetzt erst erhält man einen Blick auf Matthieu Almaric, der insgesamt eine grandiose schauspielerische Leistung abliefert und wahrscheinlich nicht zu Unrecht im nächsten Bond-Abenteuer den Bösewicht mimen darf. Schwer vorstellbar, dass ursprünglich Schnabel-Freund Johnny Depp in die Rolle Baubys schlüpfen sollte, dann aber durch Pirates of the Caribbean davon abgehalten wurde. Almarics Darstellung ist so intensiv, sowohl in den Szenen im Berck-sur-Mer, als auch in seinen Phantasieszenen und Rückblenden, dass ihm, wie auch den anderen Darstellern und Darstellerinnen zuzuschauen ein wahres Vergnügen ist. Dabei ist alleine Max von Sydows Schauspielkunst, wenn er als Baubys Vater Papinou seinen Sohn im Krankenhaus anruft, allemal das Eintrittsgeld wert.

Bauby ist in seinem Körper gefangen wie ein Taucher am Meeresgrund in einer Taucherglocke (scaphandre). Dieses Bild wird man im Verlaufe von Le scaphandre et le papillon mehrmals auf der Leinwand sehen. Doch Bauby stellt fest, dass nicht nur sein linkes Auge ungelähmt geblieben ist, sondern auch seine Phantasie und sein Gedächtnis. Fortan beginnt er von seinem linken Auge als Schmetterling (papillon) zu sprechen, da er mit diesem aus seinem Gefängnis ausbrechen und am Leben teilnehmen kann. Jean-Do beginnt sein Leben aus einem anderen Blickwinkel heraus zu betrachten und durchschreitet dadurch eine Selbstfindung seines eigenen Charakters, lässt seine Seele über seinen Körper triumphieren. Den ursprünglich für eine moderne und weibliche Version von Dumas’ Der Graf von Monte Christo ausgearbeitete Vertrag mit dem Verlag wird nun von Jean-Do als Basis seiner Autobiographie wahrgenommen, als Forum des Ausdrucks seiner Gefühle, Phantasien und Gedanken. Selbst in seiner Krankheit bewahrt sich Bauby (s)einen Sinn für Humor und ein Gespür für Ironie, er kann über sich selber lachen, als zwei Techniker einen Witz darüber reißen, dass ihm ein Telefon mit Lautsprecher ins Zimmer gelegt wird und amüsiert sich selbst darüber, als ihm seine Physiotherapeutin eine Zungenübung zur Wiedererlernung des Schluckreflexes vormacht. Zu einem Zeitpunkt gelingt es Jean-Do sogar seinem Körper mehr Leben einzuhauchen, er kann brummen und den Kopf besser bewegen, beginnt Hoffnung zu schöpfen und der Welt mit vermehrten positiven Gedanken zu begegnen. Auch wenn es nur ein Tropfen auf dem heißen Stein bleiben sollte.

Neben die tollen Darstellungen von Amalric und von Sydow reihen sich auch die ausnahmslos attraktiven Schauspielerinnen mit ihren Leistungen ein. Neben einer fabelhaft gealterten und frisch aufspielenden Emmanuelle Seigner wissen auch Anne Consigny und Marie-Josée Croze zu überzeugen. Besonders die Szenen mit Croze sind äußerst schön geraten, sodass man sich glatt selbst in Henriette verlieben möchte. In Nebenrollen dürfen zudem französische Stars wie Emma de Caunes und einige César-Gewinner wie Patrick Chesnais, Niels Arestrup, Marina Hands und Isaach De Bankolé glänzen. Überboten werden die Darsteller und der Soundtrack lediglich noch vom Kameraspiel Janusz Kaminskis. Der Stamm-Kameramann von Steven Spielberg wurde scheinbar von Spielberg-Produzentin Kathleen Kennedy ins Boot geholt, jedenfalls zaubert er atemberaubende Bilder und Kamerafahrten zu Stande, die kongenial von Juliette Welfings Schnitt abgerundet werden. Das Zusammenspiel zwischen den Bildern und der Musik funktioniert dabei perfekt und besonders das Theme von Paul Cantelon – welches an Yann Tiersen erinnert – erzeugt ein wunderbar melancholisches Gefühl bei der Betrachtung des Gezeigten.

Ein Jahr und zwei Monate hatte Jean-Dominique Bauby im Zimmer 119 des Berck Maritime Hospital in Berck-sur-Mer zugebracht, demselben Hospital in dem Julian Schnabel auch die Verfilmung von Baubys Le scaphandre et le papillon inszenieren würde. Schnabels Film handelt von Liebe und Leben, sowie der Liebe zum Leben. Der Liebe von Vätern zu Söhnen und umgekehrt, der Liebe eines Mannes zu seiner Familie und gleichzeitig zu seiner Geliebten, die es nicht fertig bringt ihn im Krankenhaus zu besuchen und später anrufen wird, während die Mutter von Jean-Dos Kindern, Céline, anwesend ist. Es geht um Hoffnung und den Glauben an sich selbst, an sein eigenes Leben, behandelt die Kraft von Gedanken und die Stärke der menschlichen Seele. Selten hat ein Film sein Publikum so sehr an der Handlung teilhaben lassen, wie in der ersten Viertelstunde und man merkt bereits während dem Sehen, dass man Zeuge von etwas besonderen und einzigartigem geworden ist. Schnabel gelingt es sein persönliches Meisterwerk abzuliefern, mit einem Film dessen Darsteller, dessen Bilder und dessen Musik es schaffen nicht nur das einzufangen was ein Mann einmal gewesen war, sondern was er auch ist, eine großartige Geschichte über einen Schmetterling, der einer Taucherglocke entfliehen kann und zurecht mit all seinen Preisen und Nominierungen bedacht. Le scaphandre et le papillon ist Pflicht für das Filmjahr 2007 und jeden Cineasten.

10/10 - erschienen bei Wicked-Vision

Caché

Maybe one of your fans?

Vor etwas mehr als zehn Jahren erschien ein österreichischer Film über eine Familie, die zu ihrem Ferienhaus fuhr. Dort angekommen klingelten zwei junge Männer an ihre Tür und was darauf folgte war eine tour de force der besonderen Art. Geknebelt und gefesselt wurden der Familienvater, seine Frau und sein Sohn, Opfer eines perfiden Psychospiels, welches keinerlei Grund oder Motiv fand. Oder schien dem nur so? Die beiden jungen Männer malträtierten die Familie scheinbar nur aus einem einzigen Grund: um das Publikum zu unterhalten. Mehrmals die vierte Wand durchbrechend hielt der österreichische Regisseur Michael Haneke mit seinem 1997 erschienenen Film Funny Games dem Zuschauer einen Spiegel vor sein Gesicht. Immer wieder agierten die beiden Männer nach dem altbekannten Schema von Spielfilmen, foltern ihre Opfer, lasse diesen die Chance zur Flucht, nur um sie dann doch weiter zu foltern. Nie aktueller als zu unserer heutigen Zeit, scheint diese Thematik zu sein, die ihre Renaissance in den Werken von Alexandre Aja oder Eli Roth und deren Folter-Pornos a la Hostel findet. Gewalt ist en vogue und kein einziger Tag kommt mehr ohne eine solche Meldung in den Medien aus, seien es U-Bahn- oder Marktplatz-Schläger. Gekonnt spielte Haneke mit der Angst eines gehobeneren Ferienorts und zwei Bösewichtern, die problemlos in jedem Golfclub aufgenommen hätten werden können. Dieses Jahr wird Hanekes identisches US-Remake mit Tim Roth und Naomi Watts in den Kinos erscheinen.

Vor wenigen Jahren gewann Haneke bei den Filmfestspielen von Cannes mit seinem Film Caché nicht nur den Preis für die beste Regie, sondern auch beim Europäischen Filmpreis in den Kategorien Film, Regie, Darsteller und Schnitt. Zudem wurde Caché als österreichischer Beitrag für die Academy Awards 2005 eingereicht, aufgrund der Tatsache, dass der Film auf französische gedreht wurde allerdings abgelehnt. Für Haneke selbst gab es drei Gründe den Film zu machen, wie er in einem Interview erläutert hatte. Der erste dieser Gründe war Daniel Auteuil, mit dem Haneke schon lange zusammenarbeiten wollte und dem er Caché daher auf den Leib schrieb. Zudem kam als zweiter Grund, dass Haneke schon lange einem Film machen wollte, der sich mit Schuldgefühlen eines Erwachsenen beschäftigt, die in dessen Kindheit verankert waren. Der dritte und letzte Grund für die Entstehung von Caché war das Pariser Massaker vom 17. Oktober 1961, bei dem über zweihundert Algerier getötet wurden und das Haneke nicht ausreichend thematisiert in Frankreich fand. Besonders Lob fand der Film, der gänzlich ohne Musik auskommt, wegen seines Brecht’schen Verfremdungseffektes, der den besonderen Reiz des Erlebnisses von Caché ausmache. Da sich Haneke strikt an sein eigenes Drehbuch hielt, gab es leichte Probleme am Set mit seiner Hauptdarstellerin Juliette Binoche, welche sich mehr Interpretationsfreiheit für ihre Rolle gewünscht hätte. An dieser Stelle möchte ich erwähnen, dass der letzte Absatz Spoiler enthält.

Georges Laurent (Daniel Auteuil) ist Fernsehmoderator und mit der Lektorin Anne (Juliette Binoche) verheiratet. Das Leben der beiden wird erschüttert, als sie eine zweistündige Videoaufnahme einer Frontalansicht ihres Hauses erhalten. Wer hat die Kassette geschickt und zu welchem Zweck? Was sich für Georges wie ein Streich anfühlt, wird kurz darauf mit anonymen Anrufen bei Anne wieder zum Ernst. Den Anrufen folgt eine weitere Kassette, diesmal mit einer Zeichnung eines Blut spuckenden Jungen begleitet. Als Georges und Anne die Polizei aufsuchen, kann diese ihnen nicht weiterhelfen. Solange niemand zu schaden kommt, können sie nichts machen. Währenddessen beginnen zwischen Georges und Anne die Emotionen hoch zu kochen, verstärkt wird das ganze durch das Eintreffen eines neuen Videos mit einer neuen Zeichnung. Ein Hahnkopf inklusive Blut begleitet eine Videoaufnahme aus einem Auto heraus, die auf einem Bauerngut endet. Doch hierbei handelt es sich um kein gewöhnliches Bauerngut, sondern um das ehemalige Bauerngut von Georges’ Eltern. Als Georges seine Mutter daraufhin besucht, beginnen sich erste Verdachtsmomente in ihm zu hegen, die mit einem neuerlichen Videoband bestärkt werden. Nunmehr hat Georges eine Adresse und diese sucht er alleine auf, die verstörte Anne nicht in seine Verdächtigungen oder Hintergründe einweihend. Als Georges zu der besagten Adresse fährt, trifft er auf einen Menschen, den er aus seinem Leben verbannt hatte und den ein Geheimnis begleitet.

Haneke bedient sich in Caché vieler langer und ruhiger Einstellung, oftmals handelt es sich hierbei um diejenigen des Videobandes, sodass man sich praktisch in der Position des Filmers befindet als Zuschauer. Und es gelingt Haneke auch zu Beginn des Filmes eine gewisse Spannung auf der Unsicherheit der Laurents heraus zu erzeugen, die dann erneut verstärkt wird, als Georges seinem Verdächtigen gegenübersteht. Das große Geheimnis aus Georges Leben ist irgendwie keines, denn das, was er in seiner Kindheit verbrach, kann man schwerlich als Schuld sehen, zumindest nicht als solche, wie man sie durch die Inszenierung des Filmes erwartet. Bitter aufstoßen tut auch, dass der Film keine Auflösung hat, kein Ende und keinen Anfang – seine Handlung verläuft im Prinzip ins Leere. Es wird nicht aufgeklärt, wer die Videobänder aufgenommen hat und was er damit bezweckt. Die plötzliche Heimsuchung von Georges mit dessen Schuld nach vierzig (!) Jahren macht inhaltlich überhaupt keinen Sinn, vor allem da es sich scheinbar um einen anderen Täter handelt, wie zuerst impliziert worden ist. Man stelle sich vor, jemand macht einen Film darüber, wie eine Person einen Kuchen backt und ihn am Ende in den Ofen stellt. Es wird nicht gesagt wofür der Kuchen ist und ob er gelingen wird, alles was man sieht ist die Entstehung des Kuchens. So ein Film hätte keinen Punkt, weil keinen Sinn und ähnlich verhält es sich mit Caché. Seine psychologische Tiefe, mit der Haneke noch zu Beginn spielt, wenn man nicht weiß, wer was und wieso, verliert spätestens am Ende, wenn man merkt, dass es auf wer was und wieso keine Antworten gibt. Was viele Kritiker als genial bezeichnen mögen, ist am Ende bedauerlicherweise nicht mehr als viel Lärm um Nichts.

4.5/10